martes, 30 de diciembre de 2014

Avance: @museodelprado #Picasso Diez picassos del Kunstmuseum de Basilea.

Museo del Prado
Galería central
Edificio Villanueva
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Del 16 de marzo al 13 de septiembre de 2015
Más información en www.museodelprado.es

Femme au chapeaux, Picasso, Kunstmuseum de Basilea

Durante la primavera y el verano de 2015, el Museo va a presentar diez obras maestras de Pablo Picasso pertenecientes a la colección del Kunstmuseum de Basilea, durante el período en que se llevan a cabo reformas en su sede. A través de las diez obras del pintor malagueño, fechadas entre 1906 y 1967, se conformará una pequeña retrospectiva del artista que se podrá contemplar en la Galería Central del edificio Villanueva, en compañía de algunas de las obras maestras del Prado.

El proyecto forma parte de un acuerdo de colaboración global del Kunstmuseum de Basilea con el Museo del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se presentará una selección de obras procedentes del museo suizo.

Avance: @GalElviraGonzal Chema Madoz

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
Del 22 de enero al 18 de marzo de 2015
Más información en www.chemamadoz.comwww.elviragonzalez.es

Sin título © Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2014

La Galería Elvira González acogerá a partir del 22 de enero de 2015 su primera exposición individual del fotógrafo Chema Madoz. Con una larga trayectoria internacional, Madoz fue reconocido en el año 2000 con el Premio Nacional de Fotografía y ha sido protagonista de una de las muestras más destacadas en la edición de este año de Les Rencontres d'Arles (Francia).

La trayectoria de Chema Madoz (Madrid, 1958) comienza en 1990, tras pasar por el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985 y en 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes de Madrid inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus obras.

Sin título © Chema Madoz, VEGAP, Madrid, 2014


Es a partir de los años 90 cuando comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. “Por Madoz sabemos de cuántas vidas diferentes le hubieran podido aguardar a un fósforo o a una escalera si su destino no hubiera sido el de servir finalmente a nuestra necesidad de fuego o de vencer la gravedad”, describe el filósofo e historiador del arte Luis Arenas. “Todos esos mundos de Madoz son mundos improbables, ciertamente, pero no imposibles: ahí están ante nosotros para demostrarnos su realidad”.

A partir de entonces recibe diversos reconocimientos como el Premio Kodak en 1990 y la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto en 1993. La editorial Art-Plus edita en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Y en 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela realiza una exposición individual de su trabajo. Será ese mismo año cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual Objetos 1990 - 1999, que constituyó la primera muestra retrospectiva que este museo dedicaba a un fotógrafo español vivo.

Desde entonces ha expuesto en numerosas galerías y centros de arte a nivel nacional e internacional como la Real Sociedad Fotográfica de Madrid, el Canal de Isabel II, el Centro Pompidou de París, el Netherland Photomuseum de Rotterdam, la Fundazione M. Marangoni de Florencia, el Museo de Bellas Artes de Caracas o el Fotofest de Houston, entre otros muchos.

Su obra está presente en buen número de colecciones públicas y privadas como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Andaluz de la Fotografía, la Fundación Juan March, la Fundación Telefónica, la Fundación Coca-Cola, el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el IVAM, el Ministerio de Cultura, la colección Fotocolectania y el Fine Arts Museum de Houston, entre otros.

Avance: @GaleriaOrfila ”Sol y Sombra” , de Soledad del Pino.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 2 al 24 de enero de 2015.
Más información en www.galeriaorfila.com


”Sol y Sombra” reúne piezas cerámicas pintadas y pinturas en las que se resume un optimismo imaginativo, cuya espontaneidad y frescura deriva de tratarse de objetos domésticos cotidianos como platos o botellas, que la artista, Soledad del Pino, modifica, unas veces en su forma y función con intención poética, otras haciendo que alcancen cualidades casi abstractas y pura autonomía plástica. Una temperatura del color, presente también en sus pinturas, de arraigo mediterráneo, junto a la gracia de sus arabescos, de recuerdo fauve por esa “alegría de vivir” que nos transmite.

Soledad del Pino, arquitecta por la ETSAM, ha desarrollado importantes proyectos en el campo de la arquitectura, algunos de forma vinculada a su labor como pintora, como los murales de la Escuela de Música de Ciudad Real (2007), entre otros, o el diseño y montaje de numerosas exposiciones de arte, fotografía y arquitectura nacionales e internacionales; tal el comisariado de “De lo construido a la arquitectura sin papel”, XI Bienal de Venecia (2008), que suma a sus exposiciones individuales de pintura, como las del Pabellón de Villanueva en el Real Jardín Botánico (2009) o la alicantina Galería D’Art (2012), incluyendo sus piezas de cerámica esmaltada en la realizada en B.D. Edciones de Diseño, Madrid (2013), como ahora en la Galería Orfila.

Inaugurará la exposición el viernes 2 de enero a las 19:30 h., con lo que además de invitarles ese día, la Galería y la pintora, aprovechan para desearles un feliz 2015

lunes, 29 de diciembre de 2014

Avance: #CEART @CulturaFuenla @AytoFuenlabrada Darío Villalba. Noche oscura. Obras en la Colección espíritu - materia.

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala A
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 29 de Enero al 26 de Abril de 2015
Visitas guiadas todos los jueves, sábados y domingos a las 18:00 y 19:00 horas.
Más información en www.ayto-fuenlabrada.es


Esta exposición, comisariada por Alfonso de la Torre, propone una visión retrospectiva de la obra del artista a través de 70 piezas -entre pintura, escultura, fotografía y collage- procedentes de la madrileña Colección espíritu materia. La exposición se inicia con sus emblemáticas esculturas encapsuladas en metacrilato, que supusieron el temprano reconocimiento internacional de su obra, y recorre su trayectoria con una mirada especialmente centrada en ciertos temas recurrentes en el artista, como pueden ser el Enfermo, la Demente, el Niño Metopa, los Náufragos, los Niños Piscina, sus obras matéricas más recientes o las Pinturas Bituminosas negras, a las que el propio artista ha emparentado con la Noche Oscura del místico.

Visita: #Matta #cubo @museothyssen El cubo abierto de Matta.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta baja
Sala 46
Pº del Prado 8
Hasta el 22 de febrero de 2015
Más información en www.museothyssen.org


El cubo abierto de Matta. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Tras haber sido presentada en el Museo en 2011 y expuesta posteriormente en Chile y Alemania, vuelve la instalación del ciclo L'Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante) de Matta, formado por cinco obras del pintor chileno de la colección permanente, para quedarse ya de forma permanente en la sala 46.

En la misma sala se expone esta otra obra de Matta.

Un gran lienzo de fondo, Grandes expectativas; dos en los laterales, El proscrito deslumbrante y El dónde en marea alta; y otros dos colgados del techo, Donde mora la locura A y Donde mora la locura B; dan lugar a lo que Matta denominó cubo abierto.

El cubo abierto de Matta. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Un montaje espectacular con el que el artista pretendía sumergir al público en su universo pictórico, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas. En lugar de situar al espectador frente a la obra de arte como ante una ventana, Matta lo introduce en ella, colocándolo en el centro del cubo como si fuera una de sus seis caras y haciendo, en definitiva, que se sienta poseído por el cuadro. Este montaje reproduce exactamente el modo en que el artista lo presentó por primera vez en la Galerie Alexandre Iolas de París, en 1966.

La visita a la instalación está incluida en la entrada y horarios de las Colecciones Permanentes del Museo.

domingo, 28 de diciembre de 2014

Visita a: @museodelprado Vistas monumentales de ciudades españolas. El pintor romántico Genaro Pérez Villaamil.

Museo del Prado
Sala 60
Calle Ruiz de Alarcón 23 ( pº del Prado).
Hasta el 6 de septiembre de 2015
Más información en www.museodelprado.es

Vistas monumentales de ciudades españolas, Pérez Villaamil, 1833-1839, Museo Nacional del Prado


Se trata de un conjunto inédito, pintado entre 1835 y 1839, formado por 42 vistas pintadas sobre soportes de hojalata organizadas, por el propio artista, en un díptico de hojas simétricas rematadas en sobrias arquivoltas ojivales sobre columnas. Por su concepción y carácter, se trata de un conjunto único en su género en el Romanticismo español.

Díptico con 42 Vistas Monumentales de Ciudades Españolas, Peréz Villaamil. Óleo sobre hojalata y marco neogótico, 178 x 182 cm, Madrid, Museo Nacional del Prado


Las vistas son testimonios excepcionales de su trabajo del natural en la técnica del óleo, que habitualmente utilizaba solo en su estudio. Muestran la habilidad del artista en la representación de exteriores e interiores arquitectónicos algunos de los cuales, ya en ruinas, desaparecerían después. También, la destreza en el trabajo directo al óleo con el pincel sobre la hojalata, con una superposición de capas muy diluidas de pintura y un toque final con pigmentos que resaltan los efectos de la luz sobre las ricas ornamentaciones mudéjares y góticas, los estilos que predominan en las vistas.

Suponen un ensayo de su amplia dedicación posterior a la representación de monumentos, que le llevó a asumir la dirección artística de la España artística y monumental (1842-1850), proyecto editorial para cuyas litografías proporcionó dibujos y acuarelas muy relacionados en sus encuadres con algunas de estas obras, según revelan los ejemplos de los libros en la exposición.

lunes, 22 de diciembre de 2014

Avance: @antonioperezrio #Fotografía #CEART "Lo inevitable" de Antonio Pérez Río

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala C
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 8 al 27 de enero de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.antonioperezrio.es - www.ayto-fuenlabrada.es

"Lo inevitable" de Antonio Pérez Río.

El próximo jueves 8 de enero el Centro de Arte Tomás y Valiente – CEART acogerá la exposición Lo inevitable del fotógrafo Antonio Pérez Río. La muestra, compuesta por 23 textos y 12 fotografías, plasma la fascinación que sintió Pérez Río cuando realizó por primera vez en 2010 un viaje a la región de Gambela en Etiopía. Tal fue el impacto visual que sintió al conocer a sus habitantes que decidió volver dos años después y realizar la serie de retratos que componen Lo inevitable. La exposición, que permanecerá abierta hasta el 27 de enero, ejemplifica varias cuestiones presentes en la obra de Pérez Río: la difícil convivencia entre las minorías y la cultura dominante, las consecuencias de la economía global en los rincones más remotos y la relación entre el hombre y el territorio, en un momento en que ambos están sufriendo una transformación irreversible. Lo inevitable ha sido seleccionado en Descubrimientos PhotoEspaña 2013, PhotoIreland Portfolio’13 y Emergentes DST (Braga, Portugal), además de publicarse en Ojo de Pez y en el British Journal of Photography.

"Lo inevitable" de Antonio Pérez Río.

La exposición, que se aleja de la visión paternalista que se nos ofrece a menudo del continente africano, propone al espectador varios niveles de lectura. Por una parte pretende aumentar la visibilidad de los habitantes de un territorio donde se están realizando reasentamientos forzosos y cesiones masivas de tierra a empresas extranjeras sin la participación de las comunidades locales. Por otra, quiere fomentar la reflexión sobre la identidad de una cultura en un proceso de cambio irreversible, una tensión transformadora que se revela en la distancia existente entre la apariencia y el contexto, entre los deseos y la realidad de sus protagonistas. Por último, desea utilizar la fotografía como reclamo para poner en cuestión la imagen mental que los medios occidentales han ido forjando sobre el continente africano, y sobre un país tan connotado como Etiopía.

"Lo inevitable" de Antonio Pérez Río.


Los proyectos de Pérez Río se caracterizan por intentar profundizar, a través de la palabra y la imagen, en alguna de sus obsesiones como el misterio de la identidad y su lucha por sobrevivir en un mundo globalizado, la construcción de imágenes que abran una grieta en el imaginario heredado del colonialismo, el valor curativo del arte y su capacidad de redención o la ciudad como espacio para generar soledad.

sábado, 20 de diciembre de 2014

Visita a: @CondeDuqueMAD "La artillería y el arte". 250 años de presencia en las artes visuales.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 1
Calle Conde Duque 11
Del 18 de diciembre de 2014 al 1 de febrero de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es


Una relación histórica de complicidad: la artillería española y su reflejo en el arte, desde el Renacimiento hasta nuestros días.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

Mediante una variedad de retratos de diversas épocas, cuadros de batallas, esculturas, modelos y otros documentos gráficos, como carteles, cómics o fotografías antiguas, el espectador puede realizar un recorrido por la imagen que de la artillería española han ofrecido las artes a lo largo de la historia, desde sus orígenes en el Renacimiento, pasando por las pinturas de batallas del siglo XIX, hasta los actuales cuadros hiperrealistas.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

La exposición ofrece la oportunidad de contemplar en Madrid obras procedentes de toda España, raramente accesibles al gran público. Viaja desde la Fundación Botín de Santander la histórica casaca del capitán Velarde, héroe del 2 de mayo; desde Valencia y Barcelona cuadros de batallas de José Cusachs; de Segovia y Madrid, retratos de los reyes; y desde Zaragoza la escultura de Agustina de Aragón de Benlliure.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

Piezas del Museo Lázaro Galdiano, Museo del Romanticismo o Museo del Prado completan la muestra, junto con obras del siglo XIX dedicadas a la Guerra de la Independencia, retratos y esculturas de artilleros célebres, miniaturas, o los modernos lienzos de Augusto Ferrer-Dalmau, pintor de batallas actual.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

La artillería y el arte.
Centro Cultural Conde Duque.

Con esta exposición se cierran las actividades desarrolladas para conmemorar el 250 aniversario de la creación del Real Colegio de Artillería de Segovia, importante centro de difusión de la Ilustración en la España de Carlos III.

miércoles, 17 de diciembre de 2014

"Barcelona", un libro que retrata de forma definitiva la ciudad. @la_fabrica



¿Cuán cosmopolita, elegante, sutil, comprometida e influyente puede ser Barcelona? Cerca de 300 fotografías, desde 1855 hasta la actualidad, dan respuesta a esta pregunta, en un magnífico recorrido que muestra por qué la ciudad proyecta una imagen tan atractiva al mundo. Grandes fotógrafos se dan cita en el libro Barcelona, coeditado por La Fábrica y el Ajuntament de Barcelona, para retratar a la ciudad y a sus ciudadanos, aquellos que vivieron o viven en ella y que han construido la atractiva imagen que proyecta al mundo.

Los mejores fotógrafos han trabajado en Barcelona y todos tienen una mirada particular: desde las imágenes dramáticas de Cartier-Bresson, Chim y Gerda Taro durante la Guerra Civil, pasando por la mirada fresca de Colita y Miserachs y la sofisticación y el glamour de Avedon y Helmut Newton. Barcelona repasa todas las aristas de la ciudad a través de más de 350 páginas en las que se presta especial atención a las primeras fotografías de la ciudad, seleccionadas tras un extenso trabajo de investigación sobre los archivos del Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC), el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB) y el Arxiu Fotogràfic de l’Arxiu Històric del Col.legi d’Arquitectes de Barcelona.

Juan Manuel Castro Prieto, 2006. Casa Pedrera. © Juan Manuel Castro Prieto

Una de las mejores formas de comprender los cambios que ha vivido Barcelona desde el siglo XIX es a través del inmenso legado de imágenes de la ciudad que han dejado fotógrafos reconocidos y ciudadanos anónimos. Barcelona permite adentrarnos en un sinnúmero de aspectos de la ciudad, muchos de ellos ya desaparecidos, otros que cuesta trabajo reconocer debido a las transformaciones urbanas y sociales, a través de un recorrido que muestra tanto la vida cotidiana como los acontecimientos históricos, sociales, culturales y deportivos de los últimos 150 años en Barcelona.

Bernard Plossu 1974. Barcelona. © Bernard Plossu


Estructurado cronológicamente, el libro presta especial atención al pie de foto, Berta Marsé y Javier Velasco aportan a través de sus textos el contexto histórico de la imagen. Cada uno de los seis capítulos recorre un tramo histórico, presentado a partir de un texto que ofrece el contexto histórico correspondiente.

Alexandre Merletti Guaglia, 1920/1930. Multitud bailando sardanas en la plaza de Cataluña. © Alexandre Merletti Guaglia i Colección Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC)


La época comprendida entre 1855/1920 recoge las primeras imágenes de Barcelona y fotografías de Frederic Ballell, Lluís G. Olivella o Antonio Matarranz; la convulsa etapa de 1915/1935, modernizadora, violenta y vibrante, se ilustra con fotografías de Cartier-Bresson, Antoni Arissa, Alexandre Merletti, Adolf Zerkowitz y Pérez de Rozas; las míticas imágenes de Gerda Taro y Chim protagonizan el capítulo dedicado a la Guerra Civil y la inmediata Posguerra mientras que los periodos de 1945/1960 y 1961/1975 están narrados a través de los trabajos de una generación excepcional de fotógrafos: Català-Roca, Joan Colom, Xavier Miserachs, Leopoldo Pomés o Ricard Terré, entre otros. Las fotografías de Joan Camp Permanyer, José María Alguersuari, Jordi Socías o Joan Tomás manifiestan la efervescencia de 1976/1992. Por último, el sexto capítulo del libro, dedicado a la Barcelona de hoy, muestra una ciudad inquieta, imaginativa, bulliciosa, acogedora, abierta y moderna, a través de las imágenes de Rafael Badía, Martin Parr, Juan Manuel Castro Prieto, Mariano Herrera, Txema Salvans, César Lucadamo, Nicolás Lafamour, Jordi Bernadó y Daniel Riera, entre otros.

Más información en www.lafabrica.com

martes, 16 de diciembre de 2014

#Libro #Fotografía @la_fabrica La Fábrica publica la primera gran retrospectiva del fotógrafo guatemalteco Luis González Palma.

Möbius 2013 © Luis González Palma

La Fábrica y el Banco Industrial de Guatemala coeditan un volumen que recorre la evolución artística de uno de los nombres clave de la fotografía latinoamericana: Luis González Palma.

Pocos artistas guatemaltecos han tenido una trayectoria nacional e internacional como suya, presentando una profunda reflexión sobre la mirada artística guatemalteca y su historia desde finales del siglo XX hasta principios del siglo XXI. Este libro, que se publica en un momento histórico de su recorrido artístico, resume su obra desde sus primeros pasos hasta la actualidad y completa su trabajo con textos exclusivos de los comisarios y escritores Laura Catelli, Oliva María Rubio, Francisco Nájera, Christian Viveros-Fauné y Cecilia Fajardo-Hill.

Jerarquías de intimidad / La Anunciación, 20017. Variación 7. © Luis González Palma


A principios de los años noventa, Luis González Palma comenzó a perfilarse como uno de los creadores más interesantes de Latinoamérica. Sus imágenes, híbridos entre la instalación, el objeto y la fotografía, se erigieron como contestatarias, huyendo de la autoridad del trabajo documental. En este libro se dan cita imágenes alteradas y tratadas químicamente con materiales como el oro y la plata en series tan representativas como Lotería, Miradas críticas, Acariciando la angustia, Jerarquías de intimidad, La luz de la mente, Proyecto Necker, o Möbius, entre otras.

El libro se divide en tres capítulos que analizan cronológicamente sendas etapas creativas de la obra de González Palma. En el primero, que cubre la etapa entre 1988 y 2001, se presentan retratos con reminiscencias barrocas a nativos mayaguatemaltecos en los que el artista explora el trauma, el silencio o el sentimiento de pérdidas irreparables e irreversibles, fruto de la violencia sufrida en la historia reciente de su país. Imágenes decadentes en sepia protagonizadas por cautivadoras miradas que suponen la representación artística del mundo indígena.

Jerarquías de intimidad / El encuentro, 2004. En el instante que nada pasaba. © Luis González Palma


«En sus imágenes encontramos esa primera extrañeza en los temas. Como extrañados en el lugar, en el espacio, se hallan los personajes y objetos que pueblan su obra. Figuras oscuras de profundos ojos negros llenos de tristeza y de melancolía, pero también de esperanza, parecían seres extraños, extraterrenales y, sin embargo, estaban anclados en el tiempo, en la historia de un país traspasado por siglos de conquista, guerra y sufrimiento. En sus ojos escrutadores parecían condensar fragmentos de una historia tan lejana como próxima. Objetos solitarios laminados en oro o con betún de judea impregnan sus imágenes de un aire de aparición, entre lo real y lo imaginario, lo vivido y lo soñado.», explica Oliva María Rubio en el volumen.

El segundo capítulo cubre los años comprendidos entre 2002 y 2012, con el artista ya establecido en Córdoba (Argentina). En él se puede ver cómo su obra comienza a transitar por un camino que lo lleva de lo popular a lo íntimo. Los mayaguatemaltecos son sustituidos por ensoñaciones, puestas en escena que enfatizan la incomunicación, el encierro interior y la frustración de la pasión amorosa con una consecuente carga de angustia y de deseo insatisfecho. Dípticos, instalaciones e imágenes alteradas en los que el artista indaga en su tema recurrente: del deseo insatisfecho.

El tercer y último capítulo recoge Möbius, su trabajo más reciente en proceso desde 2013. En Möbius experimenta con la abstracción interviniendo fotografías antiguas y nuevas a través del uso de figuras geométricas y del color que remiten, entre otros, al concretismo y neoconcretismo brasileño.

Sobre el autor
Luis González Palma (Ciudad de Guatemala, 1957) recibió una educación católica en el seno de una familia de una clase media con ciertos privilegios (ladinos), donde pronto comenzaría a interesarse
Luis González de Palma
por el arte. Estudió arquitectura en la Universidad de San Carlos en Guatemala, profesión que interrumpiría por la fotografía. En 1992 viajó a Francia para realizar una residencia en el Cité Internacional des Arts de París y en 1995 realizaría otra en el Centre D´Art Chateaux Bechevelle de Burdeos. A su vuelta a Guatemala, en 1998, cofunda el espacio de arte contemporáneo Colloquia.

En 1999 recibe el Premio PHotoEspaña, que reconoce a grandes fotógrafos contemporáneos. En 2001 marcha a Córdoba (Argentina) donde comienza a trabajar en colaboración con Graciela De Oliveira en varios proyectos. Su obra ha sido expuesta en The Art Institute of Chicago, The Australian Centre for Photography, el Palacio de Bellas Artes de México o The Royal Festival Hall de Londres, entre muchos otros. Ha participado en festivales como Les Rencontres de Arles, el Photofest de Houston, el Festival de Bratislava en Eslovaquia o PHotoEspaña.

Más información en www.lafabrica.com - www.gonzalezpalma.com

lunes, 15 de diciembre de 2014

Presentación: @ComunidadMadrid @FundacionCanal Pablo Genovés, "El ruido y la furia".

Sala Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 17 de diciembre de 2014 al 22 de marzo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural - www.madrid.orgwww.pablogenoves.com

Cosmology, 2013
160X160 cm. Digigraphie sobre papel baritado
© Pablo Genovés

La Comunidad de Madrid presentó hoy la exposición El ruido y la furia, del artista español Pablo Genovés. Está compuesta por 38 obras fotográficas y un vídeo (su primera incursión en este formato) realizado expresamente para esta muestra en la Sala Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125, Madrid), que podrá visitarse desde mañana, hasta el 22 de marzo de 2015.

"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.


La directora general de Bellas Artes, del Libro y de Archivos, Isabel Rosell, fue la encargada de la presentación de esta exposición, comisariada por Alicia Murría. Las fotografías seleccionadas
Alicia Murría, comisaria de la exposición
pertenecen a tres de las series más significativas de su producción entre 2009 y 2014: Precipitados, Cronología del ruido y Antropoceno. Las obras forman un conjunto vivo de temas conceptuales sobre los que el autor continúa trabajando.

Genovés “se apropia” de fotografías realizadas en torno al primer tercio del siglo XX, que recogen imponentes arquitecturas de edificios singulares (palacios, teatros, bibliotecas, iglesias o museos) erigidos en su mayoría en los siglos XVII y XVIII. Las adquiere en mercados de segunda mano y anticuarios de toda Europa para luego combinarlas con otras imágenes mediante técnicas digitales y darles una nueva vida, un nuevo sentido para una nueva historia.

"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

La utilización de estos recursos digitales, que Genovés comenzó a hacer a principios de los años 90, se ha constituido como una de las señas de identidad de su trabajo, permitiéndole construir escenas abiertas a múltiples lecturas.

"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

A menudo introduce fenómenos naturales, como el mar embravecido, ríos desbordados o aguas que ascienden vertiginosas o fuego o humo que irrumpen devastadores. Junto a esta violencia desatada hay imágenes donde la destrucción se apropia lentamente de los espacios. Conviven con ellas otras escenas que parecen mostrar las consecuencias de las catástrofes: el lodo, elementos constructivos de otras edificaciones, viejas tuberías, ruinas de fábricas y muros desconchados que penetran en las regias construcciones para ofrecer los restos de un naufragio o de un terremoto que las ha asolado.


"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

El repertorio de lugares emblemáticos que utiliza en su trabajo simboliza el poder y la autoridad de una Europa que ya no existe. Su mirada se tiñe de cierta melancolía, que alude a la fugacidad de las cosas, a su inconsistencia y fragilidad, y al determinante papel que juegan algunos factores que no se pueden controlar. Y, a la vez, parece señalar cómo la destrucción puede hacer posible la renovación de las ideas y de la relación con el entorno.

"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.

La Comunidad de Madrid ha editado, complementando esta exposición, un catálogo bilingüe (español e inglés), con textos de la comisaria y del crítico de arte Santiago Olmo.

"El ruido y la furia", de Pablo Genovés.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II.


Pablo Genovés

Pablo Genovés
Nacido en Madrid, en 1959, Pablo Genovés se formó en Londres (Photographer´s Club, Camera Work Center of Photography, Camdem Arts Center) y en el Art Students League de Nueva York.

Es uno de los artistas españoles que, a través del medio fotográfico, ha alcanzado una importante proyección internacional y aparece representado en destacadas colecciones privadas y museos de Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. Actualmente vive y desarrolla su trabajo a caballo entre Berlín y Madrid.
Más información en www.pablogenoves.com

domingo, 14 de diciembre de 2014

#FotoPost @PromociondeArte #ArteTabacalera Ciria. Las puertas de Uaset.

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 5 de diciembre de 2014 al 1 de febrero de 2015
Entrada gratuita
Más información en Promoción del Arte - www.josemanuelciria.com


Como de la exposición y su presentación ya os he hablado en post anteriores, éste es solamente para añadir algunas fotografías más de cómo han quedado las obras dentro de un espacio tan especial como es Tabacalera. Mejor verlas en caja de luz, las he subido a una resolución aceptable para monitores más grandes. Espero os gusten y visitéis la expo.