viernes, 27 de febrero de 2015

Visita a Art Madrid 2015

Espacio CentroCentro Cibeles
Galería de Cristal
Calle Montalbán 1
Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015
Más información en www.art-madrid.com - www.centrocentro.org

Para aquellos que no tenéis twitter, os dejo aquí algunas fotos que he colgado allí  (mi cuenta es @fotopaco ) de mi visita de ayer a la feria. Tenéis todo el fin de semana para ir, no lo dejéis pasar que os tocará esperar otro año.
















Todo está muy caro. Declaraciones de mercado. Antonio Caro y Ángela Cuadra.

Espacio Trapézio
Mercado de San Antón
Planta 2ª
Calle Augusto Figueroa 24
Hasta el 12 de abril de 2015.
Más información en www.arcocolombia2015.com - espaciotrapezio.org

TODO ESTÁ MUY CARO, de Antonio Caro.
Espacio Trapézio

Comisariado: María Wills

Espacio Trapézio presenta TODO ESTÁ MUY CARO. Declaraciones de mercado, una exposición de Antonio Caro e intervención de Ángela Cuadra como parte del programa ARCO Colombia en Madrid, una iniciativa del Gobierno de Colombia con motivo de la invitación de Colombia como país invitado en ARCOmadrid 2015.

TODO ESTÁ MUY CARO, de Antonio Caro.
Espacio Trapézio


Llamado pionero del arte conceptual en Colombia, Antonio Caro es más bien una contra-institución; si el museo, el mercado, la historia y la crítica terminan por legitimar y oficializar hasta las propuestas más arriesgadas, Caro ha logrado instrumentalizar, desde un agudo sentido del humor, el entorno artístico (incluida su propia persona), de ahí su constante vigencia. Él mismo declaró a su colega Álvaro Barrios: «cuando me pusieron la etiqueta ‘conceptual’, yo realmente no sabía que era conceptual y me tragué entera la etiqueta y dije: “Bueno me sirve de etiqueta”.

Instalación de Ángela Cuadra.
Mercado de San Antón

La muestra se enmarca dentro del programa expositivo ArcoColombia: Focus Colombia, una iniciativa del Gobierno de Colombia con motivo de la invitación de Colombia como país invitado en ARCOmadrid 2015. La iniciativa se extenderá hasta el próximo mes de abril con un total de 50 actos, entre los que destacan 20 exposiciones que abarcan más de cuatro generaciones de artistas colombianos, como el artista Antonio Caro.

miércoles, 25 de febrero de 2015

Visita a ARCO 2015

IFEMA - Feria de Madrid
Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2014 (días 27, 28 y 1 abierto a público en general).
Más información en www.ifema.es/arcomadrid_01


Os dejo un una galería con imágenes de algunas de las obras que te puedes encontrar en la feria:






















Avance: @museoreinasofia La Colección del Kunstmuseum Basel.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Plantas 1ª y 4ª
Calle Santa Isabel 52
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es - www.kunstmuseumbasel.ch



Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con Kunstmuseum Basel
Comisariado: Bernhard Mendes Bürgi, Nina Zimmer y Manuel Borja-Villel
Coordinación: Gemma Bayón, Beatriz Jordana y María de Prada

En marzo viajarán a Madrid una parte importante de la colección permanente del Kunstmuseum de Basilea y las colecciones privadas Rudolf Staechelin e Im Obersteg.

El Reina Sofía trae 170 obras maestras de los siglos XIX y XX, muchas de ellas nunca exhibidas en España.

Kandinsky, Picasso, Cézanne, Van Gogh, Gris, Giacometti, Klee, Mondrian, Ernst, Rothko, Léger, Munch, Chagall, Gaugin, Renoir, Pissarro, Braque, Manet, Modigliani, Monet, Warhol, Picabia, Andre, Polke, Richter, Johns o Roth son algunos de los artistas presentes en la muestra.




El Museo Reina Sofía ofrecerá al público este año la ocasión irrepetible de contemplar entre el 18 de marzo y el 14 de septiembre una cuidada selección de arte moderno y contemporáneo procedente de la colección del Kunstmuseum de Basilea y dos de las importantes colecciones privadas que alberga también el centro suizo: la Colección Rudolf Staechelin y la Colección Im Obersteg.

La organización de esta muestra ha sido posible gracias al acuerdo alcanzado entre el Museo Reina Sofía y el Kunstmuseum de Basilea coincidiendo con el cierre de este museo para la renovación de sus instalaciones. El conjunto artístico de esta institución helvética está considerado como uno de los más importantes del mundo y algunas de las obras que viajan a Madrid salen por primera vez de Suiza.

La selección de la colección, que podrá verse en la primera planta del edificio Sabatini del Museo Reina Sofía, está compuesta por 106 obras (pinturas, esculturas, collages, fotografías y vídeos) que abarcan desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Estarán representados, entre otros muchos reconocidos artistas, Edvar Munch, Vasili Kandinski, Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Léger, Georges Braque, Le Corbusier, Dubuffet, Alberto Giacometti, Yves Tanguy, Hans Arp, André Masson, Max Ernst, Paul Klee, Piet Mondrian, László Moholy-Nagy, Gerhard Richter, Mark Rothko, Jasper Johns, Andy Warhol, Francis Picabia o Steve McQueen.

Se reúnen obras creadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad y permite explicar gráficamente la evolución del arte durante los últimos 150 años, incluyendo ejemplos de movimientos tan diversos como el simbolismo, el expresionismo, el cubismo, el purismo, la Bauhaus, el Art Brut, el surrealismo, la abstracción, el constructivismo, el minimalismo, el post-expresionismo alemán, la abstracción estadounidense de postguerra o el Pop art. Con motivo de la muestra, el Museo Reina Sofía está preparando un catálogo en castellano e inglés que incluye textos de diversos autores, así como un apéndice documental y obras de la muestra.

En relación a las colecciones Rudolf Staechelin e Im Obersteg, hay que destacar que es la primera vez que se exponen juntas fuera de Basilea.



Unas 60 pinturas, que estarán expuestas en la planta cuarta del edificio Sabatini, brindarán la oportunidad única de ver en Madrid reconocidas obras maestras que nunca han sido exhibidas en España de artistas como Gauguin, Van Gogh, Renoir, Redon, Pissarro, Picasso, Manet, Modigliani, Monet, Cézanne, Chagall, Soutine, Jawlensky o Hodler.

Ambas colecciones poseen una historia compartida y han sido descritas como “colecciones hermanas”. Fueron creadas por dos coleccionistas eminentes y amigos: Rudolf Staechelin (1881-1946) y Karl Im Obersteg (1883-1969). Staechelin comenzó en 1914 a coleccionar arte moderno francés del siglo XIX, mientras que Obersteg se dedicó a adquirir desde 1916 obras maestras modernistas.



Juntas, las dos colecciones ofrecen una perspectiva de la pintura figurativa moderna desde finales del siglo XIX hasta alrededor de 1940. La calidad de las dos colecciones se hace patente a través de obras de Vincent van Gogh como Jardin de Daubigny (1890) o de Pablo Picasso como Buveuse d’Absinthe (1910) y Arlequin au loup (1918), que podrán contemplarse en el Museo Reina Sofía. También estarán presentes tres retratos de personajes judíos que Marc Chagall realizó en 1914 - piezas fundamentales de la colección Im Obersteg- y que sólo han salido de Suiza una vez, en 2013, con motivo de una exposición en Viena.

Los orígenes del Kunstmuseum Basel

El hecho de ser la capital de la imprenta y la importante vida intelectual que albergaba como centro universitario, propiciaron que la ciudad de Basilea concentrara desde el siglo XVI el germen de numerosas colecciones privadas de arte que, en realidad, eran bibliotecas y gabinetes de arte y de curiosidades.

La Colección de Arte de la ciudad de Basilea, abierta al público desde 1662, nació precisamente a partir de una de aquellas colecciones privadas, el Amerbach-Kabinett, un gabinete creado por Basilius II Amerbach (1533-1591) con piezas de su abuelo y de su padre, entre las que se encontraban el legado de Erasmo de Rotterdam, y con adquisiciones como dos retratos de Hans Holbein. Sobre todo creó la colección entre los años 1562 y 1591. El inventario de 1662 enumera más de 50 pinturas, más de 1.800 dibujos, cerca de 4.000 hojas de grabados, una colección de monedas y medallas integrada por más de 2.000 piezas, y más de 4.000 objetos de material de trabajo (herramientas, modelos, vaciados en molde, etc.) sin contar de nuevo los más de 10.000 volúmenes y manuscritos de que constaba la biblioteca. A ello cabía añadir las piezas de orfebrería, así como muestras naturales, diversas curiosidades y pequeñas esculturas.

Al crecer cualitativa y cuantitativamente, el gabinete había comenzado a llamar la atención de aficionados al arte, coleccionistas y marchantes, lo cual significaba que el Amerbach-Kabinett corría el peligro que acecha a casi todas las colecciones privadas de la edad moderna: la venta. Después de que llegara una oferta de compra desde Holanda de más de 9.500 táleros, el Consejo de la ciudad de Basilea decidió en septiembre de 1661 comprar el gabinete y la biblioteca por parte del municipio por 9.000 táleros. De ahí que sea uno de los primeros museos públicos del mundo.

Ya en 1823, al núcleo del fondo del Amberbach-Kabinett, enriquecido con algunas donaciones del Consejo y de donadores privadosen tiempos anteriores, se añadió el Museum Faesch, erigido por Remigius Faesch (1595-1667). De esta manera, además de otras pinturas de Hans Holbein el joven, varias obras importantes de los siglos XV-XVII pasaban a engrosar la colección. Más tarde, el legado de Samuel Birmann (1793-1847), miembro de la Comisión Artística, abrió nuevos márgenes de acción al museo. Gracias a estos recursos, tuvo ocasión de desarrollar una política de adquisiciones propias.

La construcción de un Museo

El comienzo de la construcción de una colección de arte moderno en Basilea suele hacerse coincidir en el tiempo con la compra, en 1939, de 21 obras de “arte degenerado” de autores como Lovis Corinth, Oskar Schlemmer, Oskar Kokoschka o Franz Marc. La historia, sin embargo, arranca un poco antes. De hecho, el gabinete de grabados había ido adquiriendo ya desde los años 20 obras de Paul Klee, Ernst Ludwig Kirchner, Pablo Picasso y otros artistas internacionales.



El departamento de arte moderno ‒como se llamaba entonces‒ del Kunstmuseum Basel se caracterizó a la largo del siglo XX por las ampliaciones debidas a generosas donaciones. Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, la colección experimentó el incremento más importante gracias a las donaciones de Raoul La Roche (1889-1965), que dió en varias fases cerca de la mitad de su vasta colección de obras muy representativas del cubismo y el purismo La donación comprendía en total 90 piezas, con las cuales el Kunstmuseum Basel se convertía en el museo con la colección de arte cubista más importante de Europa y adquiría además un grupo significativo de obras del purismo. La donación comprendía obras de Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque o Fernand Léger.

Marguerite Arp-Hagenbach (1902-1994) es también una de las donadoras más importantes del museo. Su colección, principalmente de arte abstracto, supuso para el museo un gran impulso, tanto cuantitativo como cualitativo. Entre los varios centenares de dibujos y grabados y las cerca de cien pinturas y esculturas figuran numerosas obras capitales que impregnan de manera decisiva el aspecto de la colección del museo, entre las que destacan obras de Hans Arp, Vassily Kandinsky, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Georges Vantongerloo, Henri Laurens, Kurt Schwitters, László Moholy-Nagy, Antoine Pevsner y Joan Miró.

Por otro lado, con motivo de una donación del mecenas basiliense Hans Grether, una cuarta parte del fondo de la Alberto Giacometti-Stiftung - la colección museística más importante de obras del escultor, pintor y dibujante suizo Alberto Giacometti (1901-1966)- se conserva en el Kunstmuseum Basel.



La ampliación de la colección moderna hasta el arte del presente más inmediato se hizo después de la Segunda Guerra Mundial y por deseo, sobre todo, de los directores de la institución. En 1959 se le presentó al Kunstmuseum una oportunidad única para construir la colección de arte contemporáneo: para celebrar los 75 años de su existencia, la Compañía Nacional de Seguros Suiza hizo al museo un regalo especial poniendo a su disposición 100.000 francos para adquirir en Nueva York cuadros de pintores estadounidenses. Ese fue el comienzo para que fueran llegando al museo artistas como Franz Kline, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Andy Warhol, Jasper Johns, Dan Flavin, Donald Judd, Carl Andre, Bruce Naumann, Walter de Maria, Cy Twombly, Jackson Pollock o Robert Rauschenberg.



Desde 2001 se ha dado mucha importancia al desarrollo consecuente de la colección, manteniendo su alto nivel con la inclusión de nuevas técnicas y medios y de las tendencias artísticas más recientes con artistas como Gerhard Richter, Sigmar Polke, Blinky Palermo, Martin Kippenberger, Günter Förg, Wade Guyton, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Wolfgang Tillmans, Boris Mikhailov, Ed Ruscha, Louise Lawler, Richard Prince, Sherrie Levine, Andreas Slominski, Olafur Eliasson, Simon Starling, Gabriel Orozco, Douglas Gordon o Steve McQueen.

Catálogo

Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía está editando un catálogo, tanto en castellano como en inglés, que incluye textos de diversos autores como Nina Zimmer, un apéndice documental y obras de la muestra.

martes, 24 de febrero de 2015

Obra invitada: Sin título, de Doris Salcedo.

Museo Thyssen-Bornemisza
Sala 44
Pº del Prado 8
Hasta el 24 de mayo de 2015
Más información en www.museothyssen.org - www.arcocolombia2015.com



Colombia y su escena artística son los protagonistas de ARCOmadrid 2015. Con tal motivo, el Museo Thyssen-Bornemisza, en colaboración con la Embajada de Colombia, presenta en sus salas y gracias a un préstamo del Banco de la República de Colombia, una obra icónica de la artista plástica Doris Salcedo (Bogotá, 1958). Internacionalmente reconocida, la obra de Salcedo ofrece metáforas acerca de la violencia y sus víctimas anónimas. En ella, los objetos cotidianos se presentan como un testimonio de aquellos que desaparecieron, transformando el arte en una forma de denuncia política y un espacio de memoria.

Por primera vez, el Museo incluye una obra de un artista actual en el espacio de la colección permanente, estableciendo puentes de diálogo entre la colección -compuesta esencialmente por pintura occidental y cuyos ejemplos más tardíos se enmarcan en la década de 1970- y una artista -escultora, mujer y contemporánea- procedente del otro lado del Océano.

“Sin título” (1988-1990) está elaborada con camisas blancas delicadamente dobladas y almidonadas con yeso, apiladas y ensartadas en varas metálicas que se alzan a diferentes alturas, creando un ritmo visual que, en conjunto, produce una imagen turbadora. Una escultura simbólica capaz de conmover y establecer una comunicación con el espectador tanto a nivel físico como espiritual.

“Los escasos elementos, ubicados austeramente, generan un espacio mental, un lugar metafórico que evoca otras imágenes. La síntesis, la sobriedad tienen un nivel de abstracción que decanta el expresionismo implícito en la alusión a la violencia: propician una poética visual que fusiona lo real con lo simbólico. [...] Los gestos someten el abandono, la fría aridez de los elementos a un tratamiento afectivo y crítico y por tanto ambivalente: junta en una sola imagen la dignidad de un ritual de duelo con su fatalidad.” 

Carolina Ponce de León

Salcedo habla en esta instalación del duelo y del conflicto armado de su país. Pero también, como ocurre siempre en sus obras, muestra su deseo de experimentar con objetos cotidianos y de atribuirles nuevos significados. En este sentido, su obra conecta con ciertos artistas, con los que convivirá durante los próximos meses en la sala 44 de la colección permanente, que fueron precursores en el uso de materiales encontrados como, por ejemplo, Kurt Schwitters.

Nacida en Bogotá, Doris Salcedo es una de las artistas colombianas más importantes en la escena contemporánea internacional. Sus obras han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, en la Tate Modern de Londres, en el Centro Pompidou de París, en el Art Institute de Chicago y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, entre otros. En 2010 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas y recientemente le ha sido concedido el Premio Hiroshima del Arte.

Avance: “Dioses, héroes y atletas. La imagen del cuerpo en la Grecia antigua”.

Museo Arqueológico Regional
Plaza de las Bernardas s/n
Alcalá de Henares - Madrid
Marzo / julio de 2015
Más información en www.madrid.org/museoarqueologicoregional

La Comunidad prepara una gran exposición sobre el ideal de la belleza con obras de la antigua Grecia.

· Se podrá ver desde mediados de marzo hasta finales de julio en el museo de la Comunidad de Madrid
· Es una reflexión sobre cómo el desnudo del cuerpo creado en la Antigüedad influye en la actualidad
· Reunirá 95 obras, entre ellas el Kouros de Ptoion, un atleta o “Kiniskos” de Policleto o vasos de Cábiros

Torso de atleta -Policeto


El Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid albergará, a partir de mediados de marzo, la exposición Dioses, héroes y atletas. La imagen del cuerpo en la Grecia antigua, que podrá visitarse hasta finales de julio en Alcalá de Henares.

Comisariada por Carmen Sánchez Fernández e Inmaculada Escobar y organizada junto al Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Grecia), constituye una oportunidad única para profundizar en la imagen del cuerpo en la antigua Grecia y en cómo la invención del desnudo (que constituye uno de los principales legados que nos ha dejado la Antigüedad) se convierte en el germen de todas las posteriores interpretaciones del cuerpo en la tradición occidental, llegando hasta nuestros días.

La muestra revisa de qué manera nuestra cultura ha asimilado aquellas antiguas representaciones de cuerpos desnudos y cómo estas han influido en nuestro actual canon de belleza y fealdad. Reunirá casi un centenar de obras, entre esculturas de mármol, terracotas, relieves, bronces, espejos y vasos cerámicos que abarcan desde el s.VI a.C al I. d.C.

Primera vez que salen de Grecia

Treinta y siete de las piezas expuestas proceden de Grecia y algunas salen de allí por vez primera. Destaca la presencia de obras de enorme valor como el Kouros del santuario de Apolo Ptoios, una estatua de Policleto o una espléndida colección de cerámica griega que abarca desde el periodo geométrico a la técnica de las figuras rojas. Cabe destacar que es la primera vez que un museo español exhibe un Kouros, estatua masculina de gran formato que representa a un joven de la época Arcaica.

La exposición ha sido organizada por el Museo Arqueológico Regionalde la Comunidad de Madrid,el Museo Arqueológico Nacional de Grecia en Atenas, la Comunidad de Madrid y el Ministerio de Cultura, Educación y Asuntos Religiosos de Grecia; y comisariada por Carmen Sánchez Fernández, Jefa del Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid e, Inmaculada Escobar, Jefa del Área de Exposiciones del Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid.

La piezas expuestas han sido prestadas por el Museo Nacional Arqueológico de Grecia, Atenas; Museo Nacional del Prado, Madrid; Museo Arqueológico Nacional, Madrid; Museo Nacional de Escultura, Valladolid; Universidad Complutense de Madrid; Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid; Museo Arqueológico de Tripolis, Grecia; Museo de Jaén; Museo Histórico Municipal de Écija; Centro de Arte 2 de Mayo. También se exponen piezas del propio Museo Arqueológico Regional de la Comunidad de Madrid.

The Pop-Up Royal Academy / The Shop

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Calcografía
Calle Alcalá 13
Del 28 de febrero al 5 de abril de 2015
*Entrada gratuita a esta exposición
Más información en www.realacademiabellasartessanfernando.com - thepopuproyalacademy.org



El viernes 27 de febrero se inaugura The Pop-Up Royal Academy en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. La exposición recoge los trabajos de los artistas e investigadores becados por el Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación en la Real Academia de España en Roma durante la promoción 2013-2014.


Dance Rome - Javier Cardenete


César Espada, comisario de la exposición, proponía el siguiente reto a los becarios: exponer no sólo obra sino también objetos creados por ellos para vender en la tienda de un museo. De esta forma, se les planteó el interrogante de cómo hacer arte a través de un medio no artístico y sobre todo cuando el resultado de los objetos puede ser puramente decorativo o funcional. La exposición es el resultado de este dilema en el que las obras conviven con los objetos de merchandasing que se pueden comprar a la salida de la muestra. Una reflexión sobre el valor del arte, las estructuras del mercado del arte, la unicidad y la autenticidad frente a la mercancía seriada.

The Pop-Up Royal Academy se compone de las obras realizadas por Jesús Herrera, Fernando Renes, Mar Hernández, Isabel Banal, Juancho Arregui, Arturo Franco, Ignacio G. Galán, Javier Rubín, Federico Pazos, Joaquín Secall, Alejandro Izquierdo, Javier Cardenete, Carmen Castañón, Jorge Tomás, Javier Moreno, Jorge Méndez, Aníbal Santaella, Miguel Oriola, Carlos Pazos y Giusseppe Vigolo.

La Famiglia - Joaquin Secall


De la misma forma que sucede con una tienda pop-up, que una semana vende un producto y la siguiente otro, la Real Academia de España en Roma con cada nueva promoción de artistas e investigadores, cambia también la producción de las obras. De aquí surge la idea de crear The Pop-Up Royal Academy, una exposición que plantea preguntas al espectador y le incita a la reflexión sobre las estructuras del mercado del arte y sobre el valor de cada pieza: ¿Vale más una taza creada por un artista que una pintura suya?, ¿es más artística una foto que se encuentra colgada en la sala de un museo que impresa en un plato?. Los objetos de merchandasing, creados por cada uno de los becarios, conviven con sus obras y se muestran en la misma sala de exposición con el fin de hacer sentir al visitante que el estar situados en ese lugar no debería transmitir necesariamente un mensaje superior al que nos puedan transmitir los objetos que encontramos en la tienda.

Entre los objetos que componen The Pop-Up Royal Academy, que además de ver se pueden comprar, se encuentran algunos funcionales y divertidos como platos, tazas, un diseño para tatuaje, una baraja de cartas, una guía muy especial de Roma, una toalla santa, una caja de música, un Tempietto anti stress, un calendario, unas bragas o un visor estereoscópico. Todos ellos conviven y complementan las obras de los artistas e investigadores en las siguientes disciplinas: pintura, grabado, escultura, artes visuales, cómic, arquitectura, restauración, cine, artes escénicas, diseño gráfico, música, NetArt, y estética, teoría, análisis y crítica de las Bellas Artes.