Workshops Gratuitos - Saca un mayor partido a tu cámara réflex digital.Aprende nuevos trucos y consejos de fotógrafos creativos de reconocido prestigio y, además, prueba y disfruta con los últimos modelos de cámaras y objetivos EOS. Aprende con los workshops que hemos preparado sobre Retrato, Macro y Fotografía Básica. Además podrás registrarte en un workshop para conocer más sobre Apple.
Maquilladora caracterizadora profesional. Las areas que puedo desempeñar son: cine, teatro, tv, eventos, espectáculos, moda,publicidad,fotografía etc... Me apasiona mi trabajo y todo lo que pueda suponer un reto mas para mi carrera.He realizado estudios en la Asociación de Maquilladores para Camaras y Focos de Madrid durante el año 2007, especializandome en maquillaje de belleza, caracterizacion...
¿Podemos imaginar un lugar en el que el sueño de una de las utopías de la Modernidad se haya hecho realidad? ¿Y uno sin diferencias entre alta cultura y cultura de masas? ¿Podemos imaginar a artistas contemporáneos trabajando en un mundo en el que, oficialmente, no existen ni el mercado de arte, ni galerías, ni crítica, ni coleccionismo, ni publicaciones ni instituciones más allá de las oficiales? ¿Y uno en el que ni siquiera exista el público?
Sí. Durante gran parte del siglo XX, esa fue exactamente la realidad vigente en la Unión Soviética, desde al menos 1922 hasta su disolución en 1991. Y, reflexionando sobre ella, crearon los artistas conceptuales de Moscú, durante las décadas de los 60 a los 90, su característica obra, trabajando en los márgenes de una sociedad y un contexto cultural definido exactamente por esas carencias. La Ilustración total. Arte conceptual de Moscú, 1960-1990, concebida y coorganizada por la Fundación Juan March y la Schirn Kunsthalle Frankfurt –donde la exposición está expuesta entre el 21 de junio y el 14 de septiembre de 2008– bajo el comisariado del mejor especialista sobre el tema, Borís Groys, ofrece, por primera vez, una presentación sistemática de todos esos artistas.
La exposición mostrará unas 150 obras de los más diversos géneros –pintura, dibujo, escultura, fotografía, instalación– de 25 artistas, entre otros, de Iliá Kabakov, Érik Bulátov, Borís Mijáilov, Dmitri Prígov, Komar & Melamid, Iuri Albert, Andrei Monastyrski o de grupos como Acciones Colectivas o Hermenéutica Médica. Por medio de estas obras y un montaje provocativo, la muestra reconstruye la escena artística “no oficial” de la época, documentando la aguda reflexión sobre la totalizante ideología soviética por parte de una serie de artistas cuyas obras permiten una perspectiva sobre un programa artístico-político cuyo material quiso ser el mundo en su totalidad; su tiempo, toda la historia; y su producto, el sistema soviético.
Movimiento y fotografía – ¡qué contradicción! Y no sólo en el el arte. El movimiento – motor de todo cambio – se entiende como un principio fundamental de lo viviente y lo presente como tal, encontrando su exaltación estética en la danza artística. La danza significa movimiento, un movimiento sostenido por la música, la melodía y el ritmo. La danza simboliza dinamismo y continuo cambio.
La fotografía de un movimiento es pérdida y ganancia a la vez. Implica una pérdida porque no puede reproducir la duración de un movimiento orgánico específico. La fotografía fragmenta el espacio y dispersa el tiempo. Lo que queda es una huella de luz reflejada sobre una superficie bidimensional, un fragmento conservado. La fotografía de la danza crea un momento congelado, razón por la cual es más "artificial" que el arte de la representación, pues si bien lo "retrata" sólo puede retener un fragmento de ese arte. La fotografía de la danza muestra el cuerpo bailando como una mezcla de tiempo y luz, como un movimiento apenas asible, viéndose confrontada con la ambivalencia del dinamismo, por una parte, y la fotografía instantánea por la otra.
Esta exposición se compone de más de 50 fotografías – en color y blanco y negro – y una instalación de vídeo realizadas por fotógrafos especializados en danza, algunos de ellos grandes artistas. El resultado son instantáneas del movimiento, interpretado en algunos casos por compañías de danza con una gran trayectoria internacional como las de William Forsythe y Sasha Waltz.
Los autores que han participado en la muestra son Andrea Esswein, Dominik Mentzos, Agnès Noltenius, Vanessa Ossa, Joerg Reichardt, Bettina Stöß, Bernd Uhlig, Gert Weigelt y Peter Welz.
Fotografías de deportistas famosos, como Nadal, Guti, Puyol, Pedrosa, Marc Gasol y Gemma Mengual, y de algunos de los mejores deportistas paralímpicos recorrerán varias estaciones ferroviarias difundiendo los principios fundamentales del deporte y los ideales paralímpicos a través de la exposición "Unidos por el deporte".
La Fnac presenta esta selección de 35 fotografías extraídas del libro 'China. Portrait of a country', publicado por Taschen, un viaje visual inusitado a través de la historia de la República Popular China editado por el reportero gráfico Liu Heung Shing.
En la China posterior a Mao, Deng Xiaoping, máximo lider de China desde1978 hasta su muerte en 1997, pronunció la siguiente frase: 'Buscad la verdad en los hechos'. Tomando este principio, China es hoy uno de los líderes económicos del siglo XXI. El proceso por el cual este país está virando desde una posición más alejada a una mucho más central en los asuntos globales domina los debates acerca de las relaciones existentes entre el mundo Occidental y Asia, más concretamente China.
La exposición que aquí presentamos hace un seguimiento de la historia visual de los sesenta años de la República Popular China (1949-2008), y a lo largo de este recorrido trata de ilustrar la corriente más humana de los hechos.
A través del trabajo de veinticinco fotógrafos chinos, esta colección de imágenes nos muestra cómo la población china se ha ido transformando a pesar de las largas décadas de apuros y privaciones, y el extraordinario camino que su sociedad ha tenido que atravesar hasta alcanzar al resto del mundo.
El Ayuntamiento de Getafe presenta la I Edición de Getafe Negro, un completo programa de actividades que tomará las calles, plazas, espacios culturales y la Universidad Carlos III de Getafe, del 22 al 26 de octubre de 2008.
La iniciativa nace para centrarse en la divulgación de la lectura y de otros formatos relacionados con el género: cómic, videojuegos, música, teatro, cine... Está comisariada por el escritor getafeño Lorenzo Silva. Su realización corre a cargo de La Fábrica y tiene al periodista David Barba como director de programación.
Getafe Negro se articula en torno a tres ejes: Madrid como escenario literario; África en negro; y el análisis de los arquetipos más populares del género policiaco, desde donde se explorarán las fronteras reales y literarias de ambos lados de la Ley Más de 40 actividades, con casi 100 participantes, serán el punto de encuentro para debates abiertos a la participación del público, conciertos, teatro, talleres, mesas redondas, seminarios, exposiciones y hasta degustaciones gastronómicas.
Autores
El Festival contará con destacados escritores nacionales como Francisco González Ledesma, Juan Madrid, José Carlos Somoza, Mercedes Castro, Fernando Martínez Laínez, Marta Rivera de la Cruz, David Torres, Jose María Guelbenzu o Eugenia Rico, entre otros.
Abasse Ndione y Moussa Konaté, dos de las grandes voces del género en el continente africano, y el escritor alemán Friedrich Ani, éxito de ventas en su país natal, visitarán España por primera vez para ofrecer otra visión de la novela negra.
Las escritoras Reyes Calderón, Cristina Fallarás, Julia Montejo e Isabel Alonso formarán una de las mesas redondas más destacadas. Además, investigadores y periodistas como Carlos Berbell, Matías Antolín, Jesús Duva o Carlos Quílez retomarán el caso de El Solitario y los crímenes que empañan la sociedad actual Un festival de policías y ladrones.
Ex convictos como El Dioni y El Pera hablarán sobre sus experiencias pasadas; miembros de la Guardia Civil seducidos por la escritura desvelarán las claves de una buena novela negra desde su profesional punto de vista “Caso Getafe”, una yincana popular de pistas en la ciudad, una exposición de videojuegos, música en directo, un taller de cómic, un ciclo de cine y un concurso de microrrelatos, completan la propuesta de una edición dirigida a todos los públicos.
La cuarta edición del festival In-Sonora en Intermediæ vuelve para deleitar a los seguidores del arte interactivo a través de la obra de más de 50 artistas nacionales e internacionales.
Dentro del festival, Intermediæ Matadero acogerá el desarrollo de 4 talleres gratuitos y presentará una agenda de citas relacionadas con los talleres y el festival abiertas al público.
Además, los visitantes podrán disfrutar hasta el próximo 2 de noviembre de la instalación sonora Mosquito Device y la Vídeo-Acción Sonic Weapons del colectivo pro-sonido Escoitar.org.
In-Sonora IV amplía el circuito de espacios y cuenta con un total de 11 sedes que acogerán talleres gratuitos que permitirán a todos participar en la muestra.
En el taller 'Sonido Y Poder. Tecnologías De Control Social Con Sonido' se realizará una panorámica actual de los diferentes usos, desarrollos e implementaciones tecnológicas, basadas en tecnología sonora cuya utilización tiene como objetivo ejercer control social y poder.
En el curso 'Acciones Sonoras' se hará un acercamiento al arte sonoro en sus diferentes formas de expresión: acciones sonoras, música experimental, paisaje sonoro, poesía sonora o instalaciones sonoras.
El taller 'Laptop Orchestra' tiene como objetivo hacer música con hasta una docena de computadoras/músicos, formando un conjunto integrado por portátiles donde cada ordenador se convierte en un instrumento musical.
Por último, en el curso 'Interacciones con Objetos Sonoros' se profundizará en todos aquellos aspectos temporales que intervienen en la creación. Se plantea un acercamiento a los "medios basados en el tiempo" desde una posición híbrida.
La exposición "Cine español. Una crónica visual", organizada por el Instituto Cervantes, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y Lunwerg Editores, es una invitación a disfrutar de un siglo de imágenes, sonidos y emociones en un fascinante paseo por la historia y evolución de nuestro cine. En la muestra, que se inaugura hoy miércoles, han colaborado la SECC, la ICCA, Egeda y la Fundación Borau, con el patrocinio de Caja Castilla-La Mancha.
Por primera vez juntos y en Casa de América, Nelson Leirner, Sâo Paulo, 1932, y Albuquerque Mendes, Trancoso, Portugal, 1953, dos artistas de importante prestigio internacional, presentan una obra común inédita que plantea un diálogo entre dos culturas hermanas, entre dos formas de entender la trascendencia de la vida.
Homenajea al cineasta Luis Buñuel a través de una muestra que recorre la vida y la obra del genio de Calanda no sólo como creador sino como fuente de inspiración para otros artistas. Bajo el título 25 años sin Luis Buñuel, se agrupa la doble exposición: "Colección Lucio Romero" y "Buñuel, creador de cine".
El veterano actor malagueño Lucio Romero posee una de las mayores colecciones de España de carteles cinematográficos, con unas 4.000 piezas. En la Academia se podrá admirar una selección de ellos, relacionados con Luis Buñuel, y entre los que destacan los carteles que Iván Zulueta diseñó para Viridiana, Simón del desierto y La edad de oro. Y es que la obra de Buñuel ha servido de inspiración a algunos de los mejores diseñadores de carteles de la historia del cine.
Procedete de la Casa Buñuel de Calanda (CBC) se exhibirán, además, una serie de instantáneas que muestran a Luis Buñuel en pleno trance creador, dirigiendo algunas de sus películas más importantes en países como México (donde residió y filmó la mayoría de sus obras), Francia y España. En ellas Buñuel aparece junto a actores y equipos técnicos, en pausas del rodaje, dando indicaciones o consejos, celebrando alguno de los premios recibidos o bien intercambiando bromas y risas. Todas ellas proceden del archivo de la familia Buñuel y algunas fueron realizadas por Juan Luis, hijo del director aragonés.
Ambas exposiciones están organizadas de forma conjunta por la Academia de Cine y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), adscrita al Ministerio de Cultura y se complementarán con un ciclo dedicado a Luis Buñuel, en el que se proyectarán sus películas La edad de oro, Viridiana, Belle de jour, Tristana y Ese oscuro objeto del deseo entre el 20 y el 24 de octubre.
Es una colectiva fotográfica en la que se dan cita 60 grandes maestros de la fotografía, y un centenar de obras emblemáticas, que muestran la belleza y complejidad de la mujer del siglo XX.
Artistas como Rodchenko, Man Ray o Horst P. Horst encontraron la inspiración tanto en estrellas de cine como en perfectas desconocidas. Los grandes fotógrafos de moda (Munkacsi, Irving Penn, William Klein, Cecil Beaton, Lillian Bassman, Marcus Leatherdale o Gundlach) y los expertos notarios de la realidad del siglo XX (Boubat, Elliot Erwitt, Inge Morath, Bill Brandt o Robert Doisneau) componen un retrato plural en el que conviven sofisticación y naturalidad, inocencia y provocación, éxito y resignación; sueños y ambiciones.
Además de presentar un formidable recorrido estético por la historia de la fotografía del siglo pasado, La exposición se adentra en el inefable universo femenino a través de la belleza singular de cada rostro.
Es la primera vez que se muestra fuera de Vietnam la obra gráfica original de aquellos artistas que fueron los artífices de la propaganda y de la publicidad que en la actualidad constituyen los documentos más valiosos para la reconstrucción de la memoria histórica. Estas imágenes no sólo lideraron el proceso de recuperación política y económica de Vietnam, sino que son también representativas de la funcionalidad del arte de vanguardia de este período.
Organizador Casa Asia, con la colaboración del Museo Nacional de Bellas Artes de Vietnam, la Embajada de España en Hanoi y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo.
Paseo del Prado, frente a la puerta del Jardín Botánico.
Dentro del programa de cursos desarrollado por el Museo Nacional de Ciencias Naturales (CSIC) con la colaboración de la Sociedad de Amigos del Museo, la ASECIC y Masterclass se impartirá un curso de photoshop avanzado entre los días 10 y 19 de noviembre en la Mediateca del Museo de 18 a 21:30 horas.
Las posibilidades de transformación de imágenes digitales que permite Photoshop son casi infinitas, desde ensalzar o mejorar fotografías hasta crear sofisticados diseños o dibujos. Sin embargo, lleva su tiempo poder conocer todas las utilidades de este programa, manejarlas con soltura y entender cómo funcionan.
El objetivo de este curso, impartido por el profesor Nicolás Sánchez-Biezma, es mostrar algunas de las características más potentes de Photoshop, para ayudar a los participantes a dar un paso más en su dominio de la imagen digital. Por eso, es recomendable que tengan conocimientos de nivel medio sobre el programa.
El curso tendrá una duración de 21 horas y comenzará aclarando algunos aspectos de gestión de color, fundamentales para obtener resultados óptimos. También se incidirá en una de las herramientas más poderosas de todo programa de imagen digital, las curvas, y se enseñarán algunos trucos para retocar fotografías antiguas o reparar imágenes dañadas.
Otros aspectos a tratar durante el curso serán el enfoque de imágenes al máximo sin que pierdan calidad, la transformación de imágenes a blanco y negro, la coloración de fotografías en escala de grises o la realización de fotomontajes.
El curso avanzado de photoshop tendrá lugar en la Mediateca del Museo Nacional de Ciencias Naturales del 10 al 19 de noviembre. Horario: de 18 a 21:30 horas. Plazas: 20. Precio: 200 euros (Amigos del Museo, 160 euros).
La primera exposición retrospectiva de la obra fotográfica de Zoe Leonard recoge una distintiva selección de imágenes tomadas por la artista neoyorquina desde la década de los setenta hasta la actualidad. Organizada por el Photomuseum Winterthur (Suiza), la muestra presenta en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía alrededor de ciento sesenta fotografías que plasman el interés de la artista por los contrastes cotidianos: la naturaleza frente a lo urbano y lo manufacturado frente a lo original; entendiendo la fotografía como un acercamiento a lo documental. Más allá de planteamientos artísticos, el proceso creativo de Leonard (en blanco y negro, sin retoques, copias en distintos tamaños y papeles…) rechaza la imaginación en pro de la observación.
Alberto García-Alix es uno de esos artistas privilegiados que puede presumir de haber plasmado su vida a partir de retratos de la vida de los demás. Premio Nacional de Fotografía en 1999, en sus treinta años de trayectoria artística siempre rechazó posicionarse frente a sus fotografías para concentrar en ellas la creación no pretendida de toda una historia. La futura retrospectiva de su obra pretende ser más que una revisión, un viaje alrededor de su memoria, a través de 200 fotografías de diferentes épocas y formatos. En la exposición para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, García-Alix estrenará De donde no se vuelve, una obra audiovisual creada expresamente para la muestra y que supone la exploración de su mundo personal a partir testimonio del artista en primera persona fundiéndose con las impresiones adquiridas por el espectador según sus fotografías.
Escultor, pintor, dibujante y escritor, Evaristo Bellotti presenta en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro de Madrid una instalación compuesta por una extensión de mármol blanco de Macael y una masa de agua que brota desde la planta del edificio para disiparse en múltiples direcciones.
La obra está compuesta por un total de 1.668 losas de mármol, de idéntica medida, que han sido labradas por Bellotti en las canteras de Macael (Almería). El agua emerge del suelo y discurre sobre la superficie del mármol, produciendo formas onduladas que enfatizan la belleza natural del material. Con una extensión de mil metros cuadrados, la instalación cubre la totalidad de la planta del Palacio de Cristal y crea la ilusión de un pavimento de mármol acicalado con charcos de agua atrapada.
La participación del público es indispensable: los visitantes intervienen en la “escultura” mientras caminan descalzos sobre el mármol y pisan las balsas creadas por el agua. Asimismo, la obra está expuesta a los cambios de luz y temperatura ambiente del Palacio de Cristal, producidas por la reflexión de la luz sobre el agua y por la propia evaporación.
Cambiante e interactiva, la instalación de Bellotti trasciende la obra de arte cerrada para convertirla en un paisaje transitable.
India es un país plural, inmenso, de multitudes. Un país que no entra en una metáfora por la riqueza inabarcable de sus diferentes tradiciones y por la yuxtaposición de diversos niveles de realidad. Tradiciones ancestrales conviven con la complejidad del reto de la contemporaneidad. Y la escena artística de la India es también, como un reflejo, necesariamente amplia y rica.
Reflejos de la India contemporánea muestra el trabajo de cuatro artistas originarios de diferentes partes del país y que dirigen su atención hacia lo más profundo de la realidad que les rodea. Sus obras marcan el punto de encuentro entre los lenguajes contemporáneos del arte y la mirada introspectiva, en la tensión con que las tradiciones religiosas y culturales conviven con la modernidad. A través del itinerario de estos cuatro autores se construye un evocativo collage de la compleja experiencia vital del la sociedad india. La selección es fruto del trabajo de campo que Luisa Ortinez, comisaria de la exposición, ha realizado durante más de dos años en la India, visitando a los artistas en sus estudios, conociendo la realidad que los construye e investigando la escena artística de ese país.
La mirada de Sheela Gowda (Bhadravati, 1957), Amar Kanwar (Delhi, 1964), N S Harsha (Mysore, 1969), Anup Mathew Thomas (Kochi, 1977), nos acerca desde diferentes campos disciplinarios –instalación, video, pintura y fotografía- a cuestiones importantes presentes hoy en la sociedad India como son las fricciones provocadas por la rápida transformación de las áreas urbanas y rurales -originada por el acelerado crecimiento económico- o los choques y contrastes entre tradición y modernidad. Hay también otros conflictos que afloran en sus trabajos, comunes al mundo de hoy, como son la violencia, la identidad cultural, la emigración, los problemas de género o la globalización. Es la oportunidad para el espectador europeo de ver el mundo desde la perspectiva de una sociedad lejana en su distancia pero llamada a ser cada vez más protagonista del contradictorio siglo que inauguramos. Una sociedad que ya camina por las calles de muchas de nuestras ciudades. La obra de estos artistas expresan la complejidad de su escena cultural y política al tiempo que da una visión que huye de los estereotipos estéticos que se construyen de este país milenario.
La muestra se complementa con cuatro videos realizados en la India entre 2006 y 2008 por Luisa Ortinez sobre cada uno de los artistas participantes. Los videos, a modo de documental, nos acercan de una manera privilegiada a sus formas de trabajar a través del hilo conductor de las conversaciones con los autores al tiempo que nos descubren los diferentes contextos y paisajes humanos del que son originarios. Documentos reveladores de sus universos y procesos creativos.
Paralelamente se proyectará en el auditorio de La Casa Encendida en días señalados una programación del videoarte que se esta haciendo en estos momentos en la India, con sesiones monográficas sobre temas y autores.
-Del 21 de Octubre 2008 al 4 de Enero de 2009.
-Espacios D y E.
La exposición se acompañará de un ciclo de cine, un taller con Sheela Gowda y un ciclo de conciertos.
Comisariado por Jorge Díez, este proyecto expositivo trata de ser una muestra plural del nuevo cómic español surgido en los años ochenta y que ha alcanzado su plena madurez creativa dos décadas después. Una exposición colectiva que toma el viaje como eje temático y está integrada por las obras de GALLARDO, KEKO, MAURO ENTRIALGO, MAX, MICHARMUT y MIGUELANXO PRADO. Seis autores que han logrado un lenguaje personal y que, desde seis focos geográficos distintos (Cataluña, Madrid, País Vasco, Baleares, Valencia y Galicia), dibujan con trazo propio y diverso el panorama actual del cómic español dentro de la escena internacional.
El comic, la historieta, la bande dessinée nació como un medio de masas vinculado a la prensa diaria a finales del siglo XIX y ha sufrido una profunda transformación hasta nuestros días. Actualmente, junto a un sector plenamente integrado en las industrias de la cultura que se dirige al público infantil, el cómic para adultos mantiene alguna cuota significativa de mercado y un cierto carácter masivo en el campo humorístico o satírico.
El cómic norteamericano de superhéroes y el manga japonés en todas sus versiones parecen haber arrasado con lo que en los años sesenta del pasado siglo supusieron las propuestas del cómic underground americano y la vitalidad de algunos autores y editoriales europeos, especialmente del área francófona, que generaron nuevas y creativas propuestas muy próximas a las inquietudes políticas y culturales de esa época.
En la imagen, la ciudad devastada y unas mujeres retirando lo único que queda después de una guerra, los escombros. Ni un solo hombre: habían muerto.
Es una de las fotografías que abre la exposición Dos arquitecturas alemanas 1949-1989, que supone la primera tentativa histórica de revisar cómo un país dividido, Alemania -la República Federal (RFA) y la Democrática (RDA)-, afronta su reconstrucción sobre las ruinas de la II Guerra Mundial hasta su reunificación tras la caída del muro de Berlín.
La muestra, que ha viajado por 20 ciudades del mundo, es la culminación de cuatro años de investigación en los archivos alemanes, y que fue especialmente complicada en la RDA, donde se había destruido gran parte de un material del que se obtuvieron 800 imágenes de edificaciones y unos 70 planos, en buena parte inéditos. Está abierta hasta el 12 de octubre, en Arquerías de Nuevos Ministerios.
Mayo, 1945. Sobre plano, dos capitales, dos sistemas políticos y económicos opuestos y formas diferentes de entender el espacio. Pero en ambos lados de Alemania dominaba, después de Auschwitz, la necesidad imperiosa de superar el Holocausto. Y cada una lo hizo de forma diferente. La RFA abandona prácticamente la concepción historicista y monumental típica del Tercer Reich y se decanta por una arquitectura que puede empezar de nuevo, representada en el movimiento moderno. Como ejemplo queda la reconstrucción del Reichstag, de Paul Baumgarten (1961-1969), o la sede de Olivetti en Francfort, de Egom Eirman (1969-1972).
Curiosamente, la RDA "se siente tan distanciada del fascismo que no necesita justificarse", cuenta el comisario de la exposición, Christoph Strieder. Creía poder dar continuidad a determinadas líneas tradicionales y utiliza elementos propios del templo clásico, como columnas, pórticos y triángulos. Esa vuelta al lenguaje clásico se aprecia en la Casa de Cultura de Maxhütte (1952-1955). Estos edificios, en su mayoría copias del templo griego, sólo existen en el Este.
Hasta qué punto la ideología condiciona la arquitectura "es una pregunta constante y aún no hay una respuesta clara", explica Simone Hain, especialista en historia de la arquitectura y colaboradora de la exposición. Las diferencias son sobre todo notables en los edificios oficiales, mientras que hay una mayor cercanía en los hogares. La idea de "cada ciudadano, una vivienda" condicionó a ambos lados, según Hain, que considera que mientras en la RDA se hizo una arquitectura con mucho valor simbólico, en la RFA fue "más abstracta y fría".
La exposición es también la historia del poder político y de las personas que vivían en ambas Alemanias; es una historia de competición en la reconstrucción de las ciudades y en la construcción de nuevos barrios, y, según el comisario, refleja la lucha de ambos Estados por la herencia cultural alemana.
