martes, 22 de julio de 2014

#fotografia #DiazBurgos @ALCBDS_CArte Avance: Juan Manuel Díaz Burgos

Bulevar Salvador Allende
Alcobendas - Madrid
Del 25 de julio de 2014 al 31 de enero de 2015
Más información en www.centrodeartealcobendas.orgwww.diazburgos.com


Fotógrafo viajero, retrata no sólo la vida, sino también lo cotidiano, y oculto para muchos, de las imágenes que contempla, sobre todo en América Latina, lugar al que acude con frecuencia. Tampoco le hace falta irse muy lejos para mostrar con ironía y acidez las escenas desinhibidas de las gentes en las playas de Cádiz, como las de su serie “Historias de playa”. Juan Manuel Díaz Burgos nace el 8 de Noviembre de 1951 en la ciudad de Cartagena (España). Los Reyes Magos de Oriente le traen su primera cámara, una Kodak Retínette, cuando tiene ocho años y, con ella, fotografía su entorno familiar. En 1976, con cámara réflex, empieza a explorar con libertad el mundo de la fotografía.

Juan Manuel Díaz Burgos La Habana. 1995 Proyecto "Malecón de La Habana. El gran sofá"
Fotografía © Juan Manuel Díaz Burgos

Ha expuesto en más de ochenta ocasiones de manera individual, y más de noventa de manera colectiva, en importantes salas de todo el mundo. Viajero incansable, ha participado con su amigo Castro Prieto en el positivado de la obra del fotógrafo peruano Martín Chambi, entre otras muchas empresas realizadas por los cinco continentes. Sin salir de su Murcia natal, ha llevado a cabo “Fotografía en la región de Murcia”, el proyecto más ambicioso realizado en torno a la fotografía de su región. Merecedor de importantes premios, y protagonista de varios libros de autor, Díaz Burgos se nos presenta como uno de los valores más importantes de la fotografía española.

La mayor parte de las fotografías que veremos en el bulevar corresponden a obras realizadas en diferentes viajes por Cuba. Otras son escenas frescas, playeras, de su trabajo “historias de playa”, para completar la exposición con algunas imágenes de los astilleros de Sestao.

lunes, 21 de julio de 2014

@museodelprado #PHE14 Avance: "Máscaras", de Alberto Schommer

Museo Nacional del Prado
Calle Ruiz de Alarcón 23 (Pº del Prado).
Del 21 de julio al 14 de septiembre de 2014
Más información en www.museodelprado.es - www.phe.es

Rafael Alberti. Poet, 1985. Masks Series © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2013

El Museo del Prado se incorpora al programa de Photoespaña con la exposición Máscaras de Alberto Schommer, coproducida por la Subdirección de Promoción de la Dirección General de Bellas Artes, Archivos y Bibliotecas.

Francisco Ayala, escritor. Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm. 1985 © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014
osé Luis L. Aranguren, filósofo. Impresión fotográfica sobre papel baritado, 40 x 30 cm. 1985 © Alberto Schommer, VEGAP, Madrid, 2014

A partir del 21 de julio, el Prado presentará la célebre serie de retratos realizada en los años 80 por el fotógrafo Alberto Schommer, reciente Premio Nacional de Fotografía. Retratos de escritores y artistas de distintas generaciones que se mostrarán en un contexto especial, acompañados por una selección de retratos pintados de las colecciones del Prado, que responden a una tipología similar, componiendo un inédito Parnaso español artístico y literario de la edad moderna y contemporánea.

sábado, 19 de julio de 2014

#ArteFotografia @rabasf Visita a: "Atrapar la vida", de Eugeni Forcano.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF).
Sala de exposiciones planta 1ª
Entrada gratuita a la exposición
Calle Alcalá 13
Hasta el 31 de agosto de 2014
Más información en www.eugeniforcano.infowww.realacademiabellasartessanfernando.com - www.phe.es

Confidencias, catedral, Barcelona, 1966.
Fotografía © Eugeni Forcano
Aunque está a punto de terminar oficialmente PHE 2014, ayer abrió al público una de las exposiciones que más ganas tenía de ver de la edición de este año del festival. Hace algo más de tres años pude ver en el Centro Cultural Blanquerna su exposición "La meva Barcelona", mucho más modesta que ésta, pero que te hacía preguntarte el por qué no se le da el tratamiento que merecen a estos grandes fotógrafos. Poco después Eugeni Forcano recibiría el Premio Nacional de Fotografía 2012.  La exposición es muy completa y recoge gran parte de sus trabajos más conocidos, repartidos en pequeñas series donde no sobra ninguna fotografía. La muestra se completa con libros y revistas originales y con una proyección de su documental incluido en la serie La voz de la Imagen, que también podéis ver en internet.
La exposición va a estar solo hasta finales de agosto, así que no la dejéis para después de vacaciones, que es de lo mejor que hay este año en PHE.

Os dejo una galería de imágenes y la nota de prensa.


Atrapar la vida nos presenta ciento cincuenta fotografías de los trabajos más conocidos en blanco y negro, así como de su obra experimental en color, de Eugeni Forcano, Premio Nacional de Fotografía 2012 y uno de los cronistas más destacados de la España de los últimos años de la posguerra y del franquismo.

Un paseo a través de la obra de Forcano que, sin pretender ser exhaustivo ni completo, incluye el trabajo por el que el fotógrafo ha recibido los más altos reconocimientos, y del que más orgulloso se siente.

Daniel Giralt-Miracle, comisario de la exposición, ha seleccionado ciento veinticinco imágenes realizadas entre 1960 y 1974, que corresponden a algunos de los temas que más sedujeron al fotógrafo como La Barcelona del desarrollo, La vida rural, Banyoles. Día de mercado, Gente gitana, La magia de las fiestas, Las formas de la dictadura, Curas y monjas, Miserias humanas, Vida en la calle, La seducción de un instante o Tipos con carácter.


Un último apartado de la exposición, Fotografía experimental, muestra veinticinco imágenes realizadas entre 1980 y 1995, que representan el periodo con el que Forcano experimentó con el color y la luz como generadores de imágenes, y que supone, además, la culminación de su vida profesional.

Todo ello se complementa con una selección de revistas y libros que reprodujeron el trabajo del fotógrafo, procedentes de la Biblioteca Nacional de España y de la colección particular de Daniel Giralt-Miracle, además de la proyección del capítulo dedicado a Forcano, incluido en el proyecto La voz de la imagen.

EUGENI FORCANO

Nace en Barcelona en 1926, aunque su familia es oriunda y vive en Canet de Mar, población en la que pasa su infancia y juventud, y donde instala su primer laboratorio fotográfico. En 1949 ingresa en la Agrupació Fotogràfica de Catalunya aunque hasta 1960 su dedicación a la fotografía es amateur. Es precisamente este año cuando, a raíz de ganar el concurso estival de fotografía que convoca anualmente el semanario Destino, decide abandonar su trabajo y dedicarse profesionalmente a la fotografía. Empieza haciendo reportajes en blanco y negro de cariz social en Barcelona, aunque pronto recorre toda Catalunya en busca de crónicas que reflejen la vida en pueblos y ciudades.


Más tarde hace incursiones en el mundo de la moda y la publicidad y por decisión propia finaliza su carrera profesional investigando con el color. Su trabajo le ha hecho merecedor de numerosos premios, entre los que destacan el Premio Ciudad de Barcelona de fotografía (1963 y 1976), la Medalla de Oro al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona (2009) y la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Fotografía que otorga el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (2012).

ATRAPAR LA VIDA

La larga y fértil trayectoria fotográfica de Eugeni Forcano es la de un autodidacta fascinado por su entorno, al que siempre ha mirado de forma inquieta y escrutadora. Desde su adolescencia hasta su jubilación, Forcano ha descubierto el mundo a través del ojo de una cámara y todo aquello que un escritor hubiera explicado con palabras él nos lo ha contado mediante un retrato fidedigno de la vida misma, en el que por encima de todo destacan la dimensión humana y los acontecimientos sociales, por ello sus fotografías fueron demandadas por las prestigiosas agencias France Press y Dalmas, y por ello el semanario Destino recabó su colaboración, estableciendo con él una larga y fructífera relación. Después de este periodo Forcano se dedicó al campo de la publicidad y la moda, y finalmente se centró en el trabajo de laboratorio donde investigó las posibilidades de un nuevo tipo de fotografía en color.

Sin embargo, esta exposición se centra sólo en dos capítulos de su vida profesional, aquellos de los que creo que él se siente más orgulloso, intuyo que porque el primero es el que le permitió dedicarse a la fotografía y el último porque es el broche con el que él decidió cerrar su vida profesional.

Daniel Giralt-Miracle Comisario

ATRAPAR LA VIDA

Forman la exposición ciento cincuenta imágenes, ciento veinticinco de las cuales han sido seleccionadas de entre el prolijo archivo de fotografías que Forcano realizó entre 1960 y 1974, los años con los que colaboró asiduamente con el semanario Destino, que se han distribuido en 11 apartados, que corresponden a los temas que más le sedujeron. Por su parte, las veinticinco fotografías que conforman el último apartado de la exposición, Fotografia experimental, fueron hechas entre 1980 y 1995, cuando pudo dedicarse a experimentar sin reservas con la fotografía en color.

LA BARCELONA DEL DESARROLLO 
LA VIDA RURAL 
BANYOLES. DÍA DE MERCADO 
GENTE GITANA 
LA MAGIA DE LAS FIESTAS 
LAS FORMAS DE LA DICTADURA 
CURAS Y MONJAS 
MISERIAS HUMANAS 
VIDA EN LA CALLE 
LA SEDUCCIÓN DE UN INSTANTE 
TIPOS CON CARÁCTER 
FOTOGRAFÍA EXPERIMENTAL



FOTOGRAFÍA EXPERIMENTAL

NUEVA FORMA DE EXPRESIÓN FOTOGRÁFICA CREAR IMÁGENES PROVOCANDO EL AZAR A TRAVÉS DE LA LUZ


El hombre. Fotografia experimental, 1980-95.
Fotografía © Eugeni Forcano


Para mí siempre fue la fotografía un camino abierto hacia el futuro. Mientas practicaba el reportaje, la ilustración o la moda, he venido realizando foto creativa, entre el simbolismo y el surrealismo. Pero en mi mente estaba siempre la idea de buscar y conseguir nuevas imágenes, al margen de lo que se ha hecho y se hace en fotografía. Era éste un desafío que tenía conmigo mismo.


Durante muchos años he venido investigando, empeñado en realizar una obra que sólo se pudiera obtener fotográficamente, utilizando un elemento básico y primordial: LA LUZ. Y aunque siempre es la iluminación la que hace posible las imágenes, en este caso la luz es la protagonista total y GENERADORA de ellas, en un juego de realidad-ficción. Y el hallazgo se produjo. Descubrí un lenguaje fotográfico nuevo, basado en la PROVOCACIÓN DEL AZAR A TRAVÉS DE LA LUZ. Son imágenes insólitas, inesperadas e irrepetibles; es una aventura alucinante.

Y en este camino sin fin de la investigación, profundizando, he llegado ya a imponer ciertas texturas a través de la dualidad luz-color. Pero también la idea puede aliarse con el azar para avanzar por nuevos senderos y descubrir unas asombrosas posibilidades y unas perspectivas fascinantes.

Eugeni Forcano (1985).


Un señor de Barcelona (Sr. Lladó), Baixada de Sant Miquel, Barcelona, 1965.
Fotografía © Eugeni Forcano

Exaltación franquista, catedral, Barcelona, 1962.
Fotografía © Eugeni Forcano

La mano protectora, Barrio de la Ribera, Barcelona, 1963.
Fotografía © Eugeni Forcano

La máscara intrusa. Fiesta de Sant Ponç, Barcelona, 1964.
Fotografía © Eugeni Forcano

Oración en el desierto, Hogares Mundet, Barcelona, 1968.
Fotografía © Eugeni Forcano

Pata que quiere tocar pierna, Banyoles, Girona, 1966.
Fotografía © Eugeni Forcano

Por bulerías, Canet de Mar, Barcelona, 1963.
Fotografía © Eugeni Forcano

Seguidores del Barça, Camp Nou, 1963.
Fotografía © Eugeni Forcano

Sin futuro, Barrio de Santa Caterina, Barcelona, 1964.
Fotografía © Eugeni Forcano

Televisión en directo, Castelló de Farfanya, Lleida, 1968.
Fotografía © Eugeni Forcano


viernes, 18 de julio de 2014

@ALCBDS_CArte Avance: Sanni Seppo y Ritva Kovalainen. El bosque dorado.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 24 de julio al 27 de septiembre de 2014.
Más información en www.centrodeartealcobendas.orgwww.sanniseppo.comwww.kovalainenritva.com

Ritva Kovalainen
Proporcionar a sí mismo. 2011 Un sitio donde..."Suave se mece el pino del bosque"
Fotografía © Ritva Kovalainen

¿Cuál es nuestro lugar como humanos en la naturaleza? ¿Estamos subordinados a ella, formamos parte, o ejercemos pleno dominio sobre la misma? ¿Es nuestra relación con la naturaleza, espiritual o puramente material? ¿Qué distingue a la naturaleza de la cultura? Las reconocidas fotógrafas finlandesas Ritva Kovalainen (1959) y Sanni Seppo (1960) reflexionan sobre el valor cultural y espiritual de los bosques, y se interrogan sobre todas estas cuestiones en El bosque dorado, exposición estructurada en tres amplios apartados: «La isla de los espíritus», «Suave se mece el pino del bosque» y «Procedimientos de silvicultura».

Sanni Seppo
Kami 15. 2009 Kamis en "La isla de los espíritus".
Fotografía © Sanni Seppo

El primero de ellos, «La isla de los espíritus», parte de la base de un viaje que Kovalainen y Seppo realizaron en 2009 a la isla japonesa de Shikoku, la menor de las cuatro islas principales de Japón, invitadas por la artista japonesa Reiko Nireki. Inspiradas en el hecho de que el 64% de Japón y el 72% de Finlandia están cubiertos de bosques, muestran su patrimonio forestal, el influjo sintoísta y a la gente de Shikoku describiendo su relación con la naturaleza. En «Suave se mece el viejo pino» se muestra el bosque virgen finlandés, un complejo sistema ecológico que ha evolucionado a lo largo de milenios, ubicado en áreas remotas de las regiones septentrional y oriental del país. Fotografías dedicadas a un proyecto de protección de los bosques que obtuvo, como uno de sus resultados más destacados, el que el ministro finlandés de medio ambiente pusiera en marcha una resolución sobre la protección de las cerca de 14.000 hectáreas de tierras forestales privadas.

Ritva Kovalainen
Perderse. 2011 Un sitio donde...
Fotografía © Ritva Kovalainen

Finalmente, en «Procedimientos de silvicultura», Sanni y Ritva arrojan luz sobre el impacto que la industria tiene sobre los bosques, incluyendo fotografías panorámicas de gente que ha perdido un bosque importante. Otras, dedicadas a las medidas de gestión forestal, ilustran su panorama actual y cómo se perciben sus consecuencias.

Ritva Kovalainen y Sanni Seppo
El derecho consuetudinario de acceso, Ilomantsi. 2003

La exposición El bosque dorado constituye una llamada de atención sobre la importancia cultural y espiritual de los bosques, quedando completada con los documentales: El final del arcoíris y Voces del bosque.

sábado, 12 de julio de 2014

#diaporamas @culturainquieta Alberto García-Alix / Estela de Castro.

Plaza de Toros de Getafe
Av. Juan de Borbón
Getafe - Madrid
Martes 15 de julio de 2014
Consigue aquí tu invitación.
Más información en www.culturainquieta.comwww.albertogarciaalix.comwww.esteladecastro.com

Autorretrato, Alberto García-Alix

Cultura Inquieta 2014 nos trae a uno de los fotógrafos más aclamados en la fotografía europea contemporanea, nuestro amigo el gran Alberto García Alix. García-Alix viene de la mano de la valiente y brillante editorial Cabeza de Chorlito.

Será el 15 de julio. Plaza de toros de Getafe. Apertura de puertas: 20:30h. Inicio de la actividad: 21:30h. Entrada gratuita con bono o invitación (descargar invitación aquí)

La editorial Cabeza de Chorlito presenta Diporamas, de Alberto García-Alix



Esta obra audiovisual se presenta en una caja que contiene materiales inéditos en forma de pósters y desplegables. Tres diaporamas de Alberto García-Alix, con música original de Melingo en formato DVD. De Carne y Hueso de cuarenta minutos, presentado en los Rencontres Internationales de Arles; Lo más cerca que estuve del paraíso, audiovisual de 25 minutos creado para el museo Es Baluard, en el que el fotógrafo recopila su material fotográfico sobre las Islas Baleares, en particular Formentera; y Una perpetua fuga, pieza de 10 minutos de duración realizada originalmente como obra central del stand de El País en ARCO 09.

Disfrutaremos, a las 22:00h, de la proyección del magnífico audiovisual De carne y hueso y tendremos ocasión de comentar con el autor de tan destacado trabajo, Alberto García-Alix.

Autorretrato, Estela de Castro

Tras la presentación de los Diaporamas de Alix, disfrutaremo de la proyección del trabajo de la fantástica fotógrafa Estela de Castro.

miércoles, 9 de julio de 2014

Avance: @fundacionmarch Libros (y otras publicaciones) de artista: 1947-2013.

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 23 de julio al 30 de agosto de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.march.es

WC4 Box'83, autoría múltiple (100 artistas) Nueva York, Ruhe, 1983. Colección Fundación Juan March

La Fundación Juan March presenta entre el 23 de julio y el 30 de agosto en Madrid una pequeña muestra titulada Libros (y otras publicaciones) de artista: 1947-2013, una exposición que toma como punto de partida el amplio y heterogéneo campo enriquecido durante los dos últimos siglos por las fructíferas relaciones entre el artista y el libro o, en general, las publicaciones.

Los libros y revistas expuestos proceden en su totalidad de los fondos de la colección de la Fundación Juan March. Con obras tan dispares entre sí como la monografía de John Franklin Earhart The Color Printer, de 1892, y una reedición de Último Round de Julio Cortázar, la muestra propone un recorrido por casi un centenar de "publicaciones" aparecidas entre 1947 (Du Cubisme de Albert Gleizes y Jean Metzinger) y 2013, que testimonian la riqueza y la variedad de resultados de esta ya larga interacción entre los artistas y el libro, entendido este no sólo como un medio de transmisión de un contenido textual, sino sobre todo como objeto y soporte sustantivo de la praxis artística.

El relato expositivo comienza articulando las ediciones ligadas a la actividad de la Fundación Juan March, con ejemplares procedentes de las donaciones a la Fundación de las bibliotecas de Fernando Zóbel (1981) y Julio Cortázar (1993), e incluye también distintas muestras de la edición de arte en España. El recorrido se cierra con diversos ejemplos de libros de artista y otras publicaciones editadas a partir de la década de los sesenta en el contexto español e internacional.

El tono de interrogación, que parece pertenecer de suyo a cualquier proyecto expositivo que incluya libros, ha acompañado esta exposición desde sus orígenes. Su resultado, Libros (y otras publicaciones) de artista: 1947-2013, propone al público mantener ese tono ante una serie de objetos que en ocasiones sólo parecen tener en común lo que podría llamarse la "voluntad de arte". La exposición muestra un campo benéficamente minado de sorpresas para la imaginación, en las que en ocasiones es la imagen la que acompaña al texto, otras veces sucede que lo suplanta o se apropia de él, o que este es invadido por aquella o adopta formas que no tienen nada que ver con la paginación y el orden secuencial de los libros convencionales.

@CENTROCENTRO5CS Gimnasio del arte. México. Huéspedes del presente. Novísimas escuelas latinoamericanas de fotografía creativa.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 4ª
Plaza de Cibeles 1
Del 10 de julio al 7 de septiembre de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.centrocentro.org


Huéspedes del presente. Novísimas escuelas latinoamericanas de fotografía creativa acoge la obra de artistas de Gimnasio de Arte y Cultura, de México D.F.

El proyecto de exposiciones y residencias artísticas tiene como objetivo acercar al público una muestra del momento creativo en la región y ha presentado ya fotografía emergente de Guatemala y Brasil.

Gimnasio de Arte y Cultura

En esta ocasión Huéspedes del presente nos acerca a México y al trabajo de los creadores de la escuela Gimnasio de Arte de Arte y Cultura de México D.F. Se trata de una escuela con una visión fresca e inno­vadora en la formación artística, que lleva “manteniendo en forma” la capacidad creadora de sus integrantes desde 2007, y que ha ido creciendo con nuevas sedes (Chiapas, 2011). Ha participado en diversos foros y festivales de fotografía internacionales, como el IX Encuentro de Fotografía en Monterrey o 2014 FRAMES de Glasglow, Es­cocia, y se está convirtiendo en uno de los espacios indepen­dientes de referencia dentro de la fotografía mexicana contemporánea.

Hasta el 7 de septiembre, CentroCentro expone la obra de seis de sus artistas: Melba Arellano, Aglae Cortés, Carlos Díaz, Romeo Dolorosa, Antero Escandón y Mariela Sancari. En palabras de la comisaria del proyecto, Marta Soul, “la identidad y el sentido de la existencia es el común denominador de la mayor parte de las obras que se exponen, que reflejan la búsqueda en los pequeños detalles, los sueños o las costumbres, y a la vez abordan temas de complejidad conceptual, como las vivencias de la infancia, la ausencia, el vacío o los temores”.

Huéspedes del presente ha acogido ya muestras de la fotografía emergente de Guatemala (La Fototeca) y Brasil (Madalena Workshops - Centro de Estudios da Imagem) y después del verano recibirá al Centro de Estudios de la Imagen de Perú (11 de septiembre–26 de octubre).

Este proyecto promueve, además, el intercambio de expe­riencias y el acercamiento real entre artistas. En el marco de cada una de las exposiciones, se hospeda en Madrid, durante un mes, a un alumno de cada escuela. En esta ocasión será Melba Arellano quien desarrolle un trabajo fotográfico basado en la interpretación de las vivencias en la ciudad durante su estancia. En una quinta muestra, del 30 de octubre al 1 de marzo, se expondrán los resultados de las residencias de los artistas de las cuatro escuelas.

martes, 8 de julio de 2014

#MadridEsPop #MitosDelPop #MuseoThyssen Jornadas pop en el Museo Thyssen.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 9 al 11 de julio de 2014
Más información en www.museothyssen.org
Descargar programa aquí

3 días con especialistas para hablar sobre los grandes mitos del arte pop: Warhol, Lichtenstein, Hamilton, Equipo Crónica...

Roy Lichtenstein. Joven con lágrima, 1977.
Foundation Beyeler, Riehem / Basilea. Beyeler Collection

Con motivo de la exposición Mitos del pop (que se puede visitar hasta el 15 de septiembre), se celebran unas Jornadas pop en el salón de actos del Museo Thyssen. A lo largo de tres días (9, 10 y 11 de julio), especialistas en diferentes materias acercarán a los asistentes a los últimos estudios críticos que han abierto nuevos caminos de interpretación del arte pop.

Obra expuesta en Mitos del pop.
Andy Warhol. Detalles de pinturas renacentistas (Sandro Botticelli, Nacimiento de Venus, 1482), 1984.
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh, Collection Fundacional.

La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la alta y la baja cultura e inauguró un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético que se ha prolongado hasta nuestros días.

Participan Guillermo Solana, Paloma Alarcó, Thomas Crow, Estrella de Diego, Rafa Cervera, Francisco Calvo Serraller, Tomás Llorens, Valeriano Bozal, Bernardo Pinto de Almeida y el artista Darío Villaba.

lunes, 7 de julio de 2014

@museothyssen Miradas cruzadas 9 Acabado / inacabado.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta 1
Pº del Prado 8
Del 7 de julio al 21 de septiembre de 2014
Entrada gratuita a esta exposición
Más información en www.museothyssen.org

Alberto Giacometti. Retrato de mujer [Rita] (?) , 1965. Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta en su novena entrega de la serie una aproximación al concepto de “inacabado” en la pintura a través de catorce cuadros de la Colección Permanente y la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. La exposición –organizada en torno a los géneros tradicionales de la pintura de historia, el paisaje y el retrato- incluye obras de factura abocetada tanto de maestros antiguos como modernos. En ella se podrán encontrar desde esbozos de Rubens, Tiepolo, Géricault y Delacroix, y un estudio al aire libre de Matisse, a composiciones de Manet, Cézanne, Van Gogh, Heckel y Kokoschka. Todas ellas reunidas en el balcón mirador de la primera planta, con acceso directo y gratuito desde el hall.

El arte francés del XIX fue el escenario de un conflicto que enfrentó a los partidarios de lo acabado y lo inacabado en la pintura. A comienzos de siglo, los sectores más vinculados con la Academia convirtieron el fini o acabado pulido en símbolo de excelencia artística, frente al acabado abocetado considerado un signo de negligencia. Sin embargo, el fini nunca llegó a constituirse en modelo único de la pintura occidental: mientras la Academia florentina del siglo XVI celebraba las superficies cuidadosamente perfiladas de Rafael, los venecianos Giorgione y Tiziano abrían la puerta a una pintura vibrante y sensual. En los siglos XVII y XVIII la factura abierta veneciana encontró eco en varias escuelas nacionales como la holandesa, por ejemplo en la pintura de Frans Hals, o en la francesa con Fragonard.



Édouard Manet. Amazona de frente, c. 1882. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Las tensiones entre ambas concepciones explotaron en la Francia del XIX con los pintores neoclásicos que, enfrentados a la sensualidad rococó, se oponían radicalmente a cualquier trazo en la obra que dejase traslucir rasgos personales; las contradicciones inherentes a lo que se consideraba la etapa generativa y ejecutiva de la pintura avivaron este enfrentamiento. La fase generativa incluía un amplia rango de procedimientos: los esquisses o bocetos al óleo que se realizaban con rapidez para retener la première pensée –en la exposición, los óleos de Rubens y Tiepolo–; los études o estudios pintados al aire libre para capturar un motivo paisajístico o un efecto ambiental –como el pequeño cartón de Matisse– y una última categoría, los ébauches o primeras fases interrumpidas –por ejemplo, en los óleos de Carpioni, Géricault y Delacroix–, que deberían haberse convertido en una obra final; entonces sí, marcada ya por la fase ejecutiva y en la que el fini o acabado pulido era una condición esencial.

Con el romanticismo, la diferenciación entre estas dos fases -una más sentimental y privada y la otra más cerebral y pública- quedó en entredicho y artistas como Géricault o Delacroix dotaron a sus composiciones finales de algunas de las cualidades de sus esquisses. El desarrollo de la pintura de paisajes en el siglo XIX y la cualidad cambiante de la naturaleza hizo más urgente el empleo de un método rápido de captación.


Paul Cézanne. Retrato de un campesino, 1905-1906. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


A finales del siglo XIX, conforme esquisses y études perdían su razón de ser para convertirse en la obra final –por ejemplo en Manet–, lo inacabado adoptó nuevos contenidos. Así ocurrió, principalmente, en la obra de Cézanne y Van Gogh. Ambos artistas, formados en plena pugna entre obra acabada e inacabada, se convirtieron en buena medida en los últimos representantes de la distinción entre boceto y obra final, y en los introductores de nuevas maneras de concebir lo inacabado que habrían de prolongarse a lo largo del siglo XX.

En Cézanne, el proceso de elaboración de una obra carecía de final. Independientemente de su grado de ejecución, cada final de una sesión suponía una conclusión, pues en él estaba implícito que se había llegado a un equilibrio entre las distintas partes del cuadro. Frente a Cézanne, Van Gogh abrió la vía de lo inacabado a la expresión de la subjetividad. Sus pinceladas tortuosas y empastadas se distancian del estricto valor referencial. No pretenden tanto plasmar la realidad exterior como las emociones que ésta provoca en el artista. Esta vertiente de lo inacabado encontrará prolongación a comienzos del siglo XX en la pintura expresionista de artistas como Macke, Heckel y Kokoschka, presentes en esta sala.

Años más tarde, terminada la Segunda Guerra Mundial y evidenciada la barbarie nazi, lo meramente esbozado de obras como la de Giacometti se erigiría en símbolo de la angustia existencialista.

De este modo, lo inacabado, que a comienzos del XIX era considerado como un rasgo de descuido artístico, acabó convirtiéndose en uno de los impulsores de la renovación plástica de las vanguardias.

#PHE14 #FNAC @ClubCulturaFnac #conferencia Vidas recicladas, de Manuel Zamora.

FNAC Callao
Calle Preciados 28
Jueves 10 de julio a las 19:30 horas
Acceso gratuito hasta completar aforo
Más información en www.clubcultura.comhttp://tiendas.fnac.es/callaomanuelzamoraphoto.com



Vidas recicladas, de Manuel Zamora

PHotoEspaña2014 marca el inicio de una nueva etapa. Durante las próximas tres ediciones, la programación expositiva del Festival Internacional se centrará en ámbitos geográficos en lugar de estar dedicada a una temática. PHotoEspaña 2014 estará dedicado a la Fotografía española.

En Vidas Recicladas, Manuel Zamora (Murcia, 1970) dirige la mirada a uno de los innumerables paisajes que la crisis económica esta dejando en las ciudades. En este trabajo son protagonistas las personas que actualmente recorren las calles recogiendo todo tipo de metales. Hombres y mujeres que se ganan la vida dignamente buscando todos esos desechos generados por la ciudad diariamente. A diferencia de la “Fiebre del oro” del S. XIX , donde las migraciones se producían hacia zonas rurales en busca del preciado metal y un sueño, ahora se acude a las ciudades en busca de metales para seguir manteniendo esos sueños que la depresión se ha llevado.

En este trabajo, además del drama personal y familiar y del impacto que la crisis ha tenido en las esperanzas de estas personas, se muestra el problema de los residuos de la sociedad como uno de los grandes retos medioambientales para el S. XXI.

Con esta serie, el fotógrafo murciano ganó el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2013.

Fnac España expone durante todo el año las obras premiadas y finalistas de cada edición de este galardón convocado por el Festival y la prestigiosa revista de fotografía documental.

viernes, 4 de julio de 2014

@MuseoABC Evangelion y las katanas japonesas.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Del 5 de julio al 28 de septiembre de 2014
Entrada gratuita
Más información en museo.abc.es


Evangelion nació como anime, del cual surgirían un manga y una serie de largometrajes, adquiriendo ambos formatos éxito mundial. Son sus míticos personajes los que nos introducen en el mundo de las katanas japonesas. La exposición Evangelion y las katanas japonesas hace un recorrido a través de espadas contemporáneas inspiradas en la famosa animación, pero también a través de espadas clásicas que datan de los siglos XIII al XIX. La muestra es una iniciativa de Fundación Japón y el Museo ABC.




Como organizador de la misma, me complace enormemente que la exposición Evangelion y las katanas japonesas se exponga en el Museo ABC de Madrid.

Desde que empezó a emitirse en televisión en 1995, el anime de ciencia ficción Evangelion no ha dejado de ganar popularidad en todo el mundo. Esta exposición exhibe espadas contemporáneas inspiradas por el universo de esta serie, su historia y el característico grafismo de sus personajes, así como espadas antiguas fabricadas entre el periodo Kamakura (1185-1363) y el periodo Edo (1603-1868), acompañadas de un gran número de engastes y ornamentos de gran delicadeza.

A pesar de que tanto el universo de las katanas como el del anime son dos ámbitos de excelencia y motivo de orgullo en la cultura japonesa, el tema de esta exposición, que asocia dos universos tan alejados entre sí, podría resultar chocante. Encuentran un punto en común, sin embargo, en el carácter colectivo de sus obras, producto del conocimiento técnico y de la creatividad de los muchos colaboradores que intervienen en su creación. Lo que encontrarán aquí expuesto es una manifestación del espíritu del artesanado japonés, que perdura hasta nuestros días, transmitido de generación en generación.

Esta magnífica muestra, que presenta una nueva faceta de las katanas, ha sido organizada con el apoyo del Bizen Osafune Japanese Sword Museum. Ubicado en la prefectura de Okoyama, este museo goza de exquisita reputación en el ámbito de las katanas. Dirigida principalmente a un público joven, la exposición se ha exhibido por todo Japón y ahora viaja a Europa con una imagen renovada. Espero sinceramente que esta combinación de espadas japonesas y universo Evangelion permita al público español descubrir el pasado, disfrutar el presente y atisbar el futuro del artesanado japonés.

Para concluir, me gustaría manifestar mi más profunda gratitud a todas las personas que han permitido que este proyecto haya sido posible, empezando por los museos y los coleccionistas privados que tan amablemente han accedido a prestarnos sus valiosísimas obras.

Hiroyasu Andô, presidente de la Fundación Japón


El contrapunto tradición-modernidad está tan acentuado en el Japón actual que ha marcado su identidad. Por ello, en el Museo ABC se ha querido crear un espacio de expresión que aúne pasado y presente, dos momentos que conviven de forma paralela en el país nipón.

Tradicionalmente se cuestionaría la pertinencia de asociar Evangelion (anime contemporáneo) a las katanas (símbolo del artesanado clásico). Sin embargo, las espadas históricas aparecen con frecuencia en el anime japonés, siendo el medio de transmisión de la cultura y filosofía de los antiguos guerreros: cuando contemplamos cómo robots o héroes se sacrifican por la paz, entre líneas percibimos la presencia del saber de los samuráis. Dotar a personajes modernos de katanas es, probablemente, la consecuencia natural de este paralelismo. Encumbrada como una de las obras más emblemáticas de la animación japonesa, Evangelion no es una excepción a la regla. En la novela Shin Seiki Evangelion ANIMA —que presenta una historia distinta a la de la serie principal— aparecen armas inspiradas en katanas tales como la Bizen Osafune o la Magoroku Sword.

Además de la serie de espadas clásicas, se pueden contemplar katanas modernas realizadas por maestros forjadores (artistas que se distinguen por su gran apego a las tradiciones). Son reproducciones de las espadas que aparecen en Evangelion y que muestran cómo la herencia de los antiguos se perpetúa en el anime. Reunidos en torno a esta idea, equipos de artesanos y animadores han trabajado codo con codo en un gran desafío: el forjado de réplicas a tamaño real de las armas que aparecen en la serie como si fueran katanas de la era moderna. El resultado es la expresión de una sensibilidad y una estética típicamente niponas que constituyen el espíritu del artesanado tradicional.

Junto a las réplicas de la Bizen Osafune y la Magoroku Sword, la gigantesca Lanza de Longinus es sin duda una de las piezas cumbre de este proyecto. Esta arma de perfil singular es un emblema del universo de Evangelion y ha sido fabricada siguiendo técnicas tradicionales. Como se aprecia en el magnífico trabajo realizado en el jigane (el filo de la hoja), los maestros forjadores han sabido hacer suyo el espíritu del anime sin perder la esencia de su artesanado tradicional. El encuentro de forjadores y animadores —artesanos procedentes de dos universos radicalmente distintos— al que invita este proyecto tuvo su germen cuando los robots Evangelion se armaron de katanas. Cultura moderna y tradicional se compenetran, se funden y hoy exploran nuevas vías para el futuro.

Tomokazu Hirai, concepción y adaptación europea de la exposición

jueves, 3 de julio de 2014

#PHE14 #FestivalOFF La galería Paula Alonso gana el Premio Festival Off de PHotoEspaña

La galería Paula Alonso gana el Premio Festival Off de PHotoEspaña por la exposición Images of an Endless Journey (A Human Document) de Manolo Bautista.

Más información en www.phe.es galeriapaulaalonso.com - www.manolobautista.com




Cada año, PHotoEspaña reconoce a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2014.

En esta ocasión, el jurado formado por Carolina Compostizo, directora de la Fundación Cristina Masaveu; Lorena del Corral, comisaria independiente; y Rosario Peiró, directora del departamento de Colecciones del Museo Reina Sofía ha premiado a la galería Paula Alonso por la exposición Images of an Endless Journey (A Human Document) de Manolo Bautista (Córdoba, 1974).


The right way, 2013. C-print sobre dibond. 126 x 155 cm. © Manolo Bautista

El jurado ha querido reconocer con este premio un discurso artístico de gran coherencia, delicadeza evocadora y fuerza expresiva a la vez que sencillo y muy sutil. Destaca, además, que la exposición haya sido creada específicamente para PHE14.

Images of an Endless Journey (A Human Document) es una muestra multidisciplinar (fotografía, video y escultura) que investiga la ligera línea en la que habitan realidad y ficción. Manolo Bautista expone imágenes en engañosa mimesis con la naturaleza para desvelar la extrañeza de la cotidianidad; lo ajeno se revela en aparente armonía.

«Quien se haya acercado o interesado en algún momento por el anarquismo primitivista o anarcoprivitivismo conocerá sus fundamentos que abogan por volver a una vida no "civilizada" a través de la desindustrialización. Personajes como el escritor norteamericano Henry David Thoreau con un clásico como Walden, o en la actualidad John Zerzan con su compilación de escritos Contra la civilización: lecturas y reflexiones, nos acercan a una postura peculiar y, para mí, sin duda exótica, de las distintas maneras de interacción entre hombre moderno y el enfoque ecológico.

Thoreau, sabedor de los males y vicios de su tiempo, y de la usual insustancialidad de la sociedad humana, ideó un proyecto sumamente original, único cuanto menos en la historia de la literatura. Convencido de lo superfluo de los bienes y lujos de los que el hombre occidental de repente, decidió construir con sus propias manos, en un terreno que Emerson le cedió junto al lago Walden, una pequeña cabaña, a la que se trasladó en julio de 1845 para vivir en ella durante prácticamente dos años, manteniéndose tan al margen como le fuera posible de la vida social.

Este proyecto se propuso, en principio, acercar mediante la imagen y el objeto, a la idea original de Thoreau, proponiendo nuevas formas de visualización a través del trabajo fotográfico y objetual, interpretaciones de una visión individual y cercana, de la naturaleza y sus distintos elementos, de qué forma adaptamos nuestra naturaleza al contexto presente».

Han sido anteriores ganadores del premio Festival Off: PHE13: Max Estrella (Angelica Dass, Humanæ); PHE12: Blanca Berlín (Toni Catany, Archivo de sombras); PHE11: Helga de Alvear (Isaac Julien, Ten Thousand Waves); PHE10: Casado Santapau (Boris Mikhailov, Yesterday's Sandwich 1969/70); PHE09: Gao Magee Art Gallery (Jin Shi, Accidentes); PHE08: Moriarty (Nicolás Combarro, Línea de sombra); PHE07, Magda Bellotti (Juan Fernando Herrán); PHE06, Egam (Fran Mohino); PHE05, Distrito4 (Naia del Castillo); PHE04, Guereta (El jardín de las delicias); PHE03, Oliva Arauna (Alfredo Jaar); PHE02, Elba Benítez (Imágenes nórdicas); y PHE01, Oliva Arauna (Gabriele Basilico).


#EspacioFoto Encuentro con Eduardo Momeñe.

Espacio Foto Galería
Calle Viriato 53
Martes 8 de julio a las 19:30 horas
Acceso gratuito hasta completar aforo
Más información en www.espaciofoto.comwww.eduardomomene.com
Fotografía © Eduardo Momeñe

Encuentro con Eduardo Momeñe

Con motivo de la exposición "Fotografías en un cierto espacio 1978-2014"

Retratos, figuras y escenificaciones de un universo fotográfico conformado a través de los años en un mismo y mínimo espacio. Un viaje sin desplazamientos en el que el autor juega, a la manera de los grandes pintores del pasado, con las limitaciones de un espacio escogido y la forma de proyectar la luz.

Eduardo Momeñe compartirá y comentará con los asistentes la exposición fotográfica así como el vídeo realizado sobre la misma.

miércoles, 2 de julio de 2014

#Revista Eñe 38, para lectores de cero a cien años



El número de verano de Eñe. Revista para leer se abre a la literatura crossover, reflexionando sobre si los clásicos infantiles mantienen su fascinación al releerlos en la edad adulta, o si el adjetivo “infantil” o “juvenil” ahuyenta a los lectores veteranos. Para ello, ha lanzado a ocho escritores un reto: escribir para cualquier lector. El resultado ha ido más allá de la literatura crossover, aquella rebautizada para llamar la atención de lectores que comienzan y lectores que ya tienen un bagaje, y ha desembocado en la literatura más rebelde: esa que zarandea los cimientos y obliga a replantear la realidad.

Natalia Carrero (Barcelona, 1970), Alberto Gismera (Madrid, 1970), Mariana Graciano (Rosario, Argentina, 1982), Eduardo Halfon (Ciudad de Guatemala, 1971), Alejandro Morellón (Madrid, 1985), Miguel Serrano Larraz (Zaragoza, 1977), Raúl Quinto (Cartagena, Murcia, 1978), Unai Velasco (Barcelona, 1986) son los autores de los relatos de Eñe 38, un número no del todo para todos los públicos, pero sí para todos aquellos que prefieren la literatura que remueve conciencias. En este número de la revista hay una femme fatale, padres e hijos y sobrinos, videojuegos y teorías conspiratorias, mitos de infancia y mitos que salen a la calle.

A estos escritores que cruzan fronteras se unen, en las secciones fijas de la revista, el diario de Carmen Amoraga (Picanya, Valencia, 1969), reciente ganadora del Premio Nadal con La vida era eso, una carta de amor a la vida y a la literatura sea cual sea la edad de quien lata; la biblioteca de Javier Pérez Andújar (Sant Adrià de Besòs, Barcelona, 1965), un homenaje a la lectura apasionada y a la pasión por leer que se fija en sus primeros años; los poemas que Laura Casielles (Pola de Siero, Asturias, 1986) leyó en el V Festival Eñe, sobre saltos de geografía y de lenguaje; y el avance de la nueva novela de Gustavo Faverón (Lima, 1966), El anticuario, que deja muchas preguntas y ganas de leer.

Las ilustraciones de este número son del escritor, comisario y fotógrafo Pere Formiguera (Barcelona, 1952-2013). Irónico y descreído, experimental y consciente de que el arte se confunde tanto con la vida que el respeto no puede significar inmovilismo, sino acción, su mirada se expandió con técnicas y costumbres como el trabado con polaroids, en sus inicios, o el refotografiado más tarde. Las fotografías que ilustran Eñe 38 son de la serie Cronos. Pere Formiguera recibió galardones como el que otorga el Ministerio de Cultura al mejor libro infantil del año por Pulgarcito en 1994; el Premio Innovation de la Feria Internacional de Bolonia por Se llama cuerpo, libro de fotografías, en 1997; el Premio Sant Cugat a la trayectoria artística en 2010. Su obra está presente en las colecciones del MoMA, MNCARS, MACBA y CCCB.

Más información en www.revistaparaleer.com

martes, 1 de julio de 2014

#SofiaMoro #ChemaConesa #PHE14 @ClubCulturaFnac Sensibilidad y compromiso.

FNAC Castellana
Pº de la Castellana 79
Jueves 3 de julio a las 19:00 horas
Más información en www.clubcultura.comsofiamoro.comwww.chemaconesa.com



Sofía Moro y Chema Conesa conversarán sobre la trayectoria de la fotógrafa el jueves en Fnac Castellana (Madrid). A las 19h.

Sensibilidad y compromiso
PHotoEspaña2014 marca el inicio de una nueva etapa. Durante las próximas tres ediciones, la programación expositiva del Festival Internacional se centrará en ámbitos geográficos en lugar de estar dedicada a una temática. PHotoEspaña 2014 estará dedicado a la Fotografía española.

Fnac Castellana (Madrid), acoge por este motivo una exposición dedicada a la obra más personal de Sofía Moro, una de las fotógrafas españolas contemporáneas de trayectoria más sólida, constante, sensible y comprometida.

Ray Krone Tres años en el corredor de la muerte en Estados Unidos por un crimen que no cometió ©Sofía Moro

La exposición, titulada Sensibilidad y compromiso, recorre la obra de Sofía Moro desde sus primeros trabajos. La muestra se centra en la obra más personal y comprometida de la autora madrileña: las series Cárcel de Carabanchel, un relato en blanco y negro que documenta la vida de las presas del centro penitenciario madrileño, Ellos y nosotros, sobre veteranos de la Guerra Civil de ambos bandos, y unos impactantes y delicados retratos de condenados al corredor de la muerte en Estados Unidos por delitos que no cometieron. La exposición termina con una serie de imágenes cotidianas realizadas en distintas ciudades y pueblos de España.

«Mi vida, mi biografía a día de hoy, la conforman en gran parte las fotografías que he hecho en estos últimos veinte años, y la gente, los lugares y las historias que he conocido mientras las hacía. Eso es lo que perdura hoy en mi cabeza. Nunca hubiera entrado en la cárcel de mujeres de Carabanchel si no hiciera fotos. Nunca habría conocido a los viejos Brigadistas Internacionales, ni a las víctimas ni a los vencedores de la Guerra Civil española, ni a los condenados a muerte americanos milagrosamente exonerados, ni a los bravos defensores de derechos humanos. La fotografía de repente me acercó al otro y así se fueron encarnando mis obsesiones». Sofía Moro

lunes, 30 de junio de 2014

#PHE14 Aitor Lara, Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2014 por la serie Pobreza infantil en España.

PHotoEspaña y la revista de fotografía documental OjodePez hacen público el ganador del VII Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, con el que reconocen un trabajo de fotografía documental que destaque los valores de solidaridad, ética, justicia o esfuerzo.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El ganador de la séptima edición del premio es el fotógrafo español Aitor Lara por su serie Pobreza infantil en España. El proyecto ha sido realizado en diferentes barrios populares y centros sociales infantiles de Sevilla y Madrid para ilustrar el borrador sobre pobreza infantil en España presentado por Save the Children en 2014.

El trabajo está premiado con 2.000 euros, será objeto de una exposición itinerante en los centros FNAC de España y Portugal entre septiembre de 2014 y junio de 2015, y formará parte del número que OjodePez dedica cada otoño al certamen y que se publicará en septiembre.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El jurado profesional encargado de conceder el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2014 ha considerado en el fallo del galardón que «el trabajo es consistente y relacionado con la temática del premio y la calidad se destaca por su visión personal y estilo, y el profundo respeto por el tema. La serie se refiere a la situación contemporánea en España y refleja el momento crítico del país de una manera no estereotipada examinado los efectos colaterales y no simplemente lo que los titulares de prensa indican».

Este jurado ha estado compuesto por Erik Vroons, de GUP Magazine; Mauro Bedoni, de Colors; Diego Orlando, de Burn Magazine, Carine Dolek, de Fetart andCirculations y Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

Pobreza infantil en España © Aitor Lara

El ganador, Aitor Lara, explica que «las historias reflejadas en las fotografías seleccionadas responden a un problema que afecta hoy a 2.826.549 de niños y niñas en España, el de la pobreza y la exclusión social. Los niños de España son ciudadanos del presente y actores clave del futuro de este país, la sociedad debe tomar conciencia a todos los niveles de la gravedad del asunto. La crisis económica ha expuesto a muchas familias a una disminución de sus ingresos, lo que ha disparado los indicadores de pobreza y de exclusión social. Es una situación severa que se presenta en la vida cotidiana de los niños, convirtiéndose en un obstáculo para el disfrute y el ejercicio de los derechos esenciales (vivienda, alimentación, educación, sanidad, etc) reconocidos en la Convención sobre los Derechos del Niño».

Sobre el autor 
La carrera profesional de Aitor Lara (1974 en Barakaldo, Vizcaya) comenzó en 1999 cuando fue galardonado con el Premio de Fotografía Juana de Aizpuru, mostrando su trabajo en ferias internacionales como ARCO y ParisPhoto. En 2004, recibió la beca de investigación Ruy de Clavijo de Casa Asia para llevar a cabo un proyecto en Uzbekistán. En 2008 recibe el premio Europa Multicultural de Médicos del Mundo. Ha publicado varios libros como Torre de Silencio editado en 2008 por Fundación Tres Culturas, Maestranza sobre la plaza de toros de Sevilla, estas fotografías decoran la fachada del edificio FNAC de Sevilla desde 2009, y Ronda Goyesca, editado por La Fábrica. Además, cuenta con diversas publicaciones enNewsWeek, Financial Times, OjodePez o Vokrug Sveta. En 2012 fue nominado para la beca Magnum Foundation Emergency Fund. Lara aborda cuestiones relacionadas con valores socio-culturales, identidad y anonimato, sugiriendo un modo de interpretar la realidad contemporánea. Ha trabajado en diferentes países profundizando en las dimensiones antropológicas de diferentes cultos religiosos y de algunas minorías sociales.

 Más información en www.phe.es - www.aitorlara.com

domingo, 29 de junio de 2014

@mataderomadrid Sandra Cinto. En silencio / Gran escala.

Matadero de Madrid
Nave 16
Pº de la Chopera 10
Hasta el 31 de agosto de 2014
Entrada gratuita
Más información en www.mataderomadrid.org



Comisariado: David Barro
En Silencio, que es una co-producción de Matadero Madrid y la Fundación Luis Seoane, se podrá ver en A Coruña partir del 16 de octubre.






En Silencio es una instalación site specífica realizada por la artista brasileña Sandra Cinto y comisariada por David Barro para el programa Gran Escala de Matadero Madrid. Un programa que propone a una serie de artistas abordar un espacio de naturaleza industrial y grandes dimensiones, ahora resuelto por Sandra Cinto como un paisaje imaginario, íntimo y rotundo, aunque se estructure desde lo frágil. Si por un lado se reivindica el silencio en una sociedad invadida por el ruido, por otro esa tentativa, silenciada, individual, se resuelve expandida, rotunda, colectiva. La experiencia es física, pero sobre todo psíquica, mental.



El espacio abismal de Matadero se convierte ahora en una habitación dominada por una mesa donde Sandra Cinto, escenifica un sentimiento, el de la dificultad de la creación, de componer, de manifestarse. En Silencio hace que el tiempo se pare como cuando estamos ante una fotografía antigua. Como cuando la música no suena, la creación es un callejón sin salida, igual que cuando una escalera no conduce a ningún lugar o cuando los libros no se pueden abrir.



Sandra Cinto. Nacida en Santo André (Brasil) en 1968, Sandra Cinto vive y trabaja en São Paulo, donde codirige el espacio-taller de artistas Ateliê Fidalga. Además de las habituales muestras en las galerías que la representan, como Casa Triângulo en São Paulo y Tanya Bonakdar en Nueva York, ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Arte Moderna de São Paulo, Seattle Art Museum, Instituto Tomie Ohtake o, actualmente, en el Centro Atlántico de Arte Moderno de las Palmas de Gran Canaria, así como colectivas como las celebradas en Museum of Contemporary Art de Miami, Museum of Contemporary Art de San Diego o el Centre Georges Pompidou. Seleccionada en importantes proyectos editoriales como Vitamin D (Phaidon), su obra se encuentra en colecciones como la Fundación ARCO, Centro Galego de Arte Contemporánea, Museo de Arte Moderna de São Paulo, Centro de Arte