miércoles, 27 de marzo de 2013

@Galeria_F_Braso Eros y ritos, de Isabel Muñoz. PHE13

Galería Fernández Braso
Calle Villanueva 30
Del 5 de junio al 28 de julio de 2013.
Más información en www.galeriafernandez-braso.com y en www.isabelmunoz.es

Serie Omo Papúa Nueva Guinea, 2011
Giclée sobre papel baritado. 150x100 cm.
Fotografía © Isabel Muñoz
Isabel Muñoz es una de las fotógrafas que más interés despierta en el panorama artístico internacional. A través de su intensa dedicación ha llegado a dominar como nadie técnicas tan arriesgadas como la platinotipia, y lo que todavía es más importante, ha construido un personalísimo universo estético perfectamente reconocible. Rotundas, elegantes y profundamente originales, sus imágenes forman parte de las más importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

martes, 26 de marzo de 2013

@ArtMadridferia ArtMadrid Maestros 2013.

Ático Estación de Chamartín
Calle Agustín Foxa s/n
Del 24 al 28 de abril de 2013.
Más información en http://maestros.art-madrid.com


Art Madrid Maestros reunirá los días 24 a 28 de Abril una selección de pintura, escultura y artes decorativas de los siglos XIX y XX hasta los años 70.

Pretende ser un punto de encuentro entre profesionales del arte moderno y el público amante del arte, un lugar de referencia en el que el visitante recibirá el mejor asesoramiento de los profesionales de este sector, sea o no su primer acercamiento a este segmento artístico.

Todas las obras de arte a la venta serán previamente examinadas por expertos que asegurarán su calidad y autenticidad. Art Madrid Feria S.L. recomendarán a sus visitantes que soliciten al expositor el certificado de autenticidad de la obra antes de adquirirla.

Podrán participar anticuarios y galeristas que presenten pintura, escultura u obra gráfica de los siglos XIX y XX, hasta los años 70, incluyendo Art Nouveau, Art Decó y Vanguardias históricas; de autores de reconocido prestigio.

Ouka Leele. El cielo que yo vislumbré.

Galería Amador de los Ríos
Calle Fernando el Santo 24
Horario: de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00
Del 4 de abril al 2 de mayo de 2013.
Más información en www.galeriaamadordelosrios.com y en www.oukaleele.com

Fotografía © Ouka Leele

Qué derecho te concedes a ti mismo, ángel de las tinieblas, visitando el suelo donde construí férreas columnas de carne, gráciles como gacelas, ¿qué derecho que yo no te doy, a sajar de un hachazo la fe de todas las almas inocentes, te tomaste? Estas son las horas de inciertas veladuras, de encarnecidas guerras entre lo sublime y lo efímero, lo banal y lo sagrado. Y no caeré, sino que elevaré mi vuelo más alto si cabe, y no se horadará mi áurica superficie infinita, por más que quieras beber de mi sangre, no por amor a su deliciosa esencia, sino para vaciar mi vaso rebosante. Huye de mí hacia tierras de fuego y sangre y bebe de tus propias miserias, porque aquí ha empezado a reverdecer la hierba y las flores a ser interminables. Yo volaré sobre las cabezas de mis contemporáneos con alas de lumbres arduas, mirando, conspicua, cierta, el cielo que yo vislumbre para poder, al fin, mostrarlo. Porque hambre tengo de algo que no hay y que no encuentro. Sed de caricias de lo intangible y esas caricias, portadas entre mis manos, derramaré como agua de bautismo, saciante, sobre vuestros ojos nuestros, ávidos, quemados en enfermizas pantallas. Sí, voy a por ese agua y os la voy a traer. Pero he de tener viento y no cables, lluvia y no megapíxeles, ni gigas, ni interruptores, aliarme a las mareas y cabalgar ensalitrada con mi único escudo y mi única espada de los que ya conocéis su nombre.

Mujer. La vanguardia feminista de los 70. PHE13

Círculo de Bellas Artes
Sala Picasso
Calle Alcalá 42
Del 5 de junio al 27 de julio de 2013
Más información www.circulobellasartes.com y en www.phe.es

Fotografía © Francesca Woodman

OBRAS DE LA SAMMLUNG VERBUND

La historia del arte ha cincelado una imagen femenina construida por las manos de un hombre. Esta iconografía filtrada fue puesta en cuestionamiento por la vanguardia feminista de la década de los setenta del siglo XX. Las artistas vinculadas a esta corriente impulsaron una identidad de la mujer renovada y enunciada con un discurso provocativo y poético, además de irónico.

Las veintiuna artistas que integran esta exposición redefinen y expanden las coordenadas del arte feminista, plasmando en su obra el estudio de su cuerpo, y su tránsito, como autoras, entre el sujeto y el objeto del arte. Mujer. La vanguardia feminista de los años 70 es una exposición que proviene de la colección Sammlung Verbund y contiene obras de las siguientes artistas: Helena Almeida, Eleanor Antin, Renate Bertlmann, Valie Export, Esther Ferrer, Alexis Hunter, Sanja Ivekovic, Birgit Jürgenssen, Ketty La Rocca, Leslie Labowitz, Suzanne Lacy, Suzy Lake, Ana Mendieta, Rita Myers, Martha Rosler, Cindy Sherman, Annegret Soltau, Hannah Wilke, Martha Wilson, Francesca Woodman y Nil Yalter.

lunes, 25 de marzo de 2013

Pablo Picasso.

Galería Leandro Navarro
Calle Amor de Dios 1
Del 4 de abril al 12 de mayo de 2013.
Más información en www.leandro-navarro.com

Tête d'homme III, 1965 | Óleo sobre lienzo | © Sucesión de Pablo Picasso, VEGAP Madrid 2013

La galería Leandro Navarro inaugurará el próximo 4 de abril una exposición individual de Pablo Picasso en la que, a través de 15 obras representativas de su trayectoria, se realiza un viaje al fondo del genio malagueño. La muestra –que estará abierta al público hasta el 12 de mayo– va acompañada de la edición de un catálogo bilingüe que recoge la totalidad de las obras expuestas y un texto del Fernando Calvo Serraller.

“De comienzo a fin del siglo XX, primero como encarnación del joven artista rompedor y, al final, como el maestro que más y mejor interpretó el espíritu de la vanguardia, Pablo Picasso fue siempre el principal centro de atención artística”, afirma el crítico en su prólogo.

Esta trayectoria se refleja en la selección de obras realizada para la exposición, “una exquisita mini-retrospectiva”, tal y como la define Calvo Serraller, compuesta por cinco óleos y diez dibujos, que inicia su recorrido con dibujos fechados entre 1904 y 1906. Pinturas de corte cubista como Composition aux formes géometriques (pipes), de 1918, o Compotier, bouteille et verre, de 1922 muestran el camino de su evolución, hasta llegar a piezas de su madurez como Tête de’homme III, de 1965, Trois hommes debout, de 1966 y, por último, el dibujo Nu debout et flûtiste, de 1967, la obra más tardía de las que componen la muestra.

“Este recorrido picassiano, abarca una extensión cronológica de más de sesenta años de actividad sin desmayo, cuyas postrimerías se recargan de una ansiedad imperativa: la de pintar hasta la muerte”, subraya Calvo Serraller en el texto del catálogo.

Les trois femmes, 1920 | Lápiz sobre papel | © Sucesión de Pablo Picasso, VEGAP Madrid 2013

Esta primera exposición individual dedicada a Pablo Picasso en Leandro Navarro, es un paso más en su consolidación como galería especializada en vanguardia histórica a nivel internacional. La muestra sigue la estela de destacadas exposiciones realizadas anteriormente en la galería, como la individual de Joan Miró celebrada en febrero de 2010, la individual de Manolo Millares que tuvo lugar en septiembre de 2012 o la destacada muestra que, bajo el título Vanguardia y Arte Internacional recogió en febrero de 2012 obras de Joan Miró, Salvador Dalí, Hans Arp, Pablo Picasso, Pablo Gargallo y Manuel Hugue.

Tras su paso por Madrid, esta exposición retrospectiva viajará a Art Basel Hong Kong donde podrá visitarse en el stand de la galería Leandro Navarro entre el 22 y el 26 de mayo de 2013.

La Noche de los Teatros 2013.

El 27 de marzo se celebra La Noche de los Teatros organizada por la Comunidad de Madrid.


Se han programado más de un centenar de actividades abiertas a todo el público en 68 espacios de la región.
- El público podrá asistir e intervenir en lecturas dramatizadas  y habrá descuentos de hasta un 40% en teatros y salas.
- Los madrileños tendrán la posibilidad de conseguir dos entradas de teatro al mes durante todo un año. 


El próximo miércoles 27 de marzo, Día Mundial del Teatro, la Comunidad de Madridorganiza una nueva edición de La Noche de los Teatros, iniciativa que convierte a la región madrileña en la única en Europa en rendir tributo a las artes escénicas. A lo largode la noche, 68 espacios de la región acogerán un centenar de actividades abiertas a todo el público, que harán de la Comunidad de Madrid el mayor escenario de nuestro país.
Según la SGAE, en 2011, más de 4 millones de espectadores asistieron a alguna función en Madrid, más del 29% de las representaciones de toda España tiene lugar en la región y el 48,5% de la recaudación de los espacios escénicos españoles corresponde a la Comunidad de Madrid. Estos datos confirman el indiscutible protagonismo de esta región como corazón de las artes escénicas españolas.
Los grandes protagonistas de La Noche de los Teatros 2013 son los 68 espacios escénicos, entre teatros y centros culturales, así como locales de música en directo, afiliados a La Noche en Vivo, que ofrecerán descuentos de hasta un 40% y una programación marcada por la diversidad. La oferta de espectáculos se extenderá por Madrid y también llegará a La Cabrera (al Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga – Sierra Norte).
Además, gracias a la colaboración de Entradas.com y El Corte Inglés, los madrileños tendrán la posibilidad de conseguir un año de teatro gratuito (dos entradas de teatro al mes durante todo un año) entrando en las páginas web de estas dos entidades:www.entradas.com/la-noche-de-los-teatros/ y www.elcorteingles.es/entradas. El concurso se inicia el jueves 15 de marzo y  terminará el 26 de marzo.
 La Casa Museo Lope de Vega
La programación vespertina de La Noche de los Teatros 2013 comenzará de la mano de la compañía Ron Lalá, que dará el pistoletazo de salida de las actuaciones de esta noche, interpretando su MicroFolía, en la Casa Museo Lope de Vega (C/ Cervantes, 11. Madrid) a las 17:00. A continuación la actriz Isabelle Stoffel leerá el Manifiesto del Día Internacional del Teatro escrito este año por el Premio Nobel de Literatura Darío Fo.
Este mismo escenario del Siglo de Oro acogerá una de las novedades de este año: “Tu debut con los clásicos”. En esta actividad, los madrileños podrán participar en las lecturas dramatizadas de El Caballero de Olmedo, a las 18:30, y El perro del hortelano, a las 20:30, dando la réplica a prestigiosos actores como Cristina Higueras, Fiorella Faltoyano y Alberto Amarilla, entre otros.
 La diversidad de la cartelera madrileña
Como plato principal de La Noche de los Teatros, el público podrá disfrutar de las obras de los teatros madrileños, que comprenden actuaciones de reconocidos actores como José María Pou y Nathalie Poza , Luis Merlo y Emma Suárez, o Fernando Tejero y Pepón Nieto (Mitad y mitad – Teatro La Latina). También, una vez más, se suman las salas de La Noche en Vivo un año, con conciertos y espectáculos.
Por su parte, la nueva sala Sol de York, en el barrio de Arapiles, pondrá de manifiesto el dinamismo de jóvenes emprendedores en el sector cultural, organizando para LNT 2013 una programación ecléctica de teatro (Cuando fuimos Dos), danza (Párrafos) y performance fotográfica, con Antonio Castro, además del encuentro Nuevas voces, nuevas dramaturgias, con Julián Quintanilla y Fernando J. López.
Otras atractivas propuestas llegan de la mano de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid donde se ofrecerá una programación para todos los públicos, que incluye un taller de máscaras sobre la obra Sueño de una noche de verano, impartido por el colectivo Legolas; visitas teatralizadas por el edificio, de la mano de la compañía madrileña Morboria;  y la representación de Hamlet, retrato de familia, dirigida por Ximo Flores.
Por segundo año, este también se suma a La Noche de los Teatros la celebración de la Noche de Max Estrella, en su XV edición, en el Círculo de Bellas Artes, con Carlos Álvarez-Novoa y el Centro Andaluz de Teatro, a las 22,15.



viernes, 22 de marzo de 2013

Laura Torrado. La oscuridad natural de las cosas. PHE13

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 5 de junio  al 25 de agosto de 2013
Más información en http://lauratorrado.net y sobre horario y visitas guiadas aquí

Vida suspendida, 2010 © Laura Torrado

Exposición retrospectiva que hace un recorrido transversal por la obra de Laura Torrado desde 1993 a 2013.

Fotografías y vídeos son el soporte principal de todas sus piezas, pero su obra se sustenta en criterios que se desprenden de la escultura, la performance y la actuación. Su trabajo es introspectivo y la fotografía le ha permitido indagar en recursos expresivos como la danza o el teatro. Estos registros, vinculados a la escenografía, le permiten construir escenas donde explorar su cuerpo y su rostro en múltiples facetas.

Laura Torrado (Madrid, 1967) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad complutense de Madrid y actualmente imparte clases en el Departamento de Arte de la Facultad de Bellas Artes de Castilla-La Mancha, en Cuenca.

jueves, 21 de marzo de 2013

@HablarEnArte Jugada a 3 Bandas 2013.

Varias galerías de Madrid y Barcelona.
Del 6 de abril al 28 de mayo de 2013.
Más información en www.a3bandas.org



Jugada a 3 bandas (Ja3b), proyecto ideado para conectar galerías de arte + comisarios + artistas, busca en su tercera edición consecutiva no sólo asentarse como cita estable en el calendario anual del arte contemporáneo nacional, sino también ampliar su programa mediante su celebración simultánea en Ma- drid y Barcelona.

21 galerías en Madrid y 7 en Barcelona participan en Ja3b 2013 con propuestas expositivas que tienden puentes y crean conexiones entre ambas ciudades, o apuestan por una clara apertura internacional.

Fiel a la filosofía original del proyecto, las galerías invitan a un comisario externo a programar una expo- sición en su espacio. Se trata de poner en valor el trabajo curatorial per se, de la creación de un discurso crítico adaptado a un contexto específico. Esto permite a la galería abrir su radio de acción para trabajar con nuevos artistas y experimentar con nuevos conceptos expositivos, siempre dentro de su dirección artística.

Desde su inauguración hasta el 28 de mayo, fecha de clausura oficial de Ja3b 2013, se han diseñado diferentes actividades gratuitas para fomentar las visitas a las galerías tanto para público especializado como general.

@PromociondeArte La Voz de la Imagen. El legado de nuestros fotógrafos.

© Piedad Isla. Madrid, 2013

Un portal que reúne entrevistas en vídeo con los autores de imágenes icónicas de nuestra historia. Ellos mismos desentrañan las claves de su trabajo en el difícil contexto en el que tuvieron que desarrollarlo. Esta web ofrece el testimonio de una generación de grandes fotógrafos que documentaron con su cámara la evolución social de nuestro país cuando la fotografía no ocupaba el respetado lugar que tiene hoy.

El proyecto, realizado por el cineasta José Luís López Linares  y el fotohistoriador Publio López Mondéjar, nos aproxima a la experiencia de estos fotógrafos, algunos de los cuales nunca imaginaron la repercusión que años después, adquirirían sus trabajos. Es el caso del gallego Virxilio Vieitez. Fotografió escenas cotidianas del mundo rural de su Pontevedra natal y sus fotos, aunque se conocían, no encontraron la divulgación que su trabajo merecía hasta finales de los años 90. Piedad Isla, ofrece sus vivencias de mujer fotógrafa en unos años de gran dureza, en los que, recorría los pueblos de la montaña palentina subida a su Vespa para inmortalizar la cotidianidad de sus habitantes.Ramón Masatsuno de los grandes cronistas del costumbrismo de posguerra, que trabajó para las revistas más relevantes de  la época, forma parte de un elenco de fotógrafos que renovaron el lenguaje del reportaje fotográfico en los años 50. De Leopoldo Pomés, destacan sus trabajos publicitarios pero también sus imágenes de la España de Franco. El trabajo de Alberto Schommer, tiene un cariz bien distinto. Posaron para él los políticos de la transición, y obtuvo un amplio reconocimiento a través de sus retratos psicológicos.. El último fotógrafo incluido en este primer grupo de entrevistas de La Voz de la Imagen es Eugeni Forcano, un fotógrafo recientemente galardonado con el Premio Nacional de Fotografía 2013.


© Virxilio Vieitez. VEGAP, Madrid, 2013

Pero la lista de fotógrafos de esa generación no acaba ahí, y tampoco el objetivo de www.lavozdelaimagen.com, que no es otro que, conseguir reunirlos a todos. Ya se están editando las entrevistas con Rafael Sanz Lobato, Ricard Terré, Toni Catany, Oriol Maspons, Colita y Gonzalo Juanes, ellos serán las próximas incorporaciones a este sitio de referencia que pone además a disposición de los investigadores, todo los materiales originales del proyecto.Además,  con el objetivo de profundizar en el estudio de nuestros fotógrafos, la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes, pone a disposición de los investigadores todos los materiales originales del proyecto. Disponemos del material de los siguientes fotógrafos: Rafael Sanz Lobato, Ricard Terré, Toni Catany, Oriol Maspons, Colita, César Lucas, Enrique Meneses, Gonzalo Juanes, Ana Muller, Manuel Outumuro, Manuel Barriopedro, Miquel Galmes, Gabriel Carvajal, Pepe Font de Mora, Ramón Masats, Piedad Isla, Eugeni Forcano, Alberto Schommer, Leopoldo Pomés y Virxilio Vieitez. 

LA VOZ DE LA IMAGEN

Proyecto de la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, realizado por José Luís López Linares y Publio López Modéjar.

#laVozdelaImagen
#PromociondelArte

Más información:
www.lavozdelaimagen.com

@mapfreFcultura Fundación Mapfre incluye su colección de fotografía en el Google Art Project.

FUNDACIÓN MAPFRE incluye desde hoy una gran parte de su colección de fotografía en Google Art Project, que permite explorar las 319 fotografías que se integran en este proyecto de manera on line.

Os dejo el link a la galería de Fundación Mapfre en Art Project.

Captura de pantalla del Art Project de Fundación Mapfre Cultura

La colección de fotografía de FUNDACIÓN MAPFRE se inició en 2007 con la adquisición de la serie Las Hermanas Brown, de Nicholas Nixon, un estudio sobre el tiempo que el artista realiza desde 1975 y del que FUNDACIÓN MAPFRE posee la colección completa, compuesta por 37 fotografías a día de hoy. Este trabajo puede consultarse en Google Art Project. La colección se ha ido ampliando desde sus inicios hasta incluir en la actualidad más de 500 obras de artistas como Diane Arbus, Garry Winogrand, Joan Colom, Walker Evans, Helen Levitt, Lisette Model, Lee Friedlander, Paul Strand, Anna Malagrida, Eugene Atget o Fazal Sheikh.

En 2011 se adquirieron 111 fotografías del neoyorkino Paul Strand y 186 obras de la mexicana Graciela Iturbide, lo que convirtió a la Fundación en la institución europea de referencia con más obras de estos dos fotógrafos.

Los artistas de la colección presentes en el Art Project son Robert Adams, Eugene Atget, Joan Colom, Lee Friedlander, Graciela Iturbide, Helen Levitt, Anna Malagrida, Nicholas Nixon, y Garry Winogrand

Los visitantes que accedan a Google Art Project pueden buscar obras por el nombre del artista, la obra de arte, el tipo de arte, el museo, el país, las colecciones o el período de tiempo. A través de Hangouts en Google+ podrán hacer videoconferencias con sus amigos invitándoles a ver y hablar de sus obras favoritas y compartir sus conocimientos.

La función 'My Gallery' permite guardar vistas específicas de cualquiera de las obras de arte y construir una galería personalizada. Se pueden añadir comentarios a cada pintura y toda la galería se puede compartir con amigos y familiares. Es una herramienta ideal para estudiantes o grupos para trabajar en proyectos de colaboración o colecciones. Además, una característica llamada 'Comparar' permite examinar dos piezas de arte de lado a lado para ver cómo el estilo de un artista ha evolucionado con el tiempo, conectar tendencias a través de las culturas o profundizar en dos partes de la misma obra.

Google Art Project es parte del Google Cultural Institute, que se dedica a poner la tecnología a disposición de la cultura con el objetivo de ayudar a difundir el arte, los archivos, los sitios patrimoniales y otros materiales.

@museothyssen Recordatorio: Hiperrealismo 1967-2012.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 22 de marzo al 9 de junio de 2013
Más información en www.museothyssen.org


A finales de la década de 1960 surge en Estados Unidos una corriente pictórica dedicada a la representación realista de escenas y objetos del día a día de la vida americana. Estos artistas parten siempre de la fotografía como documentación para su pintura. La consagración del movimiento tuvo lugar con su exposición en la Documenta de Kassel en 1972. La muestra que presenta en 2013 el Museo Thyssen-Bornemisza planteará, por primera vez, una genealogía del hiperrealismo que empieza con los grandes maestros americanos de la primera generación, como Richard Estes, John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, Chuck Close o Robert Cottingham, para mostrar a continuación la continuidad de la técnica hiperrealista en Europa y en artistas de generaciones posteriores. Muchas de las obras de la exposición pertenecen a la colección de Louis K. Meisel cuya galería se convirtió en el punto de encuentro del movimiento. Meisel lo promocionó desde sus inicios dentro y fuera de EE UU, apoyando y descubriendo a nuevos artistas; su galería sigue siendo el punto de referencia fundamental para esta corriente.

Grandes maestros del arte popular de Iberoamérica.

Centro de Arte Teatro Fernán Gómez
Plaza de Colón
Entrada: 2 y 1€
Del 3 de abril al 30 de junio de 2013.
Más información en http://teatrofernangomez.esmadrid.com



De entre todas las manifestaciones del arte popular iberoamericano una de las más interesantes es la creación artesanal, ya que en ella se expresa el espíritu de su gente. La creación artística popular abarca objetos ornamentales, otros de uso cotidiano y piezas ceremoniales, algunas indispensables en muchas festividades. Los objetos de arte popular son el resultado de antiguas tradiciones tanto americanas como procedentes de España, Portugal, África Occidental y Asia, las cuales se han mezclado de maneras distintas en cada uno de los países de la región para producir una amplia variedad de estilos que en su diversidad se hermanan. Estos oficios, que conservan los maestros del medio rural, las zonas populares de las ciudades y de las comunidades indígenas, han pasado de generación en generación durante siglos y todavía son el sustento de muchas familias.

Esta muestra, fruto de una investigación y curaduría de Cándida Fernández, realizada de 2007 a 2011, y en la que el público madrileño puede admirar, por primera vez, un gran número de piezas del arte popular de toda Iberoamérica, reúne el trabajo de 500 de los mejores maestros artesanos de veintidós países. Las piezas expuestas son de una gran perfección técnica, lo que en muchos casos supone la conservación o el rescate de técnicas antiguas.

Sin duda, una visita a esta exposición permite un acercamiento panorámico al trabajo de los grandes maestros del arte popular de Iberoamérica quienes, con todo y su diversidad, ponen en evidencia las raíces y las tradiciones que nos son comunes. Y por sobre todo revelan el talento, y la incesante búsqueda de la belleza de estos grandes creadores.


Ana Paulina Gámez M. (Investigadora académica de Fomento Cultural Banamex).

El proyecto se ha llevado a cabo gracias a los auspicios del Banco Nacional de México, Fomento Cultural Banamex, A.C., y la Fundación Roberto Hernández Ramírez, con la colaboración del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Antropología e Historia, la Secretaría de Relaciones Exteriores y Aeroméxico, quienes participarán de la itinerancia internacional de la muestra.


Nota:

La recaudación obtenida con las entradas a la exposición (precio simbólico de 2€) está destinada a financiar el Programa de Apoyo al Arte Popular, los talleres y es un complemento al Programa de Amigos de los Grandes Maestros del Arte Popular que Fomento Cultural creó para apoyar a los maestros artesanos.

miércoles, 20 de marzo de 2013

Etíopes. Fotografías de un viaje. De Juan Carlos Vázquez Pelillo "Doctor Haluro".

PhotoEspacio Galería
Escuela de Fotografía Man Ray
Calle Virgen de Belén 16
Hasta el 30 abril de 2013
Más información en www.manrayescuela.es y en www.doctorhaluro.com

Etíopes
Fotografía © Juan Carlos Vázquez Pelillo

Etiopía tiene mayor extensión que Francia y España juntas. Tiene unos 85 millones de habitantes; alrededor de 80 etnias; unas 82 lenguas vivas y más de 200 dialectos. Tiene además multitud de cultos religiosos (cristianismo, islam, judaísmo, animismo…), y más de tres mil años de historia.

Etíopes
Fotografía © Juan Carlos Vázquez Pelillo

Fotografiar Etiopía es imposible; no se puede pretender en un viaje, ni en cien viajes. Esto son sólo unas fotografías de gente que estuvo delante de nuestras cámaras en un viaje a Etiopía.

Etíopes
Fotografía © Juan Carlos Vázquez Pelillo

“Estando en Africa el europeo no ve más que una parte de ella: por lo general, ve tan sólo su capa exterior, que a menudo no es la más interesante, ni tampoco reviste mayor importancia. Su mirada se desliza por la superficie, sin penetrar en el interior, como si no creyese que detrás de cada cosa pudiera esconderse un misterio que, a un tiempo, se hallara encerrado en ella…”

“El mundo del africano medio es diferente; es un mundo pobre, de lo más sencillo y elemental, reducido a unos pocos objetos: una camisa, una palangana, un puñado de grano, un sorbo de agua. Su riqueza y diversidad no se expresan bajo una forma material, concreta, tangible y visible, si no en esos valores y significados simbólicos que dicho mundo confiere a las cosas más sencillas, tan baladíes que son inapreciables para los no iniciados. Sin embargo, una pluma de gallo puede ser considerada como una linterna que ilumina el camino en la oscuridad, y una gota de aceite, como un escudo que protege de las balas. La cosa cobra un peso simbólico, metafísico; porque así lo ha decidido el hombre, quien, por el mero hecho de elegirla, la ha enaltecido, trasladado a otra dimensión, a la esfera superior del ser: a la trascendencia”


Ryszard Kapuscinski

Nuevo PHotoBolsillo: Atín Aya.

La Colección PHotoBolsillo homenajea al fotógrafo sevillano Atín Aya.

El nuevo número de la Biblioteca de fotógrafos españoles contiene 57 imágenes en blanco y negro tomadas entre 1982 y 2005. 

Atín Aya, reportero gráfico de ABC de Sevilla y Diario 16 Andalucía, captó juegos callejeros, equilibrios de sombras, paisajes, gentes y formas de vida.  

Su trabajo conjuga la tradición fotográfica bressoniana del «momento decisivo» con la tradición pictórica clásica.

Destaca en su obra el cuidado detallista en la composición y la sabia utilización de todos los elementos de escena, especialmente el uso de la luz.

108 páginas | 13 X 18 cm. | Español-Inglés 
PVP. 12,50 € 
Más información: www.lafabrica.com y en www.atinaya.com



“Uno de sus grandes aciertos es la gestión del tiempo; su fotografía está llena de pausas a la hora de mirar y a la hora de disparar, y eso le permitió producir y crear desde la honestidad. Su trabajo de creación, el más personal, no es fruto de prisas, ni estaba sometido a plazos de entregas.” 

María Aya

 La Biblioteca de fotógrafos españoles PHotoBolsillo dedica un nuevo volumen al trabajo del fotógrafo Atín Aya. Curtido en el fotoperiodismo cercano y cotidiano de su ciudad natal, Sevilla, Aya creó un estilo propio caracterizado por el registro de la realidad de forma directa y sin artificios pero con una mirada poética. Sus fotografías se caracterizan por su gran factura técnica, con atención al detalle, definición precisa y elaborada composición de las imágenes así como por una gran profundidad en el tratamiento y una trama argumentativa.

Padre Antonio. Cortijo Monasterio, Cazorla de la Sierra, Jaén, 2001.
© Atín Aya

En el prólogo del libro, su hija María Aya afirma que «si los fotógrafos se dividieran en “fotógrafos de la toma” y “fotógrafos del revelado”, mi padre pertenecería sin duda al primer grupo». Atín Aya no descuidaba la edición ni mucho menos el revelado, de hecho dominaba con destreza y pulcritud la técnica, pero le hace especial la forma en que se acerca al sujeto u objeto fotografiado. Su obra conjuga la tradición fotográfica bressoniana del «momento decisivo» y la tradición pictórica clásica, de la que se nutre y adquiere el cuidado detallista en la composición y la sabia utilización de todos los elementos en la escena, y muy especialmente en relación con el uso de la luz.

Jóvenes en el palco de la Real Maestranza de Caballería. Sevilla, 1996.
© Atín Aya

El grueso de su trabajo se concentra en historias cotidianas, con el propósito de plasmar el espíritu de personas anónimas. Este volumen de PHotoBolsillo incluye 57 fotografías en blanco y negro de sus trabajos más conocidos y representativos de su estilo. En la serie Sevillanos capta la idiosincrasia de los habitantes de la ciudad hispalense y la obra dedicada a la Maestranza es capaz de captar la atmósfera de la plaza sevillana en plena temporada taurina. Su trabajo en las Marismas del Guadalquivir muestra su creencia en lo innecesario de trasladarse a mundos exóticos para obtener imágenes de calidad. Paisanos, serie de fotografías realizada justo después de su incursión en las marismas, es su culmen de estilo y el trabajo en que mejor se puede apreciar la atmósfera misteriosa y silenciosa que es capaz de crear a través de un acusado juego de luces y sombras.



Breve biografía

El fotógrafo sevillano Atín Aya (1955-2007) estudió Filosofía y Ciencias de la Educación en la Universidad de Navarra y se licenció en Psicología por la Universidad de Granada. En 1981 se traslada a Madrid, donde inicia estudios de fotografía en la escuela Photocentro. Ese mismo año empieza a trabajar en la agencia Cover con Jordi Socías, cofundador de la agencia y maestro. De regreso a Sevilla, en 1982 empieza a trabajar como reportero fotográfico para ABC y después para Diario 16 de Andalucía. Durante quince años fue fotógrafo oficial de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) en su sede de Sevilla y en 1992 trabaja como miembro del Departamento de Fotografía de la Sociedad Estatal durante la Exposición Universal de Sevilla. Su trabajo fue reconocido con el Primer Premio FotoPres de la Obra Social La Caixa en la mención Cultura y Espectáculo (1990) y la beca FotoPres de la Fundación La Caixa que le permite completar su serie sobre las marismas del Guadalquivir (1997). Antes de su prematura muerte viaja a La Habana y a Perú, con el objetivo de estudiar su patrimonio monumental para la Agencia Española de Cooperación Internacional (AECI).

Portadas. Dibujos de primera plana.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Calle Amaniel 29-31
Del 21 de marzo al 9 de junio de 2013.
Más información en http://museo.abc.es

J. Altimira titulada "Ante el espejo" (Blanco y Negro, núm. 1.225
8 de noviembre de 1914).
 Gouache y tinta sobre papel.

Desde el 10 de mayo de 1891, hasta su cierre el 29 de octubre de 2000, la revista Blanco y Negro, primero como publicación independiente y, en sus últimos años, como suplemento del diario ABC, se mantuvo fiel a la cita con sus lectores. Durante su primer año de vida mantuvo una misma portada: la reproducción de una obra del pintor Díaz Huertas en la que un coche de caballos avanzaba por un camino con su conductor manteniendo el látigo en alto.

La novedad del cuadro residía en la inversión de los papeles. Es una dama quien conduce el coche y, al fondo, en el asiento de los pasajeros, se observa una silueta masculina con chistera. Tampoco son caballos quienes tiran del carruaje, sino una especie de insectos alados que permiten a aquel sobrevolar el camino plagado de hojas informativas, en lugar de rebotar sobre los adoquines. La primera portada, a pesar de su reiteración, anunciaba ya la llegada de los nuevos tiempos.

Pero a partir del 3 de enero de 1893, la publicación se apuntó a la más moderna idea de variar su portada todas las semanas, con el consiguiente esfuerzo de creatividad, y la colaboración de algunos de los principales ilustradores de cada momento. Conmemoraciones de hechos de especial significación histórica, recreaciones de sucesos de la actualidad (con el retraso que la técnica y las comunicaciones imponían en aquellos años) o simples escenas cotidianas fueron ocupando la primera página número a número.

Blanco y Negro fue el escaparate de los tiempos y de las corrientes artísticas que en los años finales del xix y primer tercio del siglo xx transformaron Europa desde la tradición del academicismo a la visión de las vanguardias.

Pero los estilos artísticos no eran sino el reflejo de los cambios sociales, culturales y científicos que recorrían el continente. Si al comienzo se trataba de romper con el academicismo mediante las formas elaboradas del art nouveau, tras el fin de la Gran Guerra, las rupturas vanguardistas se fueron abriendo camino lentamente, en el gusto de artistas y coleccionistas.

Como es lógico, su reflejo en una revista dirigida al gran público como Blanco y Negro no era tan directo, y no era raro encontrar una amalgama de estilos que combinaba, en un mismo año, diseños modernistas con otros de reflejos cubistas o que recuerdan al diseño alemán de los años veinte. Todo ello estaba combinado con muestras de la pintura regionalista que seguía vigente en España.

Respecto a los temas, en Blanco y Negro se plasman desde las visiones de la vertiente más tradicional de España, con portadas llenas de manolas y trajes regionales, hasta imágenes verdaderamente revolucionarias de la nueva mujer que va surgiendo como producto de la modernidad. Una mujer que desempeña roles sociales no vistos hasta ese momento y cuya actividad desborda el ámbito tradicional. Una transformación social que la Guerra Civil, fecha elegida como fin del período en el que se centra la exposición, vino a truncar.

Hipérboles. Sabotaje.Abracadaba. By Nano4814

Watdafac Gallery
Gran Vía 26 6º Dcha.
Inauguración: viernes 22 de marzo de 2013 a las 20:30 horas.
Más información en www.watdafac.com y en http://nano4814.com

©Nano4814

H.S.A.: Una exageración, una zancadilla, un truco de magia. La esperanza de que algo suceda con un chasquido de dedos. Necesidades creadas por falsas expectativas y unos zapatos atados entre si. Un palo con cebo colgando. No saber nada pero saber que puedes hacerlo todo.

Esto no define de forma exacta la nueva exposición de Nano4814, pero creemos que por ahí van los tiros...

©Nano4814


NANO 4814 (Vigo, 1978)
Nano no camina por la calle como una persona normal, se mueve por la sombra, viaja bajo tierra por los laberínticos pasillos de las alcantarillas de tu ciudad meditabundo, tramando un plan. Se las conoce mucho mejor que las mismísimas Tortugas Ninja. Aparece, desaparece y deja su inigualable rastro allá por donde pasa para que los demás lo disfrutemos con sonrisa infinita y estupefacción en loop.
Siempre sorprende, no guarda un as bajo la manga, tiene todas las barajas del mundo y cuando crees que podrías definir su trabajo se envuelve en una capa y se saca de la chistera 45 trucos más que te dejan el cuerpo como si te ducharas con hidrógeno liquido y sin una toalla a mano. Y no es una chistera común, es un agujero negro lleno de sorpresas, todo un universo inexplorado de colores flúor, mundos imposibles y explosiones de luces intensas, que no ciegan, sino enamoran y te planchan la ropa.

Nano hace de todo y lo hace todo perfecto y de forma fascinante: graffitti, escultura, instalaciones, ilustración, diseño gráfico, exposiciones por todo el mundo (he dicho TODO), edita libros, revistas, fanzines, organiza eventos, juega con el iPad a Los Simpsons: Springfield ®, tiene un estudio estupendo y se parece a Dan Deacon un poco. ¿Qué mas quieres?. Si aún no conoces a este formidable artista ahora tienes la oportunidad, no hay excusas.

Nano es uno de los fundadores (y residente) de Estudio Noviciado en Madrid, un espacio de pura inspiración donde Willy Wonka se sentiría perdido, como si hubiera sido abandonado en mitad de oceáno pacífico sin salvavidas, rodeado de tiburones hambrientos y a kilómetros de la orilla más cercana. Perdido

Las cosas son así y se hacen como Nano 4814 nos las presenta.

@museoreinasofia Azucena Vieites. Tableau vivant.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS ) .
Edificio Sabatini
Planta 1
Del 20 de marzo al 22 de junio de 2013.
Más información en www.museoreinasofia.es

©Azucena Vieites. De la serie Tableau vivant, 2013. Colección de la artista

Utilizando el dibujo y el collage como principales herramientas de trabajo, Azucena Vieites (Hernani, 1967) lleva a cabo en su obra un proceso de apropiación y resignificación iconográfica de materiales y referentes que están vinculados al imaginario cultural contemporáneo. A partir y a través de este ejercicio de reelaboración visual, Vieites explora las potencialidades expresivas de las formas no lineales de narración y de producción de conocimiento, al tiempo que plantea una reflexión crítica en torno a cuestiones como la concepción de la creación estética como un trabajo procesual y ligado siempre a un contexto social y económico determinado o la necesidad de generar estrategias discursivas que contribuyan a romper con la lógica binaria que aún pervive en gran parte de las representaciones culturales actuales.

En la configuración y evolución de su práctica artística, donde podemos reconocer una serie de constantes estilísticas y conceptuales (uso intensivo de la fragmentación y de la repetición, búsqueda de una inmediatez expresiva, apuesta por el trabajo colaborativo...) y que está fuertemente ligada, desde sus proyectos con el Colectivo Erreakzioa-Reacción al activismo (post)feminista y queer, ha jugado un papel fundamental la noción de Do It Yourself ("hazlo tú mismo - hazlo tú misma"). Y, de manera especial, una de las materializaciones históricas más emblemáticas de la “cultura DIY”: el fanzine, un tipo de publicación que ha posibilitado que colectivos sin acceso a los medios de producción tradicionales contaran con una herramienta que les permitía documentar y visibilizar sus propias representaciones.

En sus trabajos recientes, Azucena Vieites ha dirigido su mirada hacia los modos de hacer de la infancia. En ellos hay una voluntad de construir lenguaje y una capacidad de desbordar normatividades y convenciones sociales, dos cualidades que, en su opinión, deben aspirar a tener siempre las prácticas artísticas, cuyo principal objetivo es generar en el espectador un efecto de extrañeza que le lleve a repensar su relación con lo que le rodea. La exposición de Vieites en el Museo Reina Sofía ha estado precedida por la celebración de un taller infantil titulado Coloring Book, en el que un grupo de niños "intervinieron", coloreando, algunos de sus dibujos. Parte del material generado por este taller se muestra en Tableau vivant, donde también podemos ver el primer trabajo en vídeo que ha realizado esta artista o un conjunto de serigrafías elaboradas a partir de imágenes preexistentes que le permiten abordar -y cuestionar- la distinción entre obra original y copia (entre obra única y obra seriada o reproducible).

@Madrid_Cultura 40/40/40 Arte irlandés hoy.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 2
Calle Conde Duque 9-11
Del 21 de marzo al 20 de abril de 2013.

Tuna in Helsinki Archival pigment print Edition 2/5 2010 27 x 39.5
Fotografía © Adrian Reilly

Muestra el trabajo de 40 artistas irlandeses o residentes en Irlanda menores de 40 años cuya vida y obra ha transcurrido en su totalidad dentro de la Irlanda de la Unión Europea.

A través de distintos soportes (fotografía, escultura, pintura, ilustración) se observan las diferentes visiones y la diversidad del panorama artístico de la isla.

La exposición conmemora el 40 aniversario de Irlanda como Estado Miembro de la Unión Europea.

@Madrid_Cultura Hereros, un pueblo nómada.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 3
Calle Conde Duque 9-11
Hasta el 12 de mayo de 2013.
Más información en www.esmadrid.com/condeduque

Fotografías de Sergio Guerra.

Muestra de fotografías de Sergio Guerra sobre este grupo étnico compuesto por pastores seminómadas, como ejemplo de perpetuidad y resistencia de una economía y cultura ancestrales amenazadas por el acelerado proceso de modernización y occidentalización de Angola, así como por la devastación de la guerra civil que castigó al país durante décadas.

Sergio Guerra desarrolló un programa de comunicación para el Gobierno de Angola. Durante sus constantes viajes por el país fue testigo de momentos decisivos de la lucha, la paz y la reconstrucción, lo que le permitió reunir uno de los más completos registros fotográficos de las 18 provincias angoleñas.

martes, 19 de marzo de 2013

Yonkeros, de Jaime Permuth. Libro fotografía.


La Fábrica publica Yonkeros, el volumen que recoge la serie homónima del fotógrafo guatemalteco afincado en Nueva York, Jaime Permuth. Un trabajo documental con el que Permuth inmortaliza este microcosmos del barrio neoyorkino de Queens en el que desde hace décadas, miles de personas – la mayoría inmigrantes- se ganan la vida gracias al negocio de la chatarra y repuestos de automóviles. Calles aguje­readas e interrumpidas por charcos de agua estancada y canales de aguas residuales; mon­tones de chatarra dispersos y chasis oxidados y destrozados se suceden bajo un cielo por el que transitan contantemente aviones en descenso hacia el próximo aeropuerto de La Guardia.

Yonkeros.
Fotografía © Jaime Permuth

Yonkero es un término del spanglish derivado de junk (basura) con el que se denomina a la per­sona que trabaja con la chatarra y se transforma en yonke para denominar la chatarrería. 95 imágenes en su mayoría, en blanco y negro, capturan las estampas decadentes de las calles del conocido también como Triángulo de acero y las escenas cotidianas de sus trabajadores. Una serie tomada de día y de noche, con nieve o en pleno verano para “rendir tributo a Willets Point y a su vasta acumulación de piezas que, como cualquier catálogo, es también un poema”, reconoce su autor.

Yonkeros.
Fotografía © Jaime Permuth

Un mundo aparte y marginado en medio de la gran ciudad que tiene sus días contados por la construcción de un área comercial y residencial en la zona. Tras 40 años de lucha y de abandono y privación de servicios básicos por parte de la ciudad de Nueva York, Willets Point parece haber perdido la batalla. La ciudad está ya promocionando el área como su «próximo gran vecindario». Menos claro es qué va a suceder con los más de 300 negocios que serán desplaza­dos, o con las familias de clase trabajadora que dependen de ellos. “Este libro es un homenaje a su espíritu, su lucha y el lugar que hicieron propio durante tantos años”, afirma el propio Permuth. Así, Yonkeros adquiere un poderoso valor testimonial, que documenta y reivindica a Willets Point y sus yonkeros.

Más información en http://tienda.lafabrica.com y en http://jaimepermuth.net
Puedes ojear y comprar el libro aquí.

@mataderomadrid Campo adentro, exposicion y jornadas de debate.

Matadero
Nave de la Música
Pº de la Chopera 8 - Plaza de Legazpi
Del 21 al 24 de marzo de 2013.
Más información en www.mataderomadrid.org  y en www.campoadentro.es


Campo adentro es un proyecto múltiple de estrategia cultural sobre la cuestión rural, las relaciones entre campo y ciudad y funciones del arte, propuesto por el artista Fernando García-Dory que se desarrolla desde 2010. Del 21 al 24 de marzo Campo Adentro lleva a cabo un encuentro entre diversos agentes implicados y muestra en la Nave de Música, con el apoyo de Matadero, los 11 proyectos de la fase de producción de 2012-2013.

El programa de actividades incluye audiciones comentadas, proyecciones, debates y un laboratorio gastronómico-sonoro para artistas e invitados. Se concibe como un momento de evaluación a través de diálogos entre los artistas, vecinos y un comité de expertos culturales y representantes del movimiento campesino, que incluye un coloquio con la presencia especial de la unidad de investigación SPEAP de Paris, dirigida por Bruno Latour, en colaboración con Factum Arte.

campo adentro investiga la intersección entre arte, agricultura(s) y medio rural, los desequilibrios territoriales, la transformación del paisaje y la crisis ambiental y económica desde la práctica conjunta con artistas, agricultores, intelectuales y agentes del desarrollo rural.

El proyecto se estructura en una primera fase de análisis y una posterior de producción, en la que hantrabajado 22 artistas en otras tantas localidades rurales durante los últimos 3 años. Campo Adentro que ha venido desarrollando encuentros y exposiciones anuales, presenta ahora los resultados de esa fase de producción 2012-2013 con un programa que incluye debates, proyecciones, instalaciones sonoras y un laboratorio gastronómico-sonoro.

La exposición se despliega por la Nave de Música y recoge las obras y conclusiones que han generado las 11 residencias artísticas que durante el año 2012 llevaron a cabo Can Altay (en Carrícola, Valencia), Paco Arroyo (en Avinyó, Barcelona), Carmen Cañibano (en Prado, Zamora), Patricia Esquivias (en Calera y Chozas, Toledo), Mario García Torres (en Malpartida, Cáceres), Asunción Molinos (en Guzmán, Burgos), Antje Schiffers y Thomas Sprenger (en la Comarca de las Encartaciones, Vizcaya), Emma Smith (en Casares, Málaga), Susana Velasco (en Almonaster la Real, Huelva), WochenKlausur (en Puebla de Sanabria, Zamora) y el equipo formado por Bárbara Fluxá, José Bernal y Fernando Martín (en La Vera, Cáceres).

En el programa sonoro y audiovisual, Cristina Palmese y Jose Luis Carles crean una suerte de "café y dominó", una serie de charlas con la colaboración de Abraham Rivera en la que con diferentes invitados se van enlazando piezas y cuestiones relacionadas con el proyecto. En cuanto al cine, se proyectan la Entrevista a John Berger (inédito, Groeneveld 2012), Our Daily Bread (Nikolaus Geyrhalte/ Alemania/2005/ 92') el jueves 21 a las 20.30 h., y La Aldea Maldita (Florián Rey / España / 1930 / 58') con interpretación al piano en directo de Jaime López, en colaboración improvisada con Reserva Espiritual de Occidente, el viernes 22 a las 20 h. Por último, el artista Paco Arroyo y los vecinos de Avinyó, Barcelona, ofrecerán una performance sonora el sábado 23, de 20 a 23 h.

El laboratorio gastronómico-sonoro, en colaboración con Carlos Monleón-Gendall, Cristina Palmese y la cooperativa agro-ganadera Los Apisquillos, tendrá lugar todos los días como un espacio experimental de convivencia e intercambio, alrededor de la mesa, unas sesiones en las que los artistas e invitados comparten experiencias y referencias sobre gastronomía, territorio, música y arte sonoro.

Por último, estas jornadas suponen el arranque de una nueva fase de Campo Adentro. En colaboración con Matadero Madrid, se inicia el nuevo Grupo de Estudios sobre Ecologías del Sistema del Arte, Territorio y Nuevos Paisajes, compuesto por especialistas invitados, participantes seleccionados tras una convocatoria abierta y una red de colaboradores internacionales. Se reunirá cada mes en Matadero Madrid, con visitas de campo y acciones en un solar cercano donde se construye el Centro de Acercamiento a lo Rural y proyecto de Nuevo Jardín de Dalias, con apicultura y horticultura, comedor popular, debates, presentaciones, proyecciones y todo lo que el vecindario y personas y grupos afines propongan.

Programa detallado, horarios de apertura y más información en www.campoadentro.es

@fundacionmarch Recordatorio: Paul Klee. Maestro de la Bauhaus.

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 22 de marzo al 30 de junio de 2013.
Más información en www.march.es y en www.kleegestaltungslehre.zpk.org


lunes, 18 de marzo de 2013

Convierte el arte en agua. Exposición solidaria.

Galería Pepe Pisa Arte
Calle Gabriel Lobo 14
Del 20 al 23 de marzo de 2013.
Más información en www.pepepisa.com


29 artistas, un poeta: Álvaro Fierro y la diseñadora de joyas Helena Rohner participan en este encuentro único en el espacio Pepe Pisa.



domingo, 17 de marzo de 2013

Dan Walsh

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
Desde el 12 de abril de 2013.
Más información en www.galeriaelviragonzalez.com y en http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/dan_walsh.htm


La Galería Elvira González inaugura el próximo jueves 11 de abril su segunda exposición con el artista estadounidense Dan Walsh.

La exposición contará con nueve lienzos de gran formato fechados entre el año 2009 y 2012, en los que el artista sigue trabajando con composiciones de corte minimalista. Se trata de piezas donde el diseño lineal y ondulado de los trazos con color, dispuesto en forma de rejas o laberintos, desenfoca la mirada del espectador y produce un juego visual de vibración y movimiento.

Homework, 2010 | 177,8 x 177,8 cm. Acrílico sobre lienzo

Dan Walsh se sitúa dentro de la corriente artística post minimal, que incide en la repetición de las formas jugando con la progresiva complicación o simplificación de las mismas. Utiliza un sentido arquitectónico en su tratamiento del espacio y del fondo del lienzo, al tiempo que un sentido decorativo como si se tratase de frisos arquitectónicos.

Para Walsh, el fascinante proceso creativo es tan importante como el resultado final de la obra y es el mismo proceso el que genera las imágenes de sus cuadros y que, tal y como reconoce el propio artista, ofrece resultados inesperados. Él sabe perfectamente como empieza su obra, pero desconoce de antemano cómo y cuando acaba, desconociendo por tanto el resultado final. El propio Walsh afirma que su pintura es "un vehículo para contemplar un lugar donde la mirada se encuentra con lo simbólico" (“A vehicle to contemplate a place where the retinal meets the symbolic”).

Dan Walsh (Filadelfia, EE.UU., 1960) estudió en el Philadelphia College of Art y en el Hunter College de Nueva York, ciudad donde vive y trabaja en la actualidad.

Sus referencias principales se encuentran en la obra de artistas como Peter Halley, Donald Judd, Sol Lewitt, o Philip Guston. Asimismo, se basa en la técnica de los mandalas tibetanos mediante el uso de patrones repetitivos dispuestos en una composición jerárquica y despejada.

viernes, 15 de marzo de 2013

El Museo Guggenheim Bilbao y La Fábrica coeditan "Arte en guerra. Francia 1938-1947".



El Museo Guggenheim Bilbao y La Fábrica coeditan Arte en guerra. Francia 1938-1947, catálogo de la exposición organizada por el Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Paris-Musées y el Museo Guggenheim Bilbao, que podrá visitarse en este último desde el 16 de marzo hasta el 8 de septiembre.

Bajo la dirección de las comisarias Laurence Bertrand Dorléac y Jacqueline Munck, el catálogo incluye varios ensayos en torno a las diferentes secciones de la muestra (París, 1938; Premoniciones surrealistas; En los campos de internamiento; Exilios, refugios, clandestinidad; Maestros de referencia y Jóvenes pintores de tradición francesa; Picasso en su taller; El gusto oficial; Jeanne Bucher Galerie; Liberación; Distensiones; y Los anartistas) y reúne, en forma de extenso abecedario, 200 entradas cortas sobre cuestiones variadas relativas al contexto artístico y cultural del momento, firmadas por más de un centenar de autores internacionales.

Arte en guerra. Francia, 1938-1947 es un recorrido por la producción artística en Francia en el entorno de la Segunda Guerra Mundial a través de más de 500 obras realizadas por más de un centenar de artistas. Los trabajos evidencian el modo en que los creadores resistieron y reaccionaron ante la adversidad, haciendo "la guerra a la guerra" con formas y materiales impuestos por la penuria y evidencian cómo, ante el amenazante contexto de opresión que se vivía en Francia durante la II Guerra Mundial y la Ocupación nazi, los artistas de la época se rebelaron frente a las consignas oficiales mediante novedosas respuestas estéticas que modificaron el devenir del arte.

Nunca antes como durante esos años los esfuerzos militaristas por parte del poder generaron de una forma tan automática la reacción de los artistas, creadores permanentes obligados a cambiar de materiales para revelar el estado de las cosas y escapar a las consignas oficiales, incluso hasta en los lugares de internamiento más hostiles a toda expresión de libertad, donde no se dejó de crear.

Trabajos de grandes artistas como Pierre Bonnard, Victor Brauner, Alexander Calder, Salvador Dalí, Óscar Domínguez, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Raoul Dufy, Max Ernst, Jean Fautrier, Alberto Giacometti, Julio González, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, René Magritte, André Masson, Henri Matisse, Henri Michaux, Joan Miró, Francis Picabia, Pablo Picasso, Pierre Soulages, Nicolas de Staël, Joseph Steib, Yves Tanguy, o Wols entre otros, junto a obras de supervivencia que transmiten la energía desesperada de autores desconocidos para el gran público.

Más información: www.guggenheim-bilbao.es / www.lafabrica.com

Os dejo también un vídeo sobre la exposición:

@CasaLector Drácula: un monstruo sin reflejo.

Casa del Lector - Matadero
Puentes
Pº de la Chopera 10
Desde el 22 de marzo de 2013.
Más información en http://casalector.fundaciongsr.com


Cien años después de la muerte de Bram Stoker, su conde vampiro, pese haber crecido entre las tinieblas del sepulcro, goza de estupenda salud. El cine, el cómic y la literatura se han encargado de convertir a Drácula en un mito pop, constantemente releído por creadores de todos los géneros artísticos.

Esta exposición rinde homenaje a Stoker un siglo después de su muerte, recogiendo parte de la tradición vampírica en la que se inspiró, pero sobre todo repasando su biografía: su amistad con Walt Whitman o Mark Twain y su relación con otros contemporáneos victorianos como Oscar Wilde, Arthur Conan Doyle, H. G. Wells, Rudyard Kipling… Se aportan documentos que arrojan luz sobre el proceso creativo de Drácula hasta la publicación en 1897 de la primera edición de la novela. Y se ofrece una antología gráfica de los cineastas e ilustradores que se han acercado al conde vampiro desde que en 1922 Murnau pusiera cara al monstruo en su película Nosferatu hasta nuestros días, con las últimas aproximaciones al mito de ilustradores como, Ana Juan, Fernando Vicente, Miguel Ángel Martín o Toño Benavides.

jueves, 14 de marzo de 2013

@museoreinasofia Visita a... Mitsuo Miura. Memorias imaginadas.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Palacio de Cristal
Parque del Retiro
Entrada gratuita
Del 14 de marzo al 2 de septiembre de 2013.
Más información en www.museoreinasofia.es

Mitsuo Miura - Memorias encontradas.
MNCARS - Palacio de Cristal
Fotografías © Francisco Posse

Mitsuo Miura - Memorias encontradas.
MNCARS - Palacio de Cristal
Fotografías © Francisco Posse

Mitsuo Miura - Memorias encontradas.
MNCARS - Palacio de Cristal
Fotografías © Francisco Posse

Mitsuo Miura - Memorias encontradas.
MNCARS - Palacio de Cristal
Fotografías © Francisco Posse

Mitsuo Miura - Memorias encontradas.
MNCARS - Palacio de Cristal
Fotografías © Francisco Posse