viernes, 30 de marzo de 2012

Secuencias de México, de Jessica Lange. Rueda de prensa y visita a la exposición.

Casa de América 
Sala Frida Kalho
Plaza de Cibeles 2
Del 31 de marzo al 20 de mayo de 2012.
Más información en la web de Casa de América.


Jessica Lange, durante la rueda de prensa.

Una de las cosas que echaba de menos al dejar de actualizar el blog eran las ruedas de prensa mañaneras, que vienen a ser justo lo contrario de tipo de fotografía que suelo hacer (conciertos por la noche  sin flash).
Esta mañana se presentaba en Casa de América la exposición de la que os hablé hace unos días Secuencias de México, con fotografías realizadas durante los últimos 15 años en ese mismo país por la actriz Jessica Lange.


El pasado año realizó en el Centro Niemeyer de Avilés otra exposición, y si alguno tuvisteis ocasión de verla, podéis pasar a ver ésta, ya que de las 96 fotografías que se exhiben, 58 son inéditas.

Posado en la sala de la exposición.

Durante la rueda de prensa nos ha contado qué es para ella la fotografía, qué pretende transmitir con sus fotos, cuáles han sido sus referentes: Henri Cartier Bresson, Walker Evans o Manuel Álvarez Bravo. Lo importante que es para ella la luz, y concretamente, la luz de cada lugar; esa que aprendes a reconocer cuando visitas mucho un sitio.


De sus fotografías, a pesar de tener unos referentes tan claros, destacaría el uso que hace de las sombras y cierta estética cinematográfica. Muchos detalles en cada fotografía, de éstos que pasan desapercibidos en un visionado rápido.
La mayor parte de la exposición son fotografías de medio formato, pero también tenemos hojas de contactos y algunas en gran formato. Todas en blanco y negro.


Hoy os ilustro el post con muy pocas fotos. Por un lado, es complicado hacer tomas generales, ya que la sala está llena de cámaras con gente trabajando. Y por otro, a ella no le gusta que se modifiquen nada sus fotografías, así que las tomas de detalles quedan descartadas. Aquí podéis ver las fotografías entregadas para la difusión de la exposición.


En cuanto tenga ocasión quiero volver a verla con más detenimiento, cosa que os recomiendo. Hoy casi me dio allí la hora de comer.
Con ésta, más las dos de las que os hablé ayer, podéis pasar una estupenda mañana/tarde sin moveros de Cibeles.

"TRAVESTI" (Jugada a 3 Bandas) de Vasco Araújo y David Trullo.

Galería Rita Castellote
Calle San Lucas 9
Del 14 de abril al 19 de mayo de 2012. 
Toda la información en la web de la galería, en www.vascoaraujo.org y en www.davidtrullo.com


Travesti

¿Ser o parecer? El Trompe l’Oeil intelectual en el que vivimos eleva nuestra percepción a unos niveles de confusión nunca antes alcanzados. Somos libres, electores de nuestros destinos, bajo una rigurosa apariencia impuesta. Somos elementos solubles dentro de una fórmula cerrada. Así y todo, nos expresamos desde el convencimiento de la originalidad, del aporte. Allí, vamos con nuestras máscaras invisibles intentando convencernos de la crispación de nuestra hipodermis. Aquí, desmantelamos nuestra historia en defensa de una velocidad ficticia. Avanzamos a base de verdades fantasmagóricas perdiendo esencia. Nuestro mundo no es más que aquello que inventamos para ser.

Horacio Basilicus

jueves, 29 de marzo de 2012

Blasco, Baylón, Cases y Bueno. Visita a sus expos.


Tal como somos. Luis Baylón.

Durante esta semana se van a inaugurar bastantes exposiciones, y entre ellas, alguna que me apetecía mucho ver, así que no lo he demorado más y me he pasado por CentroCentro a ver la exposición de los fotógrafos Luis Baylón y Ricardo Cases que os anuncié hace unos días.

Tal como somos. Luis Baylón.

La mayor parte de las fotografías de Baylón ya las conocía, ya que muchas pertenecen a su serie Par de dos. Lo que no me esperaba era un despliegue tan grande, que ocupa toda la 5ª planta del ayuntamiento de Madrid.

Tal como somos. Luis Baylón.

En alguna ocasión os he comentado que descubrí el trabajo de Baylón porque entre uno de sus muchos retratos hechos en la calle a personas anónimas, me encontré el de un vecino, al cuál había retratado como si lo conociese de toda la vida. Es lo que más me gusta de sus fotografías, la radiografía que hace en un instante de alguien que se encuentra por la calle.

Tal como somos. Luis Baylón.

Del blanco y negro de Baylón pasamos al color "saturado" y acompañado de flash, de Ricardo Cases. En este caso los retratos son posados, casi siempre primeros planos, y como en el caso de Baylón, el retrato te cuenta quién o como es esa persona. O, como suele suceder en fotografía, lo que el fotógrafo quiere que veas del retratado.

Vidas cotidianas. Ricardo Cases.

Ésta también es una serie bastante extensa. Retratos de mujeres en gran formato, acompañados de detalles que cuentan tanto como las mismas fotografías.

Vidas cotidianas. Ricardo Cases.

Una planta más abajo tenemos las fotografías de Antonio Bueno. Mitologías en los cielos de Madrid.
A los que solemos pasear por la zona centro y mirar hacia arriba, la mayoría de los lugares nos son muy conocidos, al igual que las esculturas mitológicas. Otra cosa es poder acceder a muchos de estos sitios para poder hacer esas tomas tan cercanas.


 
Mitologías en los cielos de Madrid. Antonio Bueno.

La luz de las fotos está muy cuidada, aquí también os sonará el color dorado que tenemos en Madrid al atardecer. Los encuadres también son bastante originales, pero como os comento, para mí, pienso que lo mejor es como compone usando luz y sombras.

Mitologías en los cielos de Madrid. Antonio Bueno.

Muy cerca del ayuntamiento está la Sala Alcalá 31, en la que podemos ver hasta el 20 de mayo de 2012 la exposición de Elena Blasco,  Millones y abundantes razones. No sabría muy bien cómo definir esta exposición. Tiene cosas que te hacen gracia, con un toque de humor bastante irónico. Algún cuadro que me ha gustado bastante. Pero también hay alguna de éstas que piensas ¡CIELOS! menos mal que guardo los dibujos que me regalan mis sobrinas cuando están en preescolar.

 Millones y abundantes razones. Elena Blasco.

Éstas son sólo algunas cosas de las que se pueden ver en la actualidad por la zona de Cibeles. A medida que se vayan inaugurando o vaya visitándolas, os seguiré contando.

Pieles, de Juan Muguruza.

Real Jardín Botánico
Plaza de Murillo 2
Hasta el 20 de mayo de 2012.
Toda la información en la web del Botánico.


Juan Muguruza expone un conjunto de 44 fotografías de gran formato bajo el nombre de "Pieles" en el Real Jardín Botánico (CSIC) de Madrid, desde el día 28 de marzo al 20 de mayo de 2012.

Esta es la primera muestra de este artista cuya trayectoria profesional se ha desarrollado en el mundo de la publicidad con la fotografía como principal campo de expresión. Con ella quiere poner de manifiesto, a través de esta serie de obras, el resultado de sus últimas investigaciones e inquietudes siendo la naturaleza el canal expresivo en el que vierte su preocupación y su curiosidad por el entorno en el que convivimos cada día.

El contenido la exposición se materializa en un total de 44 imágenes en las que el artista va desgranando ideas y apuntando motivos que sugieren un acercamiento al variado e infinito mundo de la vegetación, y en particular al de los árboles, centrándose en un solo detalle, el de la epidermis.

De esta manera, en "Pieles", Juan Muguruza propone un recorrido visual por el ámbito de las variadísimas texturas vegetales que se presentan unas veces rugosas, otras aterciopeladas o simplemente porosas, en las que una extensa paleta de tonos que abarcan todas las variedades de verdes y ocres inimaginables y en los que confluyen cientos de matices, llevan al espectador a avanzar por un camino sorprendente dentro de un bosque encantado, pero absolutamente real.

Juan Muguruza, con este grupo de obras, enfoca su mirada sobre la corteza de los árboles, de ahí el nombre "Pieles" de la exposición. La vista del artista se amplía en un enfoque de aumento para irradiar, junto con el mero contraste cromático, toda una paleta de emociones jugando con el concepto epidérmico y sus calidades y cualidades inherentes. En cada una de las imágenes de esta muestra la sugerencia de las funciones físicas y metafísicas de la piel cobra sentido y añade matices a las tareas múltiples que tiene encomendadas desde la función de protección, transmisión de sensaciones y de comunicación entre el interior y el exterior.

El artista, en este su primer encuentro con la experiencia expositiva, va mostrando en el recorrido que proponen sus obras, cómo en las plantas su corteza es capaz de absorber los elementos de nutrición para su supervivencia y de qué manera en esta especie, como en el resto de los seres vivos del planeta, se refleja el misterio del ciclo de la vida donde la coordenada tiempo es la determinante de un proceso en el que el devenir natural se cumple, inexorable, mostrando las etapas de crecimiento, regeneración, y envejecimiento, según los diferentes momentos que captan las obras.

La muestra se desarrolla en el excepcional ámbito del Real Jardín Botánico (CSIC), siendo así como estas fotografías en gran formato, van a tener como referente el entorno natural de su propio hábitat, ya que se integran en lo que es su universo genérico al estar ubicadas en el paseo de Carlos III del Real Jardín Botánico, CSIC, avenida central de la institución que alberga la muestra, bajo los árboles y rodeada de vegetación, lo que permite que llegue con toda claridad el diálogo entre los trabajos y su origen.

Exposición PIELES

Paseo de Carlos III Real Jardín Botánico, CSIC. Plaza de Murillo, 2. 28014 Madrid
Del 29 de marzo al 20 de mayo de 2012. Todos los días, desde las 10:00 hasta la puesta del sol (en marzo hasta las 19 h., en abril hasta las 20 h. y en mayo hasta las 21 h.)
Actividad gratuita previo pago de la entrada al Jardín.

 HORARIOS Y FECHAS:

Horario visita público: Fecha: del 29 de marzo al 20 de mayo de 2012.
Lugar: Paseo de Carlos III del Real Jardín Botánico (CSIC), Plaza de Murillo, 2, Madrid.

La muestra estará abierta al público todos los días, ininterrumpidamente, de acuerdo al siguiente horario:
Marzo: desde las 10:00h, hasta las 18:00h. Abril: desde las 10:00h, hasta las 19:00h. Mayo: desde las 10:00h, hasta las 20:00h.
Condiciones de acceso al público: El acceso es libre tras abonar la entrada al Jardín.

Tim Parchikov

Galería Juana de Aizpuru
Calle Barquillo 44
Horario: de lunes a sábado de 10:30 a 14:00 y de 16:30 a 20:30 horas.
Hasta el 30 de abril de 2012.
Más información en la web de la galería y www.timparchikov.com

Fotografía © Tim Parchikov."Las Colmenas" (Islavskoe) Serie Bizzarro 180 x 120 C-Print 2010.

miércoles, 28 de marzo de 2012

Mar de afuera, de Manuel Vilariño.

Círculo de Bellas Artes
Sala Goya
Calle Alcalá 42
Entrada al CBA: 1€
Del 14 de abril al 8 de julio de 2012.
Toda la información en la web del CBA.
Comisario: Alberto Ruiz de Samaniego.

Fotografía © Manuel Vilariño.

Las fotografías de Manuel Vilariño (A Coruña, 1952), Premio Nacional de Fotografía 2007, pueden verse como renacimientos incesantes de lo que está en la frontera de la vida. A menudo sus imágenes nos hablan de las mutaciones de una materia que aletea con el impulso de una fuerza dinámica que la domina en su temblorosa vivacidad. Su obra es un canto de lo presente vivo, de la lucha entre lo pasado y lo por venir. Habitantes de un mundo inclasificable de soledad y silencio, las instantáneas de Vilariño, cargadas de un intenso sentido filosófico, perduran alejadas de generaciones y tendencias. El artista gallego presenta en el Círculo de Bellas Artes sus últimos trabajos, concebidos ex profeso para esta exposición, comisariada por Alberto Ruiz de Samaniego:

En Mar de afuera hay una luminosidad tranquila, interior, donde se abre el momento indeciso, licuado -justamente como el golpe de un hielo ártico de los que retrata- que, al tiempo, irreparablemente, se nos aleja. En los paisajes que presenta el fotógrafo gallego -una playa, una montaña de lava negra aterciopelada en el norte de Europa, las rocas heladas y los icebergs del polo-, la naturaleza -mar y cielo, al cabo- se nos abre de esa manera. Como si la mirada guardase el temblor de una mariposa en vuelo. Esto, que ya estaba muy presente en sus series de sombras aladas, de las que aquí aparecen algunos hermosos ejemplos, ahora se reafirma al modo de una poética esencial. Allí donde el fotógrafo, que es poeta, desearía dar nombre a la pura cualidad de lo más elemental y arcaico: el mar, una montaña, un fragmento de lava, la arena o el fuego.

Vilariño nos propone, entonces, una forma de aproximación que participa, al tiempo, del juego del alejamiento. El juego de lo lejano y lo próximo es el modo de su poética. La dimensión de la imagen fotográfica siempre ha sido en Vilariño un ámbito de meditación, pero en esta exposición última -en la que se combinan las fotografías de gran formato en blanco y negro y en color con las cajas de luz- la mirada se abre a los espacios elementales con especial lentitud, recoge con demora todas y cada una de las partículas radiantes de lo que, vivo, se ilumina y transcurre en el espesor de una propagación tras las tinieblas. 

Organizan: Acción Cultural Española (AC/E), Círculo de Bellas Artes (CBA).

martes, 27 de marzo de 2012

RAW. Una instalación de Alberto de Pedro y Raúl Cabello.

Espacio CentroCentro
Planta 3
Palacio de Cibeles - Ayuntamiento de Madrid
Horario: Martes a domingo, de 10 a 20 horas.
Del 29 de marzo al 16 de septiembre de 2012.
Plaza de Cibeles 1
Toda la información en la web de CentroCentro.
Os dejo las web de los autores: www.albertobueno.com y los blogs de Raúl Cabello Sin Reposo y Papeleo sin reposo.

Intervención específica. Madrid. 2012.

El colectivo Negocios Raros (Miguel Bonet y Alfredo Poves) y Carlota Pérez-Jofre comisarían el proyecto Raw, de Alberto de Pedro y Raúl Cabello. Creada específicamente para la planta 3 del centro, esta intervención fotográfica se integra dentro del espacio arquitectónico, que difiere de los tradicionales espacios expositivos. 

RAW, el título de esta intervención, alude, por un lado, al formato fotográfico entendido como “negativo digital” y, por otro, a la palabra en inglés cuya traducción implica algo sin refinar, en bruto.El conjunto de imágenes expuestas responde a estos dos conceptos, tanto en forma como en contenido.

Las imágenes de gran formato, impresas directamente sobre papel en bruto, sin procesar, cuelgan fragmentadas de las vigas del techo. Sin marco ni estructura fija, rompen con la escala y la perspectiva convencional y se alejan de la rigidez a la que acostumbra la fotografía. Casi como si se tratara de esculturas, juegan con la luz que entra por la cubierta acristalada y se cruzan en el libre deambular del visitante. Con el palacio como protagonista, muestran, a la vez, cuidados detalles ornamentales de las fachadas y, desde las calles traseras del entorno, otras perspectivas menos habituales.

Alberto de Pedro (Madrid, 1979) y Raúl Cabello (Madrid, 1979), fotógrafos de formación autodidacta, trabajan desde 2008 en un proyecto común de “fotografía extendida”, arte urbano que utiliza la arquitectura de la ciudad como soporte.

Mitologías en los cielos de Madrid, de Antonio Bueno.

Espacio CentroCentro
Planta 4
Palacio de Cibeles - Ayuntamiento de Madrid
Horario: Martes a domingo, de 10 a 20 horas.
Del 29 de marzo al 16 de septiembre de 2012.
Plaza de Cibeles 1
Toda la información en la web de CentroCentro y www.antoniobueno.es

Fotografía © Madrid a los pies del edificio de La Unión y el Fénix Español, actual Mutua Madrileña.1999. 

Antonio Bueno propone al visitante un recorrido privilegiado de Madrid, un viaje por los conjuntos escultóricos que coronan algunos de sus edificios más representativos en el que se descubre todo un universo mitológico y un nuevo punto de vista sobre el paisaje urbano.

Dos de las películas que marcaron época en los ochenta, Blade Runner, de Ridley Scott y Cielo sobre Berlín, de Wim Wenders, constituyen el origen del proyecto fotográfico. Con una estética y concepción muy diferentes, ambas comparten en algunas de sus secuencias la visión a vista de pájaro sobre la ciudad, Los Ángeles y Berlín, respectivamente.

Fotografía © Atardecer de Madrid desde las Torres Colón. 

Esa misma visión es la que aporta este trabajo de Antonio Bueno que, como el forastero que recorre una ciudad desconocida, dirige hacia arriba su mirada, para ver de cerca las grandes figuras que coronan y adornan emblemáticos edificios de esta gran ciudad, Madrid. Figuras de guerreros, dioses, querubines, alegorías y seres mitológicos que, desde su escultórica inmovilidad, otean el horizonte sobre el tejido urbano.

A través de su cámara y desde puntos de vista nada habituales, el autor de estas imágenes no sólo consigue ofrecer nuevas perspectivas de la ciudad, sino también hacer visibles expresiones y detalles de esos “habitantes” inertes, que pueblan las metrópolis desde el cielo y cobran vida al hacerse próximos a nuestra mirada.

El placer de alcanzar paisajes insólitos de las ciudades, en la soledad y relativo silencio que se vive en esas alturas, convierte al espectador en privilegiado observador del paisaje madrileño.

Tal como somos. Vidas cotidianas. Baylón y Ricardo Cases.

Espacio CentroCentro
Planta 5
Palacio de Cibeles - Ayuntamiento de Madrid
Horario: Martes a domingo, de 10 a 20 horas.
Del 29 de marzo al 16 de septiembre de 2012.
Plaza de Cibeles 1
Toda la información en la web de CentroCentro.

Comisariada por Alejandro Castellote, Tal como somos. Identidades cotidianas reúne el trabajo de dos reconocidos fotógrafos Luis Baylón y Ricardo Cases. Dos autores de generaciones y lenguajes diferentes que se encuentran en una forma común de narrar la realidad desde lo cotidiano.


En las últimas décadas, los fotógrafos están prestando especial atención a la memoria individual y al relato de las experiencias cotidianas de personas anónimas. Esta tendencia surge como alternativa a la representación de grandes sucesos históricos, la difusión de ideología o la documentación de acontecimientos colectivos que han caracterizado las temáticas de la fotografía desde sus orígenes.



Fotografía © Baylón. Serie Par de dos. Plaza de Callao. 2002.


 Luis Baylón y Ricardo Cases son dos autores que dirigen su mirada a personas habitualmente ausentes de los ensayos sobre ciudades que abundan en el arte contemporáneo. Sus series Par de dos y Belleza de barrio son relatos visuales escritos en “minúsculas”. Prescinden voluntariamente de puntos de vista grandilocuentes en abierta complicidad con los protagonistas de sus imágenes. El hilo conductor que une conceptualmente ambos trabajos es la dignidad que emana de sus personajes.

Fotografía © Ricardo Cases. Serie Belleza de barrio.2007.

Baylón fotografía las calles de Madrid desde hace más de tres décadas y lo hace con esa atmósfera, a la vez melancólica y neorrealista, que proporciona el blanco y negro. Su serie Par de dos es un sutil espejo que muestra elípticamente el deseo ancestral del ser humano de pertenecer a un determinado grupo social. La forma de vestir, los complementos o la gestualidad que caracteriza una época son ejemplos de ese comportamiento tribal y se constituyen como signos de identidad colectiva.

 Ricardo Cases es uno de los renovadores de la fotografía documental en España. En la serie Belleza de barrio a través del color y la estética pop se adentra en el retrato de mujeres anónimas de diferentes edades que descubren ante la cámara su imagen cotidiana y su manera personal de entender la belleza.

20 Iconos del Diseño Francés.

Matadero de Madrid
Central del Diseño
Pº de la Chopera 14
Hasta el 30 de mayo de 2012. 
Toda la información en la web de Matadero.

L´Émoi du design.

Citroën DS21 Diseñador: Flaminio Bertoni Año: 1966. 

L´ÉMOI DU DESIGN. Esta exposición cartografía el universo del diseño francés a través de la identificación de los productos más relevantes que han marcado a toda una generación, presentando los símbolos más potentes de la creación francesa y su capacidad para romper los códigos establecidos. Estos veinte productos emblemáticos demuestran la capacidad del diseño francés para innovar con la ayuda de las tecnologías más avanzadas de cada época, característica de un país en el que la ingeniería juega un papel primordial.

 L´émoi du Design. Diseño de Francia en Madrid es una iniciativa cuya intención es la de acercar el diseño de Francia a la sociedad española y estrechar las relaciones entre los diseñadores, empresas y entidades relacionadas con el diseño de los dos países. Esta muestra trae algunos de los mejores trabajos del diseño francés actual y algunos de los grandes clásicos. Invita a consagrados y a jóvenes diseñadores del país galo; incluye desde el interiorismo, hasta el diseño gráfico o la arquitectura y muestra, a través de tres exposiciones, de varios talleres, conferencias y otras actividades, cómo entienden el diseño en el país vecino y qué es lo que le hace estar entre los más respetados.

lunes, 26 de marzo de 2012

La vanguardia aplicada (1890-1950).

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 30 de marzo al 1 de julio de 2012.
Toda la información en la web de la fundación.


Antes de que en el siglo XVIII advinieran las estéticas modernas y, con ellas, la autonomía de las bellas artes, puede decirse que todo arte fue, originariamente, “diseño”, es decir, arte “aplicada” a una función. Las artes, en efecto, han sido históricamente “artes aplicadas” a las más diversas funciones religiosas, políticas y sociales, desde el culto y la celebración, la representación del poder, la religión o la riqueza hasta la decoración y el descanso. Más adelante, algunos movimientos nacidos entre finales del XIX y principios del XX como la Secession vienesa o el movimiento “Arts and crafts” y, sobre todo, las vanguardias históricas —desde el futurismo y la Bauhaus al neoplasticismo, pasando por el constructivismo—, supusieron no solo una acentuación de la moderna autonomía del arte, sino también un intento generalizado y radical de volver a llevar el arte a todas las esferas de la vida, ésta vez no tanto para representarla u ornamentarla como más bien para transformarla y configurarla desde el ideal de lo nuevo. La Vanguardia quiso devolver el arte y su poder transformador al ámbito político y social, al mundo doméstico y al de la decoración y también a los textos del libro, la revista y el cartel, vehículos para la difusión de las ideas, de los que nunca había salido del todo, pero del que las estéticas y poéticas del arte puro, el esteticismo y el ideal de l’art pour l’art le habían alejado.

 La exposición La vanguardia aplicada (1890–1950) presenta casi 700 obras —desde diseños originales y maquetas, bocetos preparatorios y fotomontajes, libros, revistas y carteles, hasta postales y piezas de formato minúsculo— que revelan la fascinante historia visual del impacto de los ideales de la vanguardia sobre todo en los ámbitos de la tipografía y el diseño gráfico, desde sus antecedentes en la última década del XIX y durante la primera mitad del siglo XX. Los resultados de esa aventura se manifestaron —casi en simultaneidad y a lo largo de una geografía tan amplia como interconectada— en aspectos tan diversos de la vida como la propaganda política e ideológica, la publicidad y los medios de comunicación, la arquitectura, el diseño urbanístico y de interior, las exposiciones, el teatro, el cine y la fotografía, entre muchos otros.

 La exposición, que contará con un catálogo profusamente ilustrado en dos ediciones, española e inglesa, incluye obras de 250 artistas de 28 países: artistas, tipógrafos y diseñadores de vanguardia, de pioneros como Fortunato Depero (1892–1960), Oskar Kokoschka (1886–1980), El Lissitzky (1890–1941), Filippo Tommaso Marinetti (1876–1944), László Moholy−Nagy (1895–1946), Liubov Popova (1889–1924), Aleksandr Ródchenko (1891–1956), Kurt Schwitters (1887–1948), Jan Tschichold (1902–1974) o Theo van Doesburg (1883–1931), por solo citar algunos nombres. Las mayoría de las obras proviene de dos importantes colecciones internacionales que, tanto por su amplitud como por su competente criterio en la selección de obra, poseen ya rango museístico: la del estadounidense Merrill C. Berman y la del santanderino José María Lafuente. La selección de las obras de ambas colecciones no se ha realizado solo de acuerdo a criterios históricos, sino desde un acercamiento transversal al espíritu transformador de las vanguardias y en torno al eje constituido por la articulación de las formas y los signos en el diseño gráfico de las vanguardias y la revolución tipográfica que éstas supusieron.

PHotoEspaña invita a definir qué es la fotografía a través de una campaña en redes sociales.

A dos meses del inicio del Festival, PHotoEspaña propone una reflexión sobre el valor y el significado de la fotografía a través de una campaña de comunicación que lanza preguntas como ¿qué es la fotografía para ti? ¿Qué valor aporta? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Qué poder tiene? ¿Qué da? ¿Qué transmite? El festival da la palabra a los usuarios de Facebook y Twitter en una acción colectiva que se plasmará en los diferentes soportes de comunicación y actividades del festival Todos los mensajes se podrán enviar a partir de hoy a través del hashtag #laphotoes PHotoEspaña 2012 se celebrará del 6 de junio al 22 de julio. La presentación oficial tendrá lugar el 10 de mayo en el Círculo de Bellas Artes Más información: www.phe.es

Pulsa sobre la imagen para ampliar 

PHotoEspaña 2012 arranca en las redes sociales con una acción que dará forma a su campaña de comunicación. El Festival Internacional de fotografía y artes visuales quiere que los usuarios de Twitter y Facebook sean protagonistas y parte activa de su XV edición. Para ello abre una convocatoria masiva en la que les invita a construir colectivamente el significado de la fotografía y que también contará con colaboraciones especiales. A partir de hoy, a través del hashtag #laphotoes, los participantes podrán compartir, manifestar y expresar su opinión sobre la foto contestando a preguntas como: ¿qué es la fotografía para ti? ¿Qué valor aporta? ¿Qué da, qué transmite? ¿Qué papel juega en nuestra vida? ¿Qué nos ha hecho sentir, vivir, compartir? ¿Qué poder tiene? ¿Qué magia? ¿Qué fuerza? ¿Es arte? ¿Es documento? ¿Es vida? ¿Es pasado? ¿Es futuro? ¿Qué es? Una selección de las definiciones aportadas se insertarán en distintos soportes de comunicación del Festival, recogiendo lo que significa la fotografía para la gente, sus experiencias, sus emociones, el uso que hacen de ella a nivel personal, social, creativo o artístico. PHotoEspaña 2012, XV Festival internacional de fotografía y artes visuales, se celebrará del 6 de junio al 22 de julio. La presentación oficial de PHE12 tendrá lugar en el Círculo de Bellas Artes el próximo 10 de mayo.
Más información: www.phe.es

Mujeres, de Isabel Muñoz.

La Cárcel
Segovia Centro de Creación
Hasta el 15 de abril de 2012.
De martes a domingos.
Horario:de 12 a 14 hopras y de 17 a 19 horas.
Más información en la web del centro.
Una espectacular muestra sobre mujeres comisariada por Blanca Berlín y Pablo Alemán.
Pulsa sobre la imagen para ampliar.

Decía Nikos Kazantzakis que hay una sola mujer en el mundo, una mujer, con muchos rostros y probablemente Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) los ha retratado casi todos: mujer niña, mujer amante, mujer coraje, mujer guerrera, mujer madre, mujer crea- dora. La mujer ha estado presente de forma constante y protagó- nica en todo su trabajo, y esa mirada de mujer a mujer es la que se recoge en la exposición que se presenta en este II Encuentro con mujeres que transforman el mundo.

La exposición que se muestra en La Cárcel de Segovia está compuesta por una veintena de imágenes -la mayoría corres- pondientes a sus series Maras y Etiopía- que retratan el cuerpo de la mujer como territorio de sensualidad, de anhelos, afectos, soledades y conflictos. El cuerpo es un libro de lo que somos y un pretexto para hablar del mundo de los afectos, ha declarado la artista en alguna ocasión. Tan convencida debe estar de ello que se diría que ha logrado que el alma de las retratadas transpire por cada haluro de plata de estas fotografías. Por ello, no debe conformarse el público con ver estas fotos en soportes digitales, ya que estaría renunciando a la emoción de la luz y la textura de esas pieles.

Isabel Muñoz es Premio Bartolomé Ros PHotoEspaña 2009 y ha recibido la medalla de oro en la Bienal de Alejandría, así como dos premios World Press Photo. Entre sus exposiciones indivi- duales destacan las realizadas en el Centro Cultural de la Villa de Madrid (2006), el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana (2006) y la Casa de América de Madrid (2007). Se han editado múltiples libros sobre su obra, entre los que cabe señalar Parade Nuptiale; María Ilusión; Figures Sans Visages (Figuras sin cara); Rome, linvention du Barroque (Roma, la invención del Barroco) y su monográfico en la colección PHotoBolsillo.

domingo, 25 de marzo de 2012

Lottie Davies "Memories and Nightmares"

Galería Cero
Calle Fuenterrabía
Hasta el 30 de mayo de 2012
Más información en la web de la galería y en www.lottiedavies.com

Fotografía © Lottie Davies

“Memories and nightmares”

 El trabajo de Lottie Davies es una reflexión sobre los cuentos, los relatos personales y la identidad. Desde los inicios del lenguaje y del pensamiento conceptual, hemos construido nuestro sentido del “yo” a través de recuerdos, creencias y vivencias. Los cuentos y mitos que nos contamos a nosotros mismos y a los demás pueden ser liberadores o dolorosos, pero en cualquier caso, tienen un intenso significado personal. Aunque la historia de cada persona está inevitablemente teñida por los accidentes e idiosincrasias de una determinada sensibilidad, la narrativa del lenguaje conceptual de las imágenes es hasta cierto punto compartida por todos. En muchos sentidos, los relatos y recuerdos son una experiencia únicamente humana, y han sido utilizados durante generaciones para ilustrar nuestras vidas, proyectarnos en el futuro y dar sentido a nuestro pasado.

Fotografía © Lottie Davies

“Memories and Nightmares” trata sobre la construcción de la identidad a través de nuestras narrativas internas de los primeros recuerdos de la infancia y de las pesadillas. A principios de 2008, Davies pidió a unos cuantos amigos que le escribieran relatos sobre sus recuerdos tempranos de infancia o sobre pesadillas. Los utilizó como inspiración para la creación de una serie de imágenes fotográficas. En cada imagen un modelo posa en lugar del ‘verdadero’ sujeto de la historia, creando así una percepción distinta de la identidad en comparación con las representaciones más directas; una imagen creada a partir de la vida privada de un individuo, puede poner en evidencia un discurso conceptual compartido y quizás hablar sobre la vida interior de otras personas. Lottie Davies nos dice: “solamente podemos comprender quienes somos a través de nuestra propia perspectiva – nadie puede ver dentro de mí, sólo a través de la expresión de mis pensamientos y experiencias consigo comunicar “quién soy” y “cómo siento”. Los recuerdos y las pesadillas que he coleccionado son parte de una colección más amplia de relatos y mi intención al utilizarlas como inspiración para la realización de este proyecto, es mostrar lo que significa ser testigo de las experiencias vitales de otros”.

Fotografía © Lottie Davies

Los recuerdos tempranos de la infancia son particularmente fascinantes ya que nos acercan al imposible “Erase una vez”; al inicio de nuestros relatos, nuestra existencia y primeros pasos en el mundo. Son completamente individuales y personales, están “re-narrados y re-recordados” y la forma en la que una persona describe un acontecimiento puede ser distinta a como lo recuerda otra. No son los hechos objetivos de un momento particular lo que parece importar de los recuerdos, sino su capacidad para actuar como mitos iniciáticos de la creación de la personalidad. Quizás no son recuerdos, sino recuerdos de recuerdos, enmarcados una y otra vez mientras revisamos nuestro sentido del “yo”, como respuesta a las amenazas y demandas del mundo. En las pesadillas y los recuerdos tempranos, a veces recordamos claramente una narrativa, pero otras veces lo que se mantiene en nuestra memoria es solamente un paisaje o la textura de un sentimiento. Debido a los elementos surrealistas e imposibles, las pesadillas comparten la singularidad e inaccesibilidad de los primeros recuerdos. Es esta paradoja la que se encuentra implícita en la serie “Memories and Nightmares”.

Fotografía © Lottie Davies

Lottie Davies/Memories and Nightmares Lottie Davies’ work is concerned with stories, personal histories and identity. Since the dawn of language and conceptual thinking, we have constructed our sense of 'self' from memories, beliefs and 'life-stories'. The tales and myths we tell ourselves and others about ourselves may be redemptive or they may be painful and despairing, but either way, they have intense personal meaning. Although each person's story is inevitably coloured by the accidents and idiosyncrasies of a unique life and sensibility, they are told in conceptual languages of image and narrative which to some extent we all share. In many ways, stories and memories are a uniquely human experience; we have used them for generations to illustrate our lives, to record ourselves for the future, and to make sense of the past.

Fotografía © Lottie Davies

'Memories and Nightmares' is concerned with nightmares and early childhood memories, and the construction of identity through private interior narrative. At the beginning of 2008, Davies asked several of her friends to write accounts of either an early childhood memory or a nightmare. She used the resulting stories as inspiration for a series of images. In each image, a model stands in for the 'true' subject of the story, thus producing a different insight into the subject's identity in comparison with more direct representations; an image drawn from the intensely private 'internal' life of one individual, which can nevertheless be brought into the light of shared conceptual discourse, and can perhaps speak to the interior life of others. Davies has said of her work, “our understanding of who we are can only be found from a single perspective; our own – no-one can see inside my head, it is only by reporting my thoughts and experiences that I can communicate 'who I am' and 'I felt this'. The memories and nightmares I have collected are part of the wider collection of human stories, and by using them as inspiration for these images I hope to show an inkling of what it might be to witness someone else's internal experience.“ Early childhood memories are particularly fascinating because they as take us as close as we can get to the impossible 'once upon a time'; the very beginning of our stories of our existence in the world. They are where we begin. They are absolutely individual and personal; they are also retold and re-remembered, and the way one person describes the event or time may be different to others' memory of it. What counts for us in the memory, it seems, is ultimately not its reference to the 'objective facts' of a particular moment but its capacity to act as a founding myth, a myth of the creation of the individual person. They are perhaps not even memories but memories of memories, reframed again and again as we revise our own sense of self in response to the threats and demands of the world. In nightmares as in early memories, we sometimes remember a clear narrative, but often what remains in our memories is only a landscape or a texture of feeling. For all their surreal or impossible elements, nightmares share the singularity and the inaccessibility of early memories. It is this paradox which lies behind the ‘Memories and Nightmares’ series.

Julia Abrego - Miradas de la India.

Centro Cultural Anabel Segura
Av. de Bruselas 19
Alcobendas - Madrid
Del 26 de marzo al 22 de abril de 2012.

Miradas de la India.

Lo que pretendía ser un viaje al corazón de India convirtió a la India en un viaje a mi corazón. Quise poner un mísero granito de arena, y me encontré una lección de vida. Los protagonistas de esta exposición son mendigos y niños. Hay que verlos con la mirada larga, intentando comprender lo incomprensible. Niños que pasan hambre, pero que se aferran a la vida, con la única meta de ver la luz al día siguiente. Detrás de cada pliegue en la cara hay un hilo de esperanza; bajo los cabellos sucios, descubrimos miradas limpias. No es fácil explicar la felicidad que irradia esa paz interior y esa enorme pureza, Mírense en ellos y quédense con una cara. En realidad, sus ojos guardan lo esencial de la vida.

Muchísimas gracias una vez más por todo.

Julia Abrega

Sin título. Técnica mixta 33x50 cm. (2010).

Sin título. Técnica mixta 50x33 cm. (2010).

sábado, 24 de marzo de 2012

Expos Semana Santa

Durante estos meses en los que el blog ha estado inactivo he continuado visitando exposiciones igual que siempre, y como la Semana Santa está ya aquí, y puesto que muchos de los que entráis sois de fuera de Madrid, me gustaría dejar un pequeño resumen de algunas cosas que creo merece la pena no perderse.

Isabel Muñoz durante la visita guiada a su exposición en Blanca Berlín Galería.

En  Danzas y ritos, de Isabel Muñoz tenemos un avance de lo que será una futura exposición. Aunque ya conozcáis su trabajo, el resultado que ha conseguido en sus platinotipias os dejará con la boca abierta. La podéis visitar en Blanca Berlín Galería hasta el 11 de abril.

Gervasio Sánchez presentando su Antología en Tabacalera.

La Antología de Gervasio Sánchez en Tabacalera nos ofrece la posibilidad de conocer de una sóla vez su trabajo. Es una exposición bastante amplia y está dividida en cinco apartados: América Latina, Balcanes, África, Vidas minadas y Desaparecidos. Las dos últimas partes han estado expuestas en Madrid no hace mucho, así que seguro que os son muy conocidas algunas fotografías.

Serie perteneciente a su exposición Desaparecidos, que pudimos ver en la Casa Encendida el año pasado.

Además de las fotografías hay seis proyecciones. Id con tiempo y abrigados, que ya sabéis el frío que hace en Tabacalera. Se puede visitar hasta el 10 de junio.

E.O. Hoppé. Autorretrato, 1910 

En Mapfre, en su sala de Azca, hasta el 20 de mayo estará expuesta la muestra "Hoppé. El estudio y la calle". Sin duda alguna, todo un manual para aquellos que estén interesados en el retrato. 

Niño de la calle, 1910. Fotografía Lewis Hine.

También en Mapfre, pero en su sala de Recoletos, tenemos otra exposición de visita obligada: Lewis Hine. Tanto en ésta, como la de Hoppé, para su promoción han utilizado sus fotografías más conocidas, aunque quizá no sean las más representativas de sus trabajos. Os ilustro la primera con un retrato, y la segunda con una fotografía de un niño en la calle, que pienso muestran mejor lo que nos vamos a encontrar en las salas.
Ésta se puede visitar hasta el 29 de abril.

Brigitte Bardot. Fotografía Vicente Ibáñez


Una galería que he descubierto hace poco ha sido el Espacio Cultural Excelencias, y lo he hecho gracias a su exposición Hollywood en Madrid, fotografías de Vicente Ibáñez.
Son 40 retratos en blanco y negro, y aunque la mayoría son de actores de Hollywood, fueron tomados en Madrid. Por los personajes retratados, la verdad, hay que ver lo que ha bajado el caché de la ciudad en la actualidad si lo comparamos con los años 40/60 del pasado siglo.

Marea negra, fotografía de Daniel Beltrá.

Otra sala que no lleva mucho tiempo abierta en Madrid (creo que es su segunda exposición) es la Roca Gallery. En la actualidad exhiben Marea negra. Vertido en el Golfo de México, de Daniel Beltrá.
Aquí lo primero te llama la atención es el colorido de las fotografías, su textura, y al ser en su mayor parte fotos aéreas, el qué será lo que estás viendo. Otra cosa es cuando te acercas y ves los destrozos que hace la marea negra. La expo estará hasta el 26 de mayo.
En esta sala además le podéis echar un vistazo a lo último en sanitarios y cosas para el baño.

Vista de la exposición 100 años en femenino. Una historia de las mujeres en España.

Con 100 años en femenino. Una historia de las mujeres en España se han inaugurado las salas 1 y 2 del remodelado Centro Cultural Conde-Duque. Además de la historia de las mujeres en los últimos cien años, también se puede hacer un pequeño repaso por la historia de la fotografía durante ese tiempo. Ésta también es bastante extensa. Estará hasta el 20 de mayo.

Aunque no las he visitado todavía porque no están inauguradas, Secuencias de México, de Jessica Lange, y, Selected Early Works, de Marina Abramovic, además de alguna otra que tengo programada para que se vaya publicando durante estos días, también se pueden incluir en este post recomendación.

“Secuencias de México”, fotografías de Jessica Lange.

Casa de América
Plaza de Cibeles 2
Del 31 de marzo al 20 de mayo de 2012. 
Toda la información en la web de Casa de América.
México © Jessica Lange / diChroma photography. 


La actriz y fotógrafa estadounidense Jessica Lange presenta su nueva exposición “Secuencias de México” que se podrá visitar en Casa de América desde el 31 de marzo hasta el 20 de mayo. La exposición, comisariada por Anne Morin, reúne 96 fotografías de las que 58 son totalmente inéditas y producidas por diChroma photography exclusivamente para esta exposición, entre ellas una secuencia de treinta imágenes que documentan un rito ancestral indio de la región de Chiapas.

Os dejo algunas de las fotografías que se podrán ver en la exposición:
Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography.
México © Jessica Lange / diChroma photography. 

México © Jessica Lange / diChroma photography. 

México © Jessica Lange / diChroma photography. 

Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography.

Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography.

Tenejapa, Chiapas © Jessica Lange / diChroma photography.