jueves, 5 de marzo de 2015

El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935. @fundacionmarch

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 26 de marzo al 28 de junio de 2015
Más información en www.march.es

Jean Dunand. Madame Agnès, 1927. Cortesía Galerie Michel Giraud, París

La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935, quiere ofrecer la oportunidad de conocer, juzgar y disfrutar del que ha sido llamado "el último estilo total" de la historia: el difícilmente definible art déco.

El "estilo" –o más bien la mezcla de estilos e influencias– que llamamos art déco empezó a desperezarse en París, la entonces capital del arte moderno, alrededor de 1910, en buena parte como reacción contra el art nouveau, que había vuelto al simbolismo del XIX y a la naturaleza como fuente de inspiración de las artes. Los cultivadores del déco tenían la pretensión, moderna por definición, de crear algo nuevo, pero al mismo tiempo concentraron en sus prácticas una enorme variedad de fuentes e influencias, que iban desde los estilos nacionales históricos –en el caso de Francia, los de los siglos XVIII y XIX– hasta las tradiciones vernáculas, pasando por las de otras épocas y otros países como la Grecia arcaica, Egipto, África, México, Japón o China, sin olvidar el influjo ejercido por las primeras vanguardias –en especial el cubismo–, pues como ya había ocurrido con los cultivadores del nouveau, los representantes del nuevo estilo estaban absolutamente al día de las corrientes artísticas más actuales.

La diversidad de fuentes privó al art déco de un cuerpo único de rasgos estilísticos. Desde las flores estilizadas y la importancia de la luz o de las fuentes de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, hasta el Modern Jazz y el Streamline del diseño industrial norteamericano que se impuso entre los años treinta y cincuenta en todo el mundo, al art déco se le puede reconocer cierta unidad por su culto a la calidad, su incorporación de las formas de vida modernas, la celebración de lo nuevo, de la sensualidad juvenil y también del consumo. Además, el déco cultiva como procedimiento generalizado cierta amplificación del detalle y del efecto, la elección de materiales exóticos, la calidad de su factura y un dominio maestro de las técnicas de seducción del gusto del público. Lo que conocemos como art déco fue un estilo moderno, pero alternativo a la vanguardia; significó una modernidad más pragmática y ornamental que utópica y funcionalista, y se convirtió en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan característicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras décadas siglo XX.

La iniciativa del gobierno francés de celebrar la Exposición de 1925 –originalmente programada para 1916– con el fin de restablecer la primacía internacional de los productos de la industria francesa del lujo, supuso un verdadero trampolín para el art déco. La Exposición acaparó la atención mundial y provocó enseguida la difusión del estilo por todo el mundo. En París, sus principales consumidores fueron las mujeres jóvenes de clase alta aficionadas a la moda y los couturiers que trabajaban para ellas, algo de lo que los espectaculares apartamentos de Jacques Doucet, Suzanne Talbot o Jeanne Lanvin son claros ejemplos.

Puede decirse que el art déco nació en París tras el fin de la Primera Guerra Mundial y se prolongó en el tiempo hasta que las consecuencias del Crack de Wall Street de 1929 se hicieron sentir también en Francia, a partir de 1931. Hacia 1929 comenzaría a abrirse paso en su seno otra sensibilidad, más en tránsito hacia la otra modernidad, que reaccionaba contra el lujo excesivo y la voluptuosidad ornamental de buena parte del primer art déco. En paralelo a un retorno en todo el mundo a cierta austeridad en las artes decorativas y la construcción, un grupo de jóvenes artistas –evolucionados o disidentes del primer déco y miembros de la posterior Union des artistes modernes (UAM) fundada en París en 1929– comenzó a trabajar de un modo más sobrio, utilizando acero y cromo tubular como principales materiales, influenciados por el movimiento moderno que, desarrollado en Holanda y Alemania, en Francia representaba principalmente Le Corbusier, quien había sido el principal antagonista del nuevo estilo ya antes de 1925. Hasta aquí el relato histórico del primer déco, del que esta exposición se ocupa desde un punto de vista muy específico: el de su inclusión en la historia del arte moderno.

La muestra El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 se organiza en ocho secciones, cronológicas y temáticas, a través de las que se narra un fenómeno tan fascinante como poco conocido. En espacios y ambientes de distinta envergadura, la exposición combina reconstrucciones y recreaciones con casi cuatrocientas piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, perfumería, cine, arquitectura, vidrio, cerámica, laca y orfebrería, además de tejidos, encuadernaciones, fotografías, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas, que testimonian el gusto moderno y el aire de un tiempo tan difícil de captar como presentes en nuestra cultura contemporánea.

A través de esas obras, el relato expositivo comienza buscando los orígenes del déco en el París de la primera década del siglo XX, revisando el cubismo como una de sus fuentes y ofreciendo una panorámica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. Después, plantea un recorrido por la Exposición Internacional de París de 1925. La muestra es intensa a la hora de exponer los objetos resultantes de los procesos de seducción para el consumo y creación de nuevos hábitos sentimentales, corporales e intelectuales que el déco ejerció sobre la moda, la perfumería, los complementos y los objetos decorativos; la muestra se demora en la presencia de lo exótico en el déco –centrada en la Exposición Colonial de 1931 en París– y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del déco se reúne y se mezcla con aquellas nuevas formas –las de Charlotte Perriand, Le Corbusier o Eileen Grey– habitualmente identificadas con la modernidad, de cuya historia el decó, curiosa e injustamente, parece casi no haber formado parte.

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.

Casa de Vacas
Parque del Retiro
Hasta el 29 de marzo de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.irenelopezdecastro.com - Catálogo de la exposición

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.
Casa de Vacas, Madrid

Alma viajera

Para mí viajar ha sido siempre más que una simple inspiración en mi pintura. Es una búsqueda personal, una oportunidad de contactar con personas de otras culturas, de proyectarme y aprender en ellas. Viajar puede ser un modo de vivir. De hecho, la vida misma es un viaje.

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.
Casa de Vacas, Madrid


Hija de malagueños, nací en Madrid, ciudad cosmopolita y abierta. Creo que nací viajera y de algún modo he tenido la extraña sensación de pertenecer y no pertenecer a este mundo. Siempre he sentido la nostalgia de la luz del sur y de un tiempo ya pasado. Desde muy joven me vi atraída por los países exóticos, coincidiendo en la fascinación por los cuadernos de viajes de África de los pintores del siglo XIX, aquellos apuntes aumentaron mis deseos de dibujar y de viajar en busca de esa belleza intemporal que en algunos lugares aún se percibe.

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.
Casa de Vacas, Madrid


De este modo, debido a mi pasión por el dibujo y los viajes, uní mi inspiración a los mismos, realizando el trabajo de campo, que constituyen los cuadernos de viaje y el trabajo del estudio, que ha dado luz a mi obra pictórica. Ambos trabajos son distintos pero complementarios; los dibujos del natural son un diario de vivencias y encuentros, en ellos busco captar lo efímero del viaje de un modo sencillo pero fiel a la realidad, es un trabajo que me permite sentir, recordar las experiencias y contactar con las personas que encuentro. Sin embargo, el trabajo en el estudio es solitario, desde el silencio y la libertad fluyo con la inspiración plasmando imágenes que no son necesariamente realistas, sino que están pasadas por el velo de la interpretación personal. Aunque en mi obra suelo mantener el deseo de transmitir las sensaciones vividas, la distancia, el tiempo, la mente y el corazón, hacen que esta vez el viaje sea distinto, má.s creativo y, en esencia, bastante impredecible. Esta incertidumbre, lejos de ser negativa, es parte de las sensaciones que aprecia todo artista y todo viajero.

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.
Casa de Vacas, Madrid


Los dibujos y pinturas expuestos en esta sala no son fruto del trabajo de unos meses sino de la experiencia de media vida viajando y pintando por África e India.

Del Níger al Ganges. Pinturas y cuadernos de viaje. Irene López de Castro.
Casa de Vacas, Madrid


Empecé a ir a Malí a la edad de los 21 años en 1989, impactándome profundamente la belleza que observé en sus paisajes y en sus gentes. Volví con un enorme deseo de compartir todo aquello, de tal forma que durante afíos el río Níger se convirtió en la musa de mi pintura, la cual he podido exponer tanto en España como en el extranjero. Encontré en la pintura una expresión de la nostalgia de la tierra de mis padres, puesto que de Malí volví con la retina llena de luz y color, todo ello matizado por un tono dorado, en parte dado por el color de las dunas, en parte intuido como reflejo del recuerdo dorado de la Humanidad. A lo largo de veinte años pude volver a Malí en numerosas ocasiones; lo necesitaba, porque allí sentía que estaba en el centro del mundo,.en un lugar cuya quietud me hacía sentir plena. Además mi visión se expandió al visitar otros países africanos. Los viajes a la India llegaron más tarde y con ellos un cambio en el color. En Va.ranasi encontré la India que guería ver. Junto a las aguas del Ganges y las del Níger he pod1do percibir lo sagrado de la vida, lo extrai1os y a la vez lo parecidos que somos los seres humanos, como gotas de agua en el mar, pequefíos y al mismo tiempo parte de algo mayor. Todos somos almas viajeras, almas gue hemos venido de viaje a este mundo, en un reflejo continuo, en un encuentro de almas, donde la Vida es el Viaje.

miércoles, 4 de marzo de 2015

Avance: Enrique Meneses. Vida de un reportero.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 16 de abril al 26 de julio de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org - @emenesesm

Fidel Castro a la luz de una vela. Fotografía ©
Enrique Meneses


Organiza: Consejería de Empleo, Turismo y Cultura
Comisariado: Chema Conesa

Esta es la primera exposición retrospectiva del fotógrafo Enrique Meneses recientemente fallecido y uno de los nombres más destacados de la fotografía documental española. Periodista incansable y testigo directo de los grandes acontecimientos internacionales de la segunda mitad del siglo XX, la exposición recorre su larga e intensa carrera aplaudida a nivel internacional y, paradójicamente, casi desconocida en España, a través de una selección de fotografías, objetos personales y un vídeo.

Enrique Meneses (1929-2013), reportero vocacional desde la adolescencia, cubrió su primer acontecimiento con tan solo 17 años, la muerte de Manolete en 1947 en la Plaza de Linares. A partir de ahí, recorrió el mundo narrando para agencias de noticias como Fotopress o Delta Press y medios como Paris Match, Time/Life o ABC grandes hechos históricos del pasado siglo. En los sesenta, en Estados Unidos, retrató la lucha por los derechos civiles, la Marcha sobre Washington, con Martin Luther King, el esplendor y la muerte de John Fitzgerald Kennedy, la tensión con la Unión Soviética de Kruschev o el Ku Klux Klan. En esa década, 1963 fue un año crucial para Meneses en lo profesional y en lo personal pues ante su cámara posaron Salvador Dalí, Marlon Brando, Mel Ferrer, Paul Newman, Cassius Clay (Muhammad Ali), Melina Mercouri, Charles Aznavour, João Gilberto o Henry Fonda.
Luis Miguel Dominguín charla con Picasso antes de una corrida.
Fotografía © Enrique Meneses

Meneses, además trabajó en numerosos programas televisivos: A toda plana, Los Reporteros y la serie Robinson en África. En 1982 creó el programa del que fue director, Los aventureros en RNE. Meneses utilizó la cámara como un instrumento imprescindible de su oficio y con una funcionalidad similar a la de su lápiz. No le interesaba ninguna clave estética, la cámara era una extensión de sus ojos, una aseveración documental del instante, y ese instante era siempre un hecho periodístico. Su fotografía es intensa por la cercanía desde la que dispara, por la ausencia de artificio y la utilización casi exclusiva del objetivo que con más realismo reproduce la visión del ojo humano, el de 50 milímetros.

Entre sus publicaciones más relevantes destaca: Fidel Castro (1966), Nasser, el último faraón (1970), Escrito en carne (1981), Una experiencia humana... Robinson en África (1984), Castro empieza la Revolución (1995), África, de Cairo a Cabo (1998) y Hasta aquí hemos llegado (2006).

martes, 3 de marzo de 2015

Clase magistral: "La Juventud española: Una Generación", Carlos de Andrés

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 29
Alcobendas - Madrid
*Acceso gratuito hasta completar aforo
Miércoles 18 de marzo a las 18:00 horas
Más información en Escuela PIC. A - www.centrodeartealcobendas.org

Juventud, Madrid, 1995.

El fotógrafo madrileño Carlos de Andrés, que actualmente trabaja en su proyecto personal La Juventud española: Una Generación presentará y conversará sobre su trabajo en un encuentro abierto al público.


Carlos de Andres

Se dedica al género documental y fotoperiodístico desde 1987. Trabajó en la plantilla de la agencia Cover, también para el seminario El Globo y Diario El Sol. Ha sido colaborador de la agencia VU´en París durante una década y de Getty Images. En la actualidad, combina sus trabajos fotográficos con la docencia. Las fotografiáis de Carlos de Andrés se caracterizan por la reflexión y la inmediatez de las tomas, así como por el uso del banco y negro con altos contrastes. Desde los años 90, invierte gran parte de su tiempo en un proyecto personal titulado La juventud, una generación.


Lo que los ojos tienen que decir. Alberto García-Alix y Jenaro Talens

Círculo de Bellas Artes
Sala Círculo
Calle Alcalá 42
Martes 3 de marzo a las 19:00 horas
Más información en www.circulobellasartes.com - www.edicionescatedra.es - www.albertogarciaalix.com



Presentación del libro en el que Alberto García Alix (fotógrafo) y Jenaro Talens (escritor) reflexionan, a través del diálogo entre la imagen y la palabra, sobre los lí­mites y las contradiccio­nes que acompañan al autorretrato o a su equiva­lente en la escritura poética, la auto­biografía.

Estos dos artistas contemporá­neos, cada uno aprendiz perpe­tuo de su propio oficio, inter­cam­bian experiencias de desconcierto, quizá con la secreta espe­ranza de encontrarle un sentido a un mundo que nunca lo tuvo; que cuando sienten miedo emborronan cuartillas o disparan la cámara para intentar enten­der qué sucede y por qué. A veces uno descubre sus demonios en lo que hace o dice el otro; a veces, ni siquiera eso. El diálogo, sin embargo, deja abierta la puerta para seguir adelante.

En el acto de presentación, acompañará a los autores Darío Villanueva, Director de la Real Academia Española.

Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond.

Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa
Plaza de Colón 4
Del 8 de mayo al 30 de agosto de 2015.
Más información en teatrofernangomez.esmadrid.com - www.disenar007.es


Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond llegará a Madrid a finales de la primavera.

Del 8 de mayo al 30 de agosto de 2015 el Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa (Plaza Colón 4, Madrid) acogerá Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond, una experiencia multimedia con gadgets originales, vestuario único, maquetas, storyboards, fragmentos de películas, y sus más icónicos objetos. El evento cubre los 50 años de los largometrajes de James Bond, centrándose en el diseño y estilo en un entorno único de salas temáticas.

Daniel Craig en un fotograma de "Skyfall".


Hasta la fecha, la gira mundial de Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond ha incluido Londres, Toronto, Shanghái, Melbourne, Moscú y Rotterdam.

Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond muestra todo el trabajo de creación que hay detrás del icono, centrándose en la clara exuberancia británica de la marca de la saga más emblemática del mundo. La muestra repasa el diseño y el estilo de la saga de James Bond y de la creación detrás de los escenarios, la música, gadgets, vehículos, tecnología y moda a lo largo de cinco décadas.

Una atracción de gran importancia

José Tono Martínez, director del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, afirma estar encantado de dar la bienvenida a uno de los grandes iconos de estilo en el mundo, y ha adelantado que esta experiencia será una gran atracción para todos los públicos. “Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond ha sido un gran éxito en todas las ciudades que ha visitado. Al público le encanta. Estamos muy contentos de poder ofrecer esta experiencia de James Bond a nuestra ciudad y a España", ha afirmado José Tono Martínez.

Sean Connery descansando en el parachoques de su Aston Martin DB5 durante el rodaje de 'James Bond contra Goldfinger' en los Alpes Suizos.

Algunos de los objetos que estarán presentes son el esmoquin blanco que Roger Moore lució en Octopussy, el traje espacial de Moonraker, el bikini naranja usado por Halle Berry en Die Another Day (Muere otro día) y el bañador azul cielo de Daniel Craig en Casino Royale, la pistola de oro de Scaramanga en The Man with the Golden Gun (El Hombre de la Pistola de Oro), el bombín con montura de acero de Oddjob y el prototipo de zapatos flick-knife mortales de Rosa Klebb usados en From Russia with Love (Desde Rusia con Amor), el brazo de metal Tee-Hee de Live and Let Die (Vive y Deja Morir) y los temibles dientes de Jaws, que aparecieron por primera vez en The Spy Who Loved Me (La espía que me amó).

Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond es una colaboración entre el Centro Barbican y EON Productions. Esta singular muestra ha sido comisariada por el Centro Barbican, así como por la historiadora de Moda Bronwyn Cosgrave y la oscarizada diseñadora de vestuario Lindy Hemming, y su diseño corre a cargo de Ab Rogers. Todos ellos tuvieron un acceso sin precedentes al archivo de EON Productions. En Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond, se combinan iconos de la pantalla, vestuario, diseño de producción, automóviles, gadgets, efectos especiales, diseño gráfico, lugares exóticos, armas, trucos y accesorios, para sumergir al público en la creación y desarrollo del estilo de Bond durante sus 50 años de historia.

Emoción

Diseñando 007: Cincuenta años de Estilo Bond llega a Madrid gracias a Murray Blake & Associates. Rosita Blake, directora de Murray Blake & Associates estaba muy decidida a ofrecer este espectáculo multimedia al público en Madrid. "Tenía que traerlo aquí. Tiene todo lo que Madrid posee: estilo, moda, glamour, clase, tradición, pero con un toque británico. Cuando el espectador visite Diseñando 007, podrá sumergirse en ese mundo y convertirse en parte de esa experiencia. Estoy segura de que a los visitantes les encantará de la misma manera que me ha gustado a mí".

Spectre

Diseñando 007 en Madrid es el preámbulo definitivo para el estreno de la nueva película de James Bond 'Spectre', en noviembre de 2015. La muestra será la mejor oportunidad para refrescar la memoria y estar preparados para lo que está todavía por venir.

lunes, 2 de marzo de 2015

Diversidad Amenazada. Naturaleza-Hombre-Cultura.

Espacio Fundación Telefónica
Calle Fuencarral 3
Del 13 de marzo al 7 de junio de 2015
Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com

Madre y niño, H´Mong-Sapa, Vietnam, 2005. © Okaimal

Desde su enfriamiento, hace unos 4.500 millones de años, la Tierra ha sufrido muchos cambios y muy variados. A la formación de continentes y océanos le siguió la aparición de la vida hace 3.500 millones de años. Desde entonces, Naturaleza y organismos vivos han mantenido un juego de equilibrio constante de presión y evolución. Ningún lugar se quedó sin habitar. El ser humano, una especie más entre todas, un recién llegado, supo adaptarse a todos los ambientes, conformando un sinfín de razas y culturas. Pero en su afán de dominar la Tierra en su beneficio, el ser humano está olvidando sus orígenes y su dependencia del medio, esquilmando recursos y contaminando. Los cambios que hoy está produciendo el ser humano pueden ser ya irreversibles, y las consecuencias desastrosas si no se pone un límite ahora mismo.

Wai-o-Tapu, Rotorua, Nueva Zelanda, 2007. © Okaimal


La exposición La Diversidad Amenazada. Naturaleza-Hombre-Cultura, con la colección de fotografías de Eduardo Aznar (Okaimal) y comisariada por el profesor de Investigación del CSIC en el Museo Nacional de Ciencias Naturales Esteban Manrique muestra la diversidad natural y cultural que se encuentra amenazada por la actividad humana.

Desierto de Zagora, Marruecos, 1988. © Okaimal


La muestra, de 98 fotografías, se ha articulado en las siguientes secciones: La Tierra en cambio continuo y la diversidad, resultado de la evolución (diversidad de paisajes, diversidad biológica, fauna y flora); El hombre como especie, diversidad de tipos humanos (pueblos, etnias y culturas) y Adaptación t transformación del entorno (ganadería, agricultura y pesca); Bosques, manglares y corales; El agua, un recurso vital (ríos y lagos); El antropoceno, un rápido cambio ambiental global (tecnología y sobreexplotación de recursos y gases de efecto invernadero); El cambio climático (deshielo), vulnerabilidad y adaptación; y Aún estamos a tiempo, que cierra la exposición con una puerta a tender una mano para evitar el desastre ecológico, ahora que aún estamos a tiempo.

El porqué de las naranjas. Ricardo Cases.

Matadero de Madrid
Plaza Matadero
Pº de la Chopera 8
Hasta el 31 de mayo de 2015
Más información en www.mataderomadrid.org - http://ricardocases.es

"El porqué de las naranjas" © Ricardo Cases

Una serie de fotografías en la que Ricardo Cases toma como punto de partida las naranjas, símbolo del Levante, para crear una línea narrativa que le ayuda a plasmar la idiosincrasia de ese lugar.

"El porqué de las naranjas" © Ricardo Cases


El naranja es aquí el hilo conductor, y también la herramienta, que le sirve para capturar escenas de un paisaje estético, político y económico de este territorio. La luz y el color, tan importantes en la fotografía de Cases, comparten protagonismo en esta serie con el absurdo y el humor que se desprenden de las imágenes. El porqué de las naranjas es una serie de 65 fotografías de las que aquí se muestran 19.

"El porqué de las naranjas" © Ricardo Cases


Foto en la Plaza es el nombre que recibe la línea de exposiciones de fotografía impresa sobre lonas, instalada en las estructuras de andamio de Plaza Matadero.

"El porqué de las naranjas" © Ricardo Cases


Ricardo Cases (Orihuela, 1971) vive y trabaja entre Madrid y Valencia. Ha mostrado su obra en exposiciones individuales en centros de arte como el Arts Santa Mónica de Barcelona o el Photobook Museum de Colonia entre otros. Además, ha tomado parte en exposiciones colectivas en el Mola de Los Angeles; Le Bal, Paris; La Casa Encendida, Madrid; Photo España 2008 o el Instituto Cervantes de Milán entre otros. Ha publicado varios libros de fotografía entre los que se encuentra El porqué de las naranjas (Mack Books, 2014).

domingo, 1 de marzo de 2015

4 exposiciones que se inauguran este mes y que no debes perderte:

Martín Chambi - Perú - Castro Prieto.

Museo Nacional de Antropología
Calle Alfonso XII, 68
Del 12 de marzo  al 7 de junio de 2015.
*Visita gratuita a esta exposición
Más información en mnantropologia.mcu.es - www.castroprieto.com - martinchambi.org

Boda de D. Juan Gadea y Olimpia Arteta, Cuzco, 1926
Fotografía Martín Chambi.

Una visión inédita de La Alhambra. Jean Laurent y Fernando Manso.

Museo Arqueológico Nacional
Calle Serrano 13
Del 17 de marzo al 17 de mayo de 2015.
*Entrada gratuita a esta exposición
Más información en www.man.es - http://fernandomanso.com

Entre la niebla, Alhambra de Granada. Fotografía Fernando Manso

La Colección del Kunstmuseum Basel.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Plantas 1ª y 4ª
Calle Santa Isabel 52
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es - www.kunstmuseumbasel.ch




“PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo”.

Centro de Arte Dos de Mayo 
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 26 de marzo a septiembre de 2015.
Más información en http://ca2m.org


Jordi Colomer, No Future, 2006

Avance: Carl Andre: escultura como lugar, 1958-2010.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Palacio de Velázquez
Parque del Retiro
Del 4 de mayo al 12 de octubre de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.carlandre.net - www.museoreinasofia.es

Carl Andre. Uncarved Blocks, Vancouver, 1975. Kunstmuseum Wolfsburg. Photo: Helge Mundt, Hamburg © Kunstmuseum Wolfsburg Art © Carl Andre/Licensed by VAGA, New York, NY


Carl Andre: Escultura como lugar, 1958-2010 ofrece un estudio en profundidad de un periodo crucial del arte contemporáneo, a través de la obra de Carl Andre (Quincy, Massachusetts, 1935), un artista cuyo trabajo puede inscribirse en las categorías de minimalismo, land art y arte conceptual y que presenta las preocupaciones formales de su época, como es la apropiación, lo inalterado, la estandarización de los materiales industriales, el uso de formas geométricas desnudas o la introducción del concepto de site-specific.

La exposición cuenta con alrededor de 200 esculturas y trabajos en papel realizados en los últimos 50 años, abarcando desde sus obras más influyentes realizadas con planchas metálicas, palancas, cintas y pendientes, hasta ejemplos más singulares de su práctica artística, que ayudan a comprender la evolución de su concepción progresiva de “escultura como forma, escultura como estructura, escultura como lugar”. Además de esta amplia selección de obras escultóricas, la exposición aborda el rol crucial del lenguaje en la práctica artística de André mediante un abundante número de series de poesía visual y concreta, collages textuales y obras en papel escritos entre 1958 y 1972. Por último, la exposición reunirá, por primera vez en 20 años, un grupo excepcional de objetos titulados Dada Forgeries, que manifiestan su jocosa relación con los ready-made de Duchamp.