viernes, 27 de marzo de 2015

Avance #PHE2015 Luis González de Palma.

Espacio Fundación Telefónica
Calle Fuencarral 3
Del 11 de junio al 18 de octubre de 2015
Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com - www.gonzalezpalma.com - www.phe.es

Möbius, 2014
Fotografía © Luis González de Palma
Imagen cortesía del artista


Luis González Palma (Guatemala, 1957) vive y trabaja en Córdoba (Argentina) y está considerado uno de los fotógrafos latinoamericanos más importantes de la escena internacional. En el marco del festival PhotoEspaña, el Espacio Fundación Telefónica expondrá entre el 11 de junio y el 18 de octubre la obra de este artista guatemalteco.

La exposición, comisariada por Alejandro Castellote, propone una revisión retrospectiva a partir de las constelaciones temáticas que recurrentemente han poblado el universo del autor. Las reflexiones en torno a la identidad y la memoria, la introspección y la intimidad o la representación de lo no visible discurren paralelas a una experimentación formal que abandona progresivamente la tradición bidimensional para adentrarnos en una experiencia más escultórica de la fotografía. En palabras de González Palma, se trata de «un intento de darle cuerpo a los fantasmas que gobiernan las relaciones personales, las jerarquías religiosas, la política y la vida».

Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en The Art Institute of Chicago, The Lannan Foundation, The Australian Centre for Photography, el Palacio de Bellas Artes de México, The Royal Festival Hall en Londres, el Palazzo Ducale di Genova, los Museos MACRO y Castagnino de Rosario, Argentina. También ha participado en numerosos festivales internacionales como como el Photofest de Houston o Les Rencontres de Arles en Francia. Luis González Palma fue representante de su país en la 51ª Edición de la Bienal de Venecia.

jueves, 26 de marzo de 2015

El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935. @fundacionmarch

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 26 de marzo al 28 de junio de 2015
Más información en www.march.es

Jean Dunand. Madame Agnès, 1927. Cortesía Galerie Michel Giraud, París

La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935, quiere ofrecer la oportunidad de conocer, juzgar y disfrutar del que ha sido llamado "el último estilo total" de la historia: el difícilmente definible art déco.

El "estilo" –o más bien la mezcla de estilos e influencias– que llamamos art déco empezó a desperezarse en París, la entonces capital del arte moderno, alrededor de 1910, en buena parte como reacción contra el art nouveau, que había vuelto al simbolismo del XIX y a la naturaleza como fuente de inspiración de las artes. Los cultivadores del déco tenían la pretensión, moderna por definición, de crear algo nuevo, pero al mismo tiempo concentraron en sus prácticas una enorme variedad de fuentes e influencias, que iban desde los estilos nacionales históricos –en el caso de Francia, los de los siglos XVIII y XIX– hasta las tradiciones vernáculas, pasando por las de otras épocas y otros países como la Grecia arcaica, Egipto, África, México, Japón o China, sin olvidar el influjo ejercido por las primeras vanguardias –en especial el cubismo–, pues como ya había ocurrido con los cultivadores del nouveau, los representantes del nuevo estilo estaban absolutamente al día de las corrientes artísticas más actuales.

La diversidad de fuentes privó al art déco de un cuerpo único de rasgos estilísticos. Desde las flores estilizadas y la importancia de la luz o de las fuentes de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, hasta el Modern Jazz y el Streamline del diseño industrial norteamericano que se impuso entre los años treinta y cincuenta en todo el mundo, al art déco se le puede reconocer cierta unidad por su culto a la calidad, su incorporación de las formas de vida modernas, la celebración de lo nuevo, de la sensualidad juvenil y también del consumo. Además, el déco cultiva como procedimiento generalizado cierta amplificación del detalle y del efecto, la elección de materiales exóticos, la calidad de su factura y un dominio maestro de las técnicas de seducción del gusto del público. Lo que conocemos como art déco fue un estilo moderno, pero alternativo a la vanguardia; significó una modernidad más pragmática y ornamental que utópica y funcionalista, y se convirtió en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan característicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras décadas siglo XX.

La iniciativa del gobierno francés de celebrar la Exposición de 1925 –originalmente programada para 1916– con el fin de restablecer la primacía internacional de los productos de la industria francesa del lujo, supuso un verdadero trampolín para el art déco. La Exposición acaparó la atención mundial y provocó enseguida la difusión del estilo por todo el mundo. En París, sus principales consumidores fueron las mujeres jóvenes de clase alta aficionadas a la moda y los couturiers que trabajaban para ellas, algo de lo que los espectaculares apartamentos de Jacques Doucet, Suzanne Talbot o Jeanne Lanvin son claros ejemplos.

Puede decirse que el art déco nació en París tras el fin de la Primera Guerra Mundial y se prolongó en el tiempo hasta que las consecuencias del Crack de Wall Street de 1929 se hicieron sentir también en Francia, a partir de 1931. Hacia 1929 comenzaría a abrirse paso en su seno otra sensibilidad, más en tránsito hacia la otra modernidad, que reaccionaba contra el lujo excesivo y la voluptuosidad ornamental de buena parte del primer art déco. En paralelo a un retorno en todo el mundo a cierta austeridad en las artes decorativas y la construcción, un grupo de jóvenes artistas –evolucionados o disidentes del primer déco y miembros de la posterior Union des artistes modernes (UAM) fundada en París en 1929– comenzó a trabajar de un modo más sobrio, utilizando acero y cromo tubular como principales materiales, influenciados por el movimiento moderno que, desarrollado en Holanda y Alemania, en Francia representaba principalmente Le Corbusier, quien había sido el principal antagonista del nuevo estilo ya antes de 1925. Hasta aquí el relato histórico del primer déco, del que esta exposición se ocupa desde un punto de vista muy específico: el de su inclusión en la historia del arte moderno.

La muestra El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 se organiza en ocho secciones, cronológicas y temáticas, a través de las que se narra un fenómeno tan fascinante como poco conocido. En espacios y ambientes de distinta envergadura, la exposición combina reconstrucciones y recreaciones con casi cuatrocientas piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, perfumería, cine, arquitectura, vidrio, cerámica, laca y orfebrería, además de tejidos, encuadernaciones, fotografías, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas, que testimonian el gusto moderno y el aire de un tiempo tan difícil de captar como presentes en nuestra cultura contemporánea.

A través de esas obras, el relato expositivo comienza buscando los orígenes del déco en el París de la primera década del siglo XX, revisando el cubismo como una de sus fuentes y ofreciendo una panorámica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. Después, plantea un recorrido por la Exposición Internacional de París de 1925. La muestra es intensa a la hora de exponer los objetos resultantes de los procesos de seducción para el consumo y creación de nuevos hábitos sentimentales, corporales e intelectuales que el déco ejerció sobre la moda, la perfumería, los complementos y los objetos decorativos; la muestra se demora en la presencia de lo exótico en el déco –centrada en la Exposición Colonial de 1931 en París– y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del déco se reúne y se mezcla con aquellas nuevas formas –las de Charlotte Perriand, Le Corbusier o Eileen Grey– habitualmente identificadas con la modernidad, de cuya historia el decó, curiosa e injustamente, parece casi no haber formado parte.

miércoles, 25 de marzo de 2015

Presentación: "PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo".

Centro de Arte Dos de Mayo
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 26 de marzo al 4 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en ca2m.org - www.madrid.org/agenda-cultural - www.facebook.com/CulturaComunidadMadrid

Dan Graham
Rock My Religion [Rock mi religión], 1983-84 Vídeo 55 min 27 s
Cortesía de EAI Electronic Arts Intermix


Comisariado: David G. Torres

Entre 1976 y 1978 en Londres y Nueva York surgió como una explosión el Punk: unos cuantos grupos de música agrupados en torno a fancines, tiendas de moda o locales que mostraban oposición frente a los convencionalismos de la industria musical, de la moda y del panorama socio-político haciendo de la negativa, el ruido, la irresponsabilidad y la rapidez su leitmotiv. El Punk surgió como una reacción a la crisis del sueño hippie (un espejo de la crisis de la propia modernidad); enredado en la aparición del terror y el terrorismo como acción política; atenazado por la crisis económica ligada a la gestión de la escasez (el petróleo) que conllevaba el final del sueño en el progreso y una generación abocada al desempleo; todo ello aderezado con un regreso del conservadurismo político que anunciaba la aparición del tacherismo y Reagan. El Punk mostraba un descontento rabioso frente a una situación sin futuro que enseguida prendió y se extendió geográficamente. En España apareció poco después en los grupos incipientes de la movida madrileña y en las zonas más industriales (Euskadi y Cataluña principalmente) con una generación que ya había perdido la ilusión democratizadora de la lucha antifranquista. Pero el Punk es sólo el punto álgido, una explosión en la que se oyen ecos del Dadaísmo o el Situacionismo, de un sentir común, un malestar, descontento, insatisfacción y una rabia que acompaña todo el siglo XX. Una rabia cuyo eco todavía está presente hoy en día.

Hans-Peter Feldmann
5 Pound Bill with Red Nose [Billete de 5 pounds con nariz roja], 2012 7,5 x 14 cm
Cortesía de ProjecteSD, Barcelona


Tanto el Punk como su genealogía y antecedentes han sido analizados y estudiados. En “Rastros de carmín”, el ensayo más significativo e icónico sobre sus repercusiones, Greil Marcus trazaba por primera vez un recorrido por los antecedentes del Punk. Esta exposición pretende hacer el ejercicio inverso: recorrer su influencia en el arte actual, es decir, establecer una genealogía que llegue hasta nuestros días o, tomando una expresión de Greil Marcus, seguir sus rastros hasta el presente. “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” busca hacerse eco de la importante presencia de lo Punk como actitud y como referencia entre muchos creadores. Tanto que quizás esa referencia es el único punto en común entre artistas y obras muy distantes; o tanto como para rastrear el arte contemporáneo como un espacio de disidencia en el que congregar una actitud Punk.

Mabel Palacín
Sniper (de la serie Snapshots), 1988 Mabel Palacín en colaboración con Marc Villaplana Fotografía b&n sobre dibond y enmarcada.
Cortesía de | Courtesy of colección privada, Milán


Aspectos como la insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social parecen intrínsecos a la práctica de muchos artistas. En la exposición el Punk aparece como una referencia explícita en muchos artistas: en el uso de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el anti-diseño y el feísmo; o al incluir referencias musicales explícitas de grupos punk. Pero también se muestra el rastro del Punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el hazlo tu mismo; la referencia al miedo y el terror en una sociedad que aliena a los individuos; esa misma alienación que provoca estados psicóticos; la valorización de lo que se sale de la norma; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; o la reivindicación de la propia libertad sexual, del cuerpo como lugar de batalla.

Tracey Emin
I’ve Got It All [Lo tengo todo], 2000 Fotografía 124 x 109 cm
Cortesía de la artista


El ruido, la negación, la violencia, la destrucción, la alienación, la anarquía, el nihilismo y la sexualidad forman distintas áreas temáticas de la exposición, a las que se suman referencias de grupos, textos, música o algunas obras icónicas. Así refleja la multiplicidad de ideas, aspectos y temas que articulan la actitud Punk en arte contemporáneo. Y, como no podría ser de otra forma, “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” es una exposición llena de ruido, explícito pero también en la suma de imágenes y en una voluntad desjerarquizadora de la producción artística contemporánea: mezclando grandes instalaciones, rastros documentales, piezas únicas, múltiples, fotografías, vídeos, pintura. Finalmente como muestra de los antecedentes y de la historia del Punk, la exposición incluye un diagrama que muestra tanto sus orígenes como sus rastros hasta el presente.

ARTISTAS

Carlos Aires, Martin Arnold, Fabienne Audeoud, Bill Balaskas, Jean-Michel Basquiat, Laurent P. Berger, Chris Burden, Tony Cokes, Jordi Colomer, Brice Dellsperger, Christoph Draeger, Jimmie Durham, Tracey Emin, Mario Espliego, Ant Farm, Hans-Peter Feldmann, Claire Fontaine, Chiara Fumai, Iñaki Garmendia, Kendell Geers, Gelitin, Nan Goldin, Douglas Gordon, Dan Graham, Eulàlia Grau, Guerrilla Girls, Johan Grimonprez, Antoni Hervas, Mike Kelley, Martin Kippenberger, João Louro, Christian Marclay, Raúl Martínez, Raisa Maudit, Paul McCarthy, Jonathan Messe, Jordi Mitjá, Joan Morey, Janis E. Müller, Matt Mullican, Itziar Okariz, João Onofre, Antonio Ortega, Tony Oursler, Mabel Palacín, Juan Pérez Aguirregoikoa, Raymond Pettibon, Maria Pratts, Tere Recarens, Jamie Reid, Tim Reinecke, Martín Rico, Aida Ruilova, Pepo Salazar, Santiago Sierra, Federico Solmi, Natascha Stellmach, Gavin Turk y VALIE EXPORT.

martes, 24 de marzo de 2015

Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución.

Sala de Exposiciones El Águila
Calle Ramírez Prado 3
Del 25 de marzo al 31 de mayo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org



Entre el 24 de marzo y el 31 de mayo, la madrileña sala 'El Águila' acogerá la exposición Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución, organizada por la Comunidad de Madrud en torno a la figura del pensador y político español del siglo XIX Juan Donoso Cortés.

Bajo el nombre Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución, la Comunidad de Madrid realizará una exposición sobre la figura de Juan Donoso Cortés, el pensador y político español del siglo XIX que mayor repercusión alcanzó en Europa. La muestra tendrá lugar en la Sala ‘El Águila’ del 24 de marzo al 31 de mayo y está comisariada por el catedrático de Historia Contemporánea de la Universidad de Cantabria, Carlos Dardé.

Dividida en cuatro grandes apartados, la exposición repasa la vida y la obra de Donoso Cortés, en relación a las circunstancias históricas y políticas que le tocó vivir. El primer apartado aborda el final del reinado de Fernando VII y el conflicto sucesorio que dio origen a la guerra carlista. El segundo hace un recorrido por la regencia de María Cristina de Borbón (1833-1840) durante la que tuvo lugar la implantación del régimen liberal en España. El tercero trata la regencia de Espartero (1840-1843) y la preponderancia del Partido Progresista. Y, por último, el cuarto apartado muestra la primera época del reinado de Isabel II, la llamada década moderada (1844-1854).

El recorrido finaliza con una selección de los libros que muestran la continua atención que se ha mostrado hacia la figura de Donoso Cortés tanto en España como en el mundo. Su obra conoció una segunda juventud en la primera mitad del siglo XX, tras la implantación de los totalitarismos y los millones de muertos causados por las guerras mundiales, que parecían confirmar los peores pronósticos de Donoso acerca de la capacidad ilimitada para el mal del ser humano. En la actualidad, Donoso Cortés es apreciado más por la inteligencia con que analizó la sociedad de su época y la fuerza de su escritura, que por su labor política o por las soluciones que propuso.

lunes, 23 de marzo de 2015

Avance: Suso33 On line. Una retrospectiva.

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala A
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 7 de mayo al 26 de julio de 2015.
Entrada gratuia
Más información en www.suso33.com - www.ayto-fuenlabrada.es

Suso33


Primera muestra antológica dedicada al artista SUSO33 (Madrid, 1973).

Figura internacional del arte urbano, hace tiempo que desbordó estos orígenes con una originalísima obra que se expresa en diversas disciplinas: pintura, acción, video y artes escénicas.

Suso33


SUSO33 entiende el proceso creativo como un compromiso ético con el entorno, las personas y sus problemáticas (Arte Humano), y no como una fábrica de objetos artísticos para el mercado; de ahí que la muestra se plantee como una experiencia sensorial para el visitante.

La exposición, comisariada por Susana Blas, recorre tres décadas de carrera, desde sus comienzos cmo escritor de grafitti hasta sus espectaculares proyectos escénicos.

Entre sus temáticas destacan la necesidad de crear desde el cuerpo y la emoción, y la crítica a la injusticia social.

La nueve fotografía es la protagonista de OjodePez #40



OjodePez #40 va más allá de la mera apariencia de las fotografías y se cuestiona el tratamiento de la verdad en las imágenesde la mano del fotoeditor Jörg M. Colberg.
El fotógrafo americano plantea la división que está viviendo la fotografía. Aspectos como su credibilidad o proliferación desde manos no profesionalizadas son motivo de disputa para muchos profesionales del sector. A partir de dicho planteamiento «se llega al talón de Aquiles de la fotografía: cómo puede contarse la verdad con imágenes. (…) todos nos hemos dado cuenta, seguramente, de que hay bastantes áreas en las que resulta esencial que las fotografías transmitan la verdad, o acaso, como mínimo, una verdad» en palabras de Colberg.

Componen el dossier:

-Andrew Hammermand que muestra en The new town, cómo las nuevas tecnologías de videovigilancia on line pueden convertirse en un método perverso de manipulación y control.

-Viktoria Binschtok pone en jaque al programa Google Street View que permite acceder a la cotidianeidad de casi cualquier calle, pero que no es capaz de verlo todo.

-Arwed Messmer se traslada hasta la Berlín de la Antigua Stasi para recuperar los archivos en los que miles de fotografías de personas que intentaron cruzar el muro de Berlín aún se guardan.

-Ciudades modelos es el motivo que llena las fotografías de Jim Goldberg a través de lo cual reflexiona sobre esas geografías urbanas en las que la realidad también se construye y se imagina.

Fotografía © Jim Goldberg
Esquina entre U.S. 1 y el bulevar Ella T. Grasso, New Haven, Conneticut, 2014


-Melissa Catanese transforma imágenes domésticas en proyecciones oníricas y poéticas de nosotros mismos bajo el título: Dive dark, dream slow.

-Petra Stavast cuenta la historia de Ramya a través de las fotografías. «Tal vez estas imágenes no cuenten la verdad, pero cuentan una historia de la verdad».

-Las cámaras de vigilancia forman parte del paisaje de las ciudades de todo el mundo. Están tan mimetizadas con el entorno que ya nadie repara en ellas. Las fotografías deJens Suddenheim recuerdan su presencia.

La sección Portfolio recoge una selección de imágenes de fotógrafos que han presentado sus trabajos para participar en los visionados de portfolios organizados por PHotoEspaña en Madrid y Latinoamérica. En este número, OjodePez destaca los trabajos de:
-Marco Antonio Filho, que recupera los escenarios de su juventud;

-Pedro Silveira, quien trata de reconstruir una parte de la historia cultural de los descendientes de eslavos en Brasil;

-Karina Muench, habla sobre la violencia doméstica en Bolivia;

-Constanza de Rogatis, sobre la memoria entre los miembros de su familia;

-Pablo Dondero, con un proyecto sobre el deporte como medio de rehabilitación y reiserción social;

-Gustavo Lacerda, resalta la belleza de los albinos y trata de llamar la atención sobre estas personas que suelen vivir en los márgenes de la sociedad.

La revista publica un trabajo in progress de Sian Davey en el que plantea una serie de fotografías como un ejemplo de vida familiar, con sus tensiones, alegrías y altibajos.Buscando a Alice muestra que las historias pueden variar, pero las emociones son las mismas en todas las familias.

Fotografía © Mar Saez
Vera y Victoria


Por último, este número de OjodePez estrena sección. Highlight incluirá trabajos de premiados o destacados por algún motivo. La murciana Mar Sáez (Murcia, 1983) será quien inaugure la sección. En su obra son constantes las cuestiones de identidad, feminidad y valores socio-culturales. 

Más información en www.ojodepez.org

domingo, 22 de marzo de 2015

Jim Campbell. Ritmos de luz.

Espacio Fundación Telefónica
Planta 3ª
Calle Fuencarral 3
Del 1 de abril al 28 de junio de 2015.
Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com

Home Movies, Jim Campbell (2014) © Cortesía del artista.


Movimiento, baja resolución, luz y abstracción, percepción, espacio y memoria invaden la exposición ‘Jim Campbell. Ritmos de Luz‘, es la primera antológica en España del trabajo de uno de los artistas más innovadores y reconocidos en el campo de la experimentación lumínica. Artista e ingeniero electrónico norteamericano es uno de los pioneros en el uso de la tecnología lumínica de los LEDs para desarrollar instalaciones interactivas de gran valor artístico.

Coincidiendo con el Año Internacional de la Luz en 2015, el Espacio Fundación Telefónica expone el trabajo de Jim Campbell, 27 obras basadas en una combinación de técnicas de videoarte y luz que proyecta en soportes de reproducción comunes como LEDs, LCDs y monitores o pantallas de televisión. A través de la manipulación de la electrónica y la informática, el artista nos aproxima al mundo de las videoinstalaciones y esculturas de luz de gran belleza visual. Esferas de leds, pixeles, video proyectores, frames, circuitos electrónicos y fotografías pixeladas, que producen imágenes evocadoras y provocadoras que retan al visitante cuestionando su capacidad de percepción.

La muestra, realizada en colaboración con el Dundee Contemporary Arts de Escocia, incluye además de algunas de sus obras más representativas sus últimas creaciones, como Light Topography (Jane’sPool), donde crea a través de LEDs un relieve topográfico en baja resolución de nadadores que evoca el movimiento de las olas y la profundidad de los mares o Blur, un panel de LEDs que muestra el vídeo sin editar a una resolución mínima de una escena de las calles de Nueva York.

En la exposición destaca la instalación Last Day in the Beginning of March, una pieza de 26 bombillas que recrea el último día en la vida del hermano del artista. Y Exploded View, una constelación en 3D de más de 1.000 bombillas que muestra el patrón de los desplazamientos de trabajadores o la serie Home Movies 1040, donde el artista, a través de una sucesión de fotogramas a muy baja resolución de vídeos caseros obtenidos en EBay en una pantalla de Led’s son ejemplos de obras de baja resolución.

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sábado, 21 de marzo de 2015

La imagen y el objeto. Chema Madoz. Conferencia.

Círculo de Bellas Artes
Sala Ramón Gómez de la Serna
Planta 5ª
Calle Alcalá 42
Miércoles 25 de marzo a las 19:30 horas
*Acceso libre hasta completar aforo.
Más información en www.circulobellasartes.com - www.chemamadoz.com - surescuela.com

Fotografía © Chema Madoz


SUR, Escuela de Profesiones Artísticas y ACCIONA convocan una nueva cita dentro del programa de clases magistrales de la Cátedra ACCIONA, que mensualmente imparte un profesor invitado de prestigio internacional. Cada uno de estos profesionales comparte su experiencia en dos sesiones, una en exclusiva con los alumnos de la escuela y otra abierta al público en general.

Chema Madoz es el próximo invitado de la Cátedra ACCIONA, que tendrá lugar el miércoles 25 de marzo a las 19.30 horas en la Sala Ramón Gómez de la Serna del Círculo de Bellas Artes de Madrid. La master class de Madoz, abierta al público, estará centrada en su obra o, como afirma el filósofo e historiador del arte Luis Arenas, en sus «mundos improbables, ciertamente, pero no imposibles: ahí están ante nosotros para demostrarnos su realidad».

La imagen y el objeto es el nombre con el que Madoz ha titulado su intervención. En ella recorrerá la evolución que ha vivido su trabajo artístico a través de diferentes proyecciones del mismo. Una evolución que marca el cambio de las claves a la hora de hacer fotografía «mientras se va incorporando a las imágenes un vocabulario que tiene procedencias tan distintas como el diseño, la instalación, la pintura, la escultura o la propia poesía» dice el fotógrafo español.

Organiza: Escuela Sur

Fernando Vicente. Universos.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Planta 1ª
Calle Amaniel 29 - 31
Hasta el 10 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información en museo.abc.es - www.fernandovicente.es

Fernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Sumergirse en el trabajo de Fernando Vicente, uno de los ilustradores de referencia de nuestro país, es la propuesta del Museo ABC, que presenta una gran retrospectiva de su obra. Fernando Vicente. Universos cuenta con casi 200 piezas que han marcado la historia visual reciente de nuestro país.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Fernando Vicente (Madrid, 1963) se caracteriza por contar historias en cada uno de sus dibujos. Todos ellos rebosantes de elegancia, en ocasiones de glamour, pero fundamentalmente bellos. Vicente es, ante todo, un narrador capaz de penetrar en el alma del personaje retratado. En su dibujo cabe el realismo, como en una foto, pero también los sentimientos y la psicología del protagonista de la imagen.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Tras más de 50 exposiciones, la muestra que ahora acoge el Museo ABC es una gran recopilación de algunas de sus obras más representativas. Un recorrido por más de tres décadas de trabajo de una de las figuras imprescindibles en el panorama creativo actual.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Compuesta por dos centenares de obras originales, propiedad del artista, la exposición recoge una gran cantidad de retratos de personajes célebres e ilustraciones para libros clásicos (Kafka, Jane Austen, Arthur Conan Doyle…).

El recorrido se inicia con una mirada sobre los años 80. Los comienzos de Fernando Vicente. Allí nos encontramos con pósters de la época, portadas de discos y muestras de las revistas Madriz y La Luna de Madrid. Continúa con su trabajo para la prensa, tanto cultural como de opinión, seguido de revistas y portadas, tanto nacionales como extranjeras.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


En el apartado de libros, la muestra reúne portadas de ediciones para adultos, pero también libros infantiles y algún álbum ilustrado.

Vicente tiene también una estrecha relación con el mundo de la moda. En la muestra se plasma a través de las ilustraciones hechas para las principales revistas de moda de nuestro país, tanto masculinas como femeninas.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Su pasión por el mundo “Pin-Up” le ha llevado a trabajar en varios libros, barajas de póker y colaboraciones con otras publicaciones generalistas.

Esta exposición contará también con varias series de retratos de personajes conocidos. Principalmente escritores.