martes, 31 de marzo de 2015

La obra de Sanz Lobato protagoniza el nuevo PHotoBolsillo

La Fábrica presenta un nuevo número de PHotoBolsillo dedicado al fotógrafo Rafael Sanz Lobato, en el prólogo, el fotógrafo Paco Gómez, destaca que a pesar de su extraordinaria obra, Rafael Sanz Lobato ha sido durante mucho tiempo un fotógrafo incomprensiblemente olvidado. El libro presenta 63 imágenes en blanco y negro realizadas entre 1966 y 2007, que ilustran la realidad que le interesó fotografiar y transmitir.

Viernes Santo. Bercianos de Aliste, 1971. Fotografía ©  Rafael Sanz Lobato


Rafael Sanz Lobato
Fotografía © Francisco Posse
Rafael Sanz Lobato, nació en 1932 en Sevilla y pertenece a la generación de fotógrafos de posguerra que a partir de los años 50 dio a nuestro país una producción documental excepcional. Se inició como fotógrafo amateur a los 22 años, cuando consiguió su primera cámara y aprendió de manera autodidacta los secretos del revelado y positivado. En esa época inicia su importante aportación a la fotografía documental, y busca la compañía de otros fotógrafos para compartir con ellos su pasión, primero como miembro de la Real Sociedad Fotográfica (RSF), y después a través de la Colmena (de la que es cofundador), y del Grupo 5.

Su producción, siempre en blanco y negro, cristaliza en tres facetas creativas principales ilustradas en esta publicación: documentalismo social, retrato y bodegón. Su singular obra documental, de extraordinario valor social y antropológico, la desarrolla como amateur los fines de semana, cuando su trabajo se lo permite; entre 1952 y 1972 realiza la mayoría de sus impresionantes series fotográficas cuyo valor documental y pionero para la antropología, se le reconoce cuando recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en el año 2003. Imágenes de esas series antropológicas, como A Rapa das Bestas (Pontevedra, 1970-1975), Bercianos de Aliste (Zamora, 1971), la Caballada de Atienza (Guadalajara, 1970) o Auto Sacramental de Camuñas (Toledo, 1969-1970), se recogen en el libro.

A rapa das bestas. San Lorenzo de Sabucedo, La Estrada, Pontevedra, 1970. Fotografía © Rafael Sanz Lobato


A los 45 años se convierte en fotógrafo profesional, dedicándose en exclusiva durante varios años a la publicidad y a la fotografía por encargo; al cabo de un tiempo, consciente de que ha abandonado la parte creativa personal, decide recuperarla con el apoyo de su amigo Jessi Fernández. Desarrolla así su segunda faceta creativa, centrada en el retrato, que protagonizan entre otros, amigos con los que compartió grupos de fotografía y representantes de las nuevas generaciones, como García Alix o Chema Conesa, ejemplos de unos y otros se recogen también en el la publicación.

Santorcaz, Madrid, 1966. Fotografía © Rafael Sanz Lobato


En su madurez, desarrolla su última faceta creativa, centrada en un tipo peculiar de bodegón; cada obra le lleva cerca de un mes, porque busca y prepara los desechos industriales que ilustra en ellos, y aplica una técnica compleja, que requiere mucha exposición y un revelado muy corto. El último de ellos lo hizo en 2008, cuando los problemas de visión, que finalmente le afectaron a ambos ojos, le obligan a renunciar a la práctica fotográfica. En 2011, Rafael Sanz Lobato recibió el Premio Nacional de Fotografía, galardón que finalmente reconoció el trabajo de un fotógrafo cuya obra permaneció velada durante años.

Más información en www.lafabrica.com

Fernando Sánchez Alonso y José María Prieto Lago. @AyC_fONCE

Sala Cambio de Sentido Fundación ONCE
Calle Recoletos 1
Del 8 de abril al 14 de mayo de 2015
Más información en www.salacambiodesentido.com - www.fernandosanchezalonso.com - José María Prieto Lago



Fernando Sánchez Alonso : La muestra fotográfica de Fernando Sánchez Alonso que exponemos" Expo Gennet " fue galardonada en 2014 con el Premio Nacional “Tiflos” de Periodismo. Año de 1987. La guerra civil desangra Etiopía. Gennet es una de tantas niñas que sobreviven a duras penas en el orfanato de las religiosas de Addis Abeba, en medio de la monotonía carnívora del horror. Pero ella no puede ver aquel espanto fratricida. Solo padecerlo. Porque Gennet no es igual que los demás niños: ella es sorda, es ciega y, además, carece del sentido del olfato. Gennet vivirá en aquel hospicio hasta los siete años, preparándose sin saberlo para su vita nuova. Un día, sin augurios posibles, llegará una española que la redimirá del hambre y del infierno de la guerra. Carmen Corcuera adoptará a Gennet y le ofrecerá una familia en Madrid. Hoy, más de dos décadas después de aquello, Gennet se ha convertido en la primera sordociega que consigue un título universitario en nuestro país. Y ha conocido, además, a otra extranjera salvadora, Alessandra Vadori. Alessandra es el nombre que Gennet le ha puesto a sus propios ojos que no ven, a su propia voz que no habla, a su propio olfato muerto. Las manos de Alessandra son el demiurgo que crea, incansable y cariñoso, el mundo a cada instante para ella. Alessandra es su guía en un mundo que Gennet nunca podrá ver ni oír. Solo tocar.
Y, sin embargo, “la vida es maravillosa”, proclama Gennet con una sonrisa.

Jose Mª Prieto Lago: José María Prieto Lago artista sordociego, nace en Covas (Vivero-Lugo) en el año 1960. En 1975 comienza a frecuentar el taller de Juan Luis Otero, prestigioso escultor vivariense. Este es su primer contacto con lo que llegará a ser el norte de su vida. Los primeros tiempos, pasados en este ámbito casi monástico (digo monástico porque en los claustros de la Iglesia Parroquial de San Francisco se encuentra el taller anteriormente citado), hacen vislumbrar a su maestro las condiciones especiales que este joven posee. En 1979 viaja a Santiago de Compostela, éste será su lugar de residencia durante dos años. Un profesorado y un entorno grato consiguen que los días transcurran sin problemas. En 1983 vuelve a Vivero; la magia de los claustros y su paciente maestro logran, paso a paso, que su aprendizaje se transforme en vena creadora que le absorberá por completo. Desde ese año se dedica, en exclusiva, a la creación escultórica en su estudio de Covas-Vivero. Son numerosas las exposiciones que viene realizando desde entonces, así como los premios de escultura recibidos. Una muestra de ellos son: En 1987 el Segundo Premio de Escultura Concurso “Meigas e Trasgos” en Sarria. El Primer Premio de Escultura “IX EXPOSORD” en Jerez de la Frontera. En 1989 el Segundo Premio de Escultura “XI EXPOSORD” en Almansa, etc.

lunes, 30 de marzo de 2015

Enrique Meneses. La vida de un reportero.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 16 de abril al 26 de julio de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural - www.phe.es 

John Kennedy y Jacqueline Kennedy Onasis
Fotografía © Enrique Meneses


La Comunidad mostrará una amplia selección del reportero español más internacional: Enrique Meneses.

- Siempre provisto de una cámara, fue testigo de sucesos que cambiaron el mundo en la segunda mitad del siglo XX.
- Algunos de los personajes que aparecen son: Kennedy, Pablo Picasso, Martin Luther King, Bob Dylan o Luis Miguel Dominguín.


Fidel Castro a la luz de una vela. Fotografía ©
Enrique Meneses


La Comunidad de Madrid está organizando la exposición Enrique Meneses. La vida de un reportero, que podrá verse en la Sala Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125), desde el 16 de abril, dentro del Festival PHotoEspaña 2015. La muestra, que ha contado con el apoyo de la Fundación Enrique Meneses, forma parte del esfuerzo y dedicación de la Comunidad de Madrid en la recuperación de grandes figuras de la fotografía española.

Enrique Meneses (Madrid 1929-2013) devoró la vida con el afán de estar allá donde podía ocurrir algo digno de ser contado. Su carácter decidido, culto, apasionado y lleno de recursos, le permitió desarrollar el instinto preciso para conseguir ser testigo -siempre provisto de una cámara- de los sucesos que cambiaron el mundo en la segunda mitad del siglo XX, y sobrevivir a ellos, convirtiéndose en el reportero español más internacional. Fotografió lo que presenció, con la genuina intención de obtener una imagen para documentar un hecho. Despreció todo artificio estético y actuó como fotógrafo ausente para no alterar el momento.

Llegó a Egipto en pleno auge nacionalista del nuevo régimen del presidente Nasser; vivió durante cuatro meses la aventura de atravesar África, y contó en primera persona la guerra del Canal de Suez, los inicios de la revolución cubana en Sierra Maestra (fotografiando a unos jóvenes hermanos Castro) y las tensiones de la Guerra Fría personificadas en Kruschev y Kennedy.


Luis Miguel Dominguín charla con Picasso antes de una corrida.
Fotografía © Enrique Meneses

También escuchó el sueño de Martin Luther King y el Blowing in the wind de Bob Dylan en el Lincoln Memorial de Washington. Acompañó el féretro de JFK al cementerio de Arlington y el del Aga Khan al mausoleo de Asuán. Entrevistó al Shah de Persia, a Hussein de Jordania y a innumerables personalidades del mundo de la cultura y el arte.

En julio de 1993, ya enfermo, asistió al cerco de Sarajevo, lo que sería su último trabajo como enviado especial y, posteriormente, continuó su vocación profesional desde su casa, por medio de blogs y con la ayuda de jóvenes colegas.

Objetos personales, 90 fotografías y un audiovisual

Enrique Meneses. La vida de un reportero, comisariada por Chema Conesa, es el resultado de un trabajo de selección sobre el archivo del fotógrafo, custodiado por la Fundación que lleva su nombre. Así, a partir del 16 de abril, la Sala Canal de Isabel II acogerá 90 fotografías en blanco y negro y algunos objetos personales que pertenecieron al reportero. Y, además, se ha realizado específicamente para la exposición, un vídeo explicativo de su vida y obra.

En cuanto a los temas que tendrán un desarrollo más amplio se encuentran: momentos históricos (como Sierra Maestra, Kruschev & Kennedy, el Egipto de Nasser y los Derechos Civiles en Estados Unidos), bodas reales (como la de don Juan Carlos y doña Sofía y la de Balduino y Fabiola de Bélgica o) y retratos de personajes célebres (como Pablo Picasso, Henri Fonda, Peter O’Toole o Luis Miguel Dominguín).

La muestra se acompañará de un catálogo que recoge todas las imágenes de la exposición y cuenta con textos de Gumersindo Lafuente y una cuidada cronología de Enrique Meneses.

sábado, 28 de marzo de 2015

Casita de turrón, de Roberto M. Tondopó.

Casita de turrón, un fotolibro que recoge el delicado trabajo de Roberto M. Tondopó.

Edición de Ana Casas Broda y Roberto M. Tondopó.

Más información en www.lafabrica.com - roberto-tondopo.tumblr.com

Cubierta del libro
Fotografía © Roberto M. Tondopó


El trabajo del fotógrafo mexicano Roberto M. Tondopó es el protagonista del nuevo lanzamiento editorial de La Fábrica, en coedición con Fundación Televisa, Hydra, FONCA Coinversiones, UNICACH y Coneculta-Chiapas. El libro recoge la serie Casita de Turrón, más de 90 fotografías a color protagonizadas por sus sobrinos Andrea y Ángel, y realizadas en su mayoría entre 2009 y 2014 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas.

De la serie "Casita de turrón" © Roberto M. Tondopó


En la serie, el autor explora los tumultuosos capítulos que se viven en el paso de la niñez a la adolescencia buscando la fusión entre la mirada infantil y la perspectiva adulta para llegar a la unión de su imaginario, la lucha por su independencia individual y la construcción de su identidad. Lo hace a través de imágenes de gran colorido que se plasman en un libro lleno de texturas y sensaciones. El fotógrafo recrea escenas que combinan realidad y ficción a través de «una combinación de información directa y enigmas para que la imagen pueda ser el umbral de una historia que espera ser contada» y en ellas busca una implicación emocional.

De la serie "Casita de turrón" © Roberto M. Tondopó


El volumen incluye con un cuadernillo compuesto por una serie de textos realizados por el fotógrafo entre los años 2008 y 2014. Un total de 29 escritos que siguen una composición arbitraria. Estos se suceden en el papel a modo de pequeñas reflexiones y sucesos autobiográficos que nos adentran nuevamente en un mundo entre la niñez y la adolescencia.

Sobre Casita de turrón, por Roberto Tondopó

Casita de turrón es un libro sobre la transición entre infancia y adolescencia de mis sobrinos, Andrea y Ángel. Asentada en la realidad, constituye una ficción narrativa desde la evocación de ese período de transición en el desarrollo de nuestra sexualidad: la pubertad. Mi interés es detonar aquellas partes del inconsciente donde aflora lo reprimido; que toca aspectos de lo siniestro, para abrir el umbral de representación de la imagen que alude toda interpretación y posibilita el misterio, a veces de naturaleza desconcertante. Mi trabajo gira en torno a las mismas obsesiones; constituyen mitos interiorizados, y es ante todo una expiación, en la medida en que surge de una necesidad de restauración de aquellas conexiones profundas entre el pasado y el presente, la fantasía y la memoria.

Sobre el autor

Roberto M. Tondopó
Fotografía © Francisco Posse
Roberto M. Tondopó (Chiapas, México, 1978) estudió en el Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen y es licenciado en Diseño Gráfico. Es docente de fotografía en Gimnasio de Arte Chiapas de México. Su trabajo ha formado parte de exposiciones colectivas en la Galería Kopeikin de Los Ángeles, el Festival Photoville 2012 de Brooklyn, el 9º Paraty Em Foco, el III Foro Latinoamericano de Fotografía de Sao Paulo y PHotoEspaña 2013. Asimismo, fue seleccionado para el Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2011 y para la bienal Photoquai 2013. Miembro del Sistema Nacional de Creadores, ha obtenido la beca del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales (2013) y Jóvenes Creadores 2010-2011 y 2008-2009 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en México; la beca Tierney de Nueva York en 2011 y una mención honorífica en el FotoVisura Grant 2014. Entre otras revistas, sus fotografías se han publicado en The Sunday Times Magazine, GUP, OjodePez, ZoneZero, The Josh, Pic Nic,Tierra Adentro y RARA.

jueves, 26 de marzo de 2015

El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935. @fundacionmarch

Fundación Juan March
Calle Castelló 77
Del 26 de marzo al 28 de junio de 2015
Más información en www.march.es

Jean Dunand. Madame Agnès, 1927. Cortesía Galerie Michel Giraud, París

La exposición El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935, quiere ofrecer la oportunidad de conocer, juzgar y disfrutar del que ha sido llamado "el último estilo total" de la historia: el difícilmente definible art déco.

El "estilo" –o más bien la mezcla de estilos e influencias– que llamamos art déco empezó a desperezarse en París, la entonces capital del arte moderno, alrededor de 1910, en buena parte como reacción contra el art nouveau, que había vuelto al simbolismo del XIX y a la naturaleza como fuente de inspiración de las artes. Los cultivadores del déco tenían la pretensión, moderna por definición, de crear algo nuevo, pero al mismo tiempo concentraron en sus prácticas una enorme variedad de fuentes e influencias, que iban desde los estilos nacionales históricos –en el caso de Francia, los de los siglos XVIII y XIX– hasta las tradiciones vernáculas, pasando por las de otras épocas y otros países como la Grecia arcaica, Egipto, África, México, Japón o China, sin olvidar el influjo ejercido por las primeras vanguardias –en especial el cubismo–, pues como ya había ocurrido con los cultivadores del nouveau, los representantes del nuevo estilo estaban absolutamente al día de las corrientes artísticas más actuales.

La diversidad de fuentes privó al art déco de un cuerpo único de rasgos estilísticos. Desde las flores estilizadas y la importancia de la luz o de las fuentes de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, hasta el Modern Jazz y el Streamline del diseño industrial norteamericano que se impuso entre los años treinta y cincuenta en todo el mundo, al art déco se le puede reconocer cierta unidad por su culto a la calidad, su incorporación de las formas de vida modernas, la celebración de lo nuevo, de la sensualidad juvenil y también del consumo. Además, el déco cultiva como procedimiento generalizado cierta amplificación del detalle y del efecto, la elección de materiales exóticos, la calidad de su factura y un dominio maestro de las técnicas de seducción del gusto del público. Lo que conocemos como art déco fue un estilo moderno, pero alternativo a la vanguardia; significó una modernidad más pragmática y ornamental que utópica y funcionalista, y se convirtió en el gran estilo del deseo y el gusto modernos, tan característicos de las sociedades occidentales y del capitalismo de las primeras décadas siglo XX.

La iniciativa del gobierno francés de celebrar la Exposición de 1925 –originalmente programada para 1916– con el fin de restablecer la primacía internacional de los productos de la industria francesa del lujo, supuso un verdadero trampolín para el art déco. La Exposición acaparó la atención mundial y provocó enseguida la difusión del estilo por todo el mundo. En París, sus principales consumidores fueron las mujeres jóvenes de clase alta aficionadas a la moda y los couturiers que trabajaban para ellas, algo de lo que los espectaculares apartamentos de Jacques Doucet, Suzanne Talbot o Jeanne Lanvin son claros ejemplos.

Puede decirse que el art déco nació en París tras el fin de la Primera Guerra Mundial y se prolongó en el tiempo hasta que las consecuencias del Crack de Wall Street de 1929 se hicieron sentir también en Francia, a partir de 1931. Hacia 1929 comenzaría a abrirse paso en su seno otra sensibilidad, más en tránsito hacia la otra modernidad, que reaccionaba contra el lujo excesivo y la voluptuosidad ornamental de buena parte del primer art déco. En paralelo a un retorno en todo el mundo a cierta austeridad en las artes decorativas y la construcción, un grupo de jóvenes artistas –evolucionados o disidentes del primer déco y miembros de la posterior Union des artistes modernes (UAM) fundada en París en 1929– comenzó a trabajar de un modo más sobrio, utilizando acero y cromo tubular como principales materiales, influenciados por el movimiento moderno que, desarrollado en Holanda y Alemania, en Francia representaba principalmente Le Corbusier, quien había sido el principal antagonista del nuevo estilo ya antes de 1925. Hasta aquí el relato histórico del primer déco, del que esta exposición se ocupa desde un punto de vista muy específico: el de su inclusión en la historia del arte moderno.

La muestra El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935 se organiza en ocho secciones, cronológicas y temáticas, a través de las que se narra un fenómeno tan fascinante como poco conocido. En espacios y ambientes de distinta envergadura, la exposición combina reconstrucciones y recreaciones con casi cuatrocientas piezas de pintura, escultura, mobiliario, moda, joyería, perfumería, cine, arquitectura, vidrio, cerámica, laca y orfebrería, además de tejidos, encuadernaciones, fotografías, dibujos, planos, maquetas, carteles publicitarios y revistas, que testimonian el gusto moderno y el aire de un tiempo tan difícil de captar como presentes en nuestra cultura contemporánea.

A través de esas obras, el relato expositivo comienza buscando los orígenes del déco en el París de la primera década del siglo XX, revisando el cubismo como una de sus fuentes y ofreciendo una panorámica del lujo y la funcionalidad de los interiores franceses de los años veinte. Después, plantea un recorrido por la Exposición Internacional de París de 1925. La muestra es intensa a la hora de exponer los objetos resultantes de los procesos de seducción para el consumo y creación de nuevos hábitos sentimentales, corporales e intelectuales que el déco ejerció sobre la moda, la perfumería, los complementos y los objetos decorativos; la muestra se demora en la presencia de lo exótico en el déco –centrada en la Exposición Colonial de 1931 en París– y llega hasta mediados de los años treinta, cuando la peculiar modernidad del déco se reúne y se mezcla con aquellas nuevas formas –las de Charlotte Perriand, Le Corbusier o Eileen Grey– habitualmente identificadas con la modernidad, de cuya historia el decó, curiosa e injustamente, parece casi no haber formado parte.

miércoles, 25 de marzo de 2015

Presentación: "PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo".

Centro de Arte Dos de Mayo
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 26 de marzo al 4 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en ca2m.org - www.madrid.org/agenda-cultural - www.facebook.com/CulturaComunidadMadrid

Dan Graham
Rock My Religion [Rock mi religión], 1983-84 Vídeo 55 min 27 s
Cortesía de EAI Electronic Arts Intermix


Comisariado: David G. Torres

Entre 1976 y 1978 en Londres y Nueva York surgió como una explosión el Punk: unos cuantos grupos de música agrupados en torno a fancines, tiendas de moda o locales que mostraban oposición frente a los convencionalismos de la industria musical, de la moda y del panorama socio-político haciendo de la negativa, el ruido, la irresponsabilidad y la rapidez su leitmotiv. El Punk surgió como una reacción a la crisis del sueño hippie (un espejo de la crisis de la propia modernidad); enredado en la aparición del terror y el terrorismo como acción política; atenazado por la crisis económica ligada a la gestión de la escasez (el petróleo) que conllevaba el final del sueño en el progreso y una generación abocada al desempleo; todo ello aderezado con un regreso del conservadurismo político que anunciaba la aparición del tacherismo y Reagan. El Punk mostraba un descontento rabioso frente a una situación sin futuro que enseguida prendió y se extendió geográficamente. En España apareció poco después en los grupos incipientes de la movida madrileña y en las zonas más industriales (Euskadi y Cataluña principalmente) con una generación que ya había perdido la ilusión democratizadora de la lucha antifranquista. Pero el Punk es sólo el punto álgido, una explosión en la que se oyen ecos del Dadaísmo o el Situacionismo, de un sentir común, un malestar, descontento, insatisfacción y una rabia que acompaña todo el siglo XX. Una rabia cuyo eco todavía está presente hoy en día.

Hans-Peter Feldmann
5 Pound Bill with Red Nose [Billete de 5 pounds con nariz roja], 2012 7,5 x 14 cm
Cortesía de ProjecteSD, Barcelona


Tanto el Punk como su genealogía y antecedentes han sido analizados y estudiados. En “Rastros de carmín”, el ensayo más significativo e icónico sobre sus repercusiones, Greil Marcus trazaba por primera vez un recorrido por los antecedentes del Punk. Esta exposición pretende hacer el ejercicio inverso: recorrer su influencia en el arte actual, es decir, establecer una genealogía que llegue hasta nuestros días o, tomando una expresión de Greil Marcus, seguir sus rastros hasta el presente. “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” busca hacerse eco de la importante presencia de lo Punk como actitud y como referencia entre muchos creadores. Tanto que quizás esa referencia es el único punto en común entre artistas y obras muy distantes; o tanto como para rastrear el arte contemporáneo como un espacio de disidencia en el que congregar una actitud Punk.

Mabel Palacín
Sniper (de la serie Snapshots), 1988 Mabel Palacín en colaboración con Marc Villaplana Fotografía b&n sobre dibond y enmarcada.
Cortesía de | Courtesy of colección privada, Milán


Aspectos como la insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social parecen intrínsecos a la práctica de muchos artistas. En la exposición el Punk aparece como una referencia explícita en muchos artistas: en el uso de elementos como el ruido, la tipografía de recortes, el anti-diseño y el feísmo; o al incluir referencias musicales explícitas de grupos punk. Pero también se muestra el rastro del Punk como actitud: la negación, la oposición y la destrucción; el hazlo tu mismo; la referencia al miedo y el terror en una sociedad que aliena a los individuos; esa misma alienación que provoca estados psicóticos; la valorización de lo que se sale de la norma; el nihilismo; la crítica al sistema económico y la anarquía; o la reivindicación de la propia libertad sexual, del cuerpo como lugar de batalla.

Tracey Emin
I’ve Got It All [Lo tengo todo], 2000 Fotografía 124 x 109 cm
Cortesía de la artista


El ruido, la negación, la violencia, la destrucción, la alienación, la anarquía, el nihilismo y la sexualidad forman distintas áreas temáticas de la exposición, a las que se suman referencias de grupos, textos, música o algunas obras icónicas. Así refleja la multiplicidad de ideas, aspectos y temas que articulan la actitud Punk en arte contemporáneo. Y, como no podría ser de otra forma, “PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo” es una exposición llena de ruido, explícito pero también en la suma de imágenes y en una voluntad desjerarquizadora de la producción artística contemporánea: mezclando grandes instalaciones, rastros documentales, piezas únicas, múltiples, fotografías, vídeos, pintura. Finalmente como muestra de los antecedentes y de la historia del Punk, la exposición incluye un diagrama que muestra tanto sus orígenes como sus rastros hasta el presente.

ARTISTAS

Carlos Aires, Martin Arnold, Fabienne Audeoud, Bill Balaskas, Jean-Michel Basquiat, Laurent P. Berger, Chris Burden, Tony Cokes, Jordi Colomer, Brice Dellsperger, Christoph Draeger, Jimmie Durham, Tracey Emin, Mario Espliego, Ant Farm, Hans-Peter Feldmann, Claire Fontaine, Chiara Fumai, Iñaki Garmendia, Kendell Geers, Gelitin, Nan Goldin, Douglas Gordon, Dan Graham, Eulàlia Grau, Guerrilla Girls, Johan Grimonprez, Antoni Hervas, Mike Kelley, Martin Kippenberger, João Louro, Christian Marclay, Raúl Martínez, Raisa Maudit, Paul McCarthy, Jonathan Messe, Jordi Mitjá, Joan Morey, Janis E. Müller, Matt Mullican, Itziar Okariz, João Onofre, Antonio Ortega, Tony Oursler, Mabel Palacín, Juan Pérez Aguirregoikoa, Raymond Pettibon, Maria Pratts, Tere Recarens, Jamie Reid, Tim Reinecke, Martín Rico, Aida Ruilova, Pepo Salazar, Santiago Sierra, Federico Solmi, Natascha Stellmach, Gavin Turk y VALIE EXPORT.

martes, 24 de marzo de 2015

Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución.

Sala de Exposiciones El Águila
Calle Ramírez Prado 3
Del 25 de marzo al 31 de mayo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org



Entre el 24 de marzo y el 31 de mayo, la madrileña sala 'El Águila' acogerá la exposición Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución, organizada por la Comunidad de Madrud en torno a la figura del pensador y político español del siglo XIX Juan Donoso Cortés.

Bajo el nombre Donoso Cortés: el reto del liberalismo y la revolución, la Comunidad de Madrid realizará una exposición sobre la figura de Juan Donoso Cortés, el pensador y político español del siglo XIX que mayor repercusión alcanzó en Europa. La muestra tendrá lugar en la Sala ‘El Águila’ del 24 de marzo al 31 de mayo y está comisariada por el catedrático de Historia Contemporánea de la Universidad de Cantabria, Carlos Dardé.

Dividida en cuatro grandes apartados, la exposición repasa la vida y la obra de Donoso Cortés, en relación a las circunstancias históricas y políticas que le tocó vivir. El primer apartado aborda el final del reinado de Fernando VII y el conflicto sucesorio que dio origen a la guerra carlista. El segundo hace un recorrido por la regencia de María Cristina de Borbón (1833-1840) durante la que tuvo lugar la implantación del régimen liberal en España. El tercero trata la regencia de Espartero (1840-1843) y la preponderancia del Partido Progresista. Y, por último, el cuarto apartado muestra la primera época del reinado de Isabel II, la llamada década moderada (1844-1854).

El recorrido finaliza con una selección de los libros que muestran la continua atención que se ha mostrado hacia la figura de Donoso Cortés tanto en España como en el mundo. Su obra conoció una segunda juventud en la primera mitad del siglo XX, tras la implantación de los totalitarismos y los millones de muertos causados por las guerras mundiales, que parecían confirmar los peores pronósticos de Donoso acerca de la capacidad ilimitada para el mal del ser humano. En la actualidad, Donoso Cortés es apreciado más por la inteligencia con que analizó la sociedad de su época y la fuerza de su escritura, que por su labor política o por las soluciones que propuso.

lunes, 23 de marzo de 2015

Avance: Suso33 On line. Una retrospectiva.

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala A
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 7 de mayo al 26 de julio de 2015.
Entrada gratuia
Más información en www.suso33.com - www.ayto-fuenlabrada.es

Suso33
Fotografía © Francisco Posse


Primera muestra antológica dedicada al artista SUSO33 (Madrid, 1973).

Figura internacional del arte urbano, hace tiempo que desbordó estos orígenes con una originalísima obra que se expresa en diversas disciplinas: pintura, acción, video y artes escénicas.

Suso33
Fotografía © Francisco Posse


SUSO33 entiende el proceso creativo como un compromiso ético con el entorno, las personas y sus problemáticas (Arte Humano), y no como una fábrica de objetos artísticos para el mercado; de ahí que la muestra se plantee como una experiencia sensorial para el visitante.

La exposición, comisariada por Susana Blas, recorre tres décadas de carrera, desde sus comienzos cmo escritor de grafitti hasta sus espectaculares proyectos escénicos.

Entre sus temáticas destacan la necesidad de crear desde el cuerpo y la emoción, y la crítica a la injusticia social.

La nueve fotografía es la protagonista de OjodePez #40



OjodePez #40 va más allá de la mera apariencia de las fotografías y se cuestiona el tratamiento de la verdad en las imágenesde la mano del fotoeditor Jörg M. Colberg.
El fotógrafo americano plantea la división que está viviendo la fotografía. Aspectos como su credibilidad o proliferación desde manos no profesionalizadas son motivo de disputa para muchos profesionales del sector. A partir de dicho planteamiento «se llega al talón de Aquiles de la fotografía: cómo puede contarse la verdad con imágenes. (…) todos nos hemos dado cuenta, seguramente, de que hay bastantes áreas en las que resulta esencial que las fotografías transmitan la verdad, o acaso, como mínimo, una verdad» en palabras de Colberg.

Componen el dossier:

-Andrew Hammermand que muestra en The new town, cómo las nuevas tecnologías de videovigilancia on line pueden convertirse en un método perverso de manipulación y control.

-Viktoria Binschtok pone en jaque al programa Google Street View que permite acceder a la cotidianeidad de casi cualquier calle, pero que no es capaz de verlo todo.

-Arwed Messmer se traslada hasta la Berlín de la Antigua Stasi para recuperar los archivos en los que miles de fotografías de personas que intentaron cruzar el muro de Berlín aún se guardan.

-Ciudades modelos es el motivo que llena las fotografías de Jim Goldberg a través de lo cual reflexiona sobre esas geografías urbanas en las que la realidad también se construye y se imagina.

Fotografía © Jim Goldberg
Esquina entre U.S. 1 y el bulevar Ella T. Grasso, New Haven, Conneticut, 2014


-Melissa Catanese transforma imágenes domésticas en proyecciones oníricas y poéticas de nosotros mismos bajo el título: Dive dark, dream slow.

-Petra Stavast cuenta la historia de Ramya a través de las fotografías. «Tal vez estas imágenes no cuenten la verdad, pero cuentan una historia de la verdad».

-Las cámaras de vigilancia forman parte del paisaje de las ciudades de todo el mundo. Están tan mimetizadas con el entorno que ya nadie repara en ellas. Las fotografías de Jens Sundheim recuerdan su presencia.

La sección Portfolio recoge una selección de imágenes de fotógrafos que han presentado sus trabajos para participar en los visionados de portfolios organizados por PHotoEspaña en Madrid y Latinoamérica. En este número, OjodePez destaca los trabajos de:
-Marco Antonio Filho, que recupera los escenarios de su juventud;

-Pedro Silveira, quien trata de reconstruir una parte de la historia cultural de los descendientes de eslavos en Brasil;

-Karina Muench, habla sobre la violencia doméstica en Bolivia;

-Constanza de Rogatis, sobre la memoria entre los miembros de su familia;

-Pablo Dondero, con un proyecto sobre el deporte como medio de rehabilitación y reiserción social;

-Gustavo Lacerda, resalta la belleza de los albinos y trata de llamar la atención sobre estas personas que suelen vivir en los márgenes de la sociedad.

La revista publica un trabajo in progress de Sian Davey en el que plantea una serie de fotografías como un ejemplo de vida familiar, con sus tensiones, alegrías y altibajos.Buscando a Alice muestra que las historias pueden variar, pero las emociones son las mismas en todas las familias.

Fotografía © Mar Saez
Vera y Victoria


Por último, este número de OjodePez estrena sección. Highlight incluirá trabajos de premiados o destacados por algún motivo. La murciana Mar Sáez (Murcia, 1983) será quien inaugure la sección. En su obra son constantes las cuestiones de identidad, feminidad y valores socio-culturales. 

Más información en www.ojodepez.org

domingo, 22 de marzo de 2015

Jim Campbell. Ritmos de luz.

Espacio Fundación Telefónica
Planta 3ª
Calle Fuencarral 3
Del 1 de abril al 28 de junio de 2015.
Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com

Home Movies, Jim Campbell (2014) © Cortesía del artista.


Movimiento, baja resolución, luz y abstracción, percepción, espacio y memoria invaden la exposición ‘Jim Campbell. Ritmos de Luz‘, es la primera antológica en España del trabajo de uno de los artistas más innovadores y reconocidos en el campo de la experimentación lumínica. Artista e ingeniero electrónico norteamericano es uno de los pioneros en el uso de la tecnología lumínica de los LEDs para desarrollar instalaciones interactivas de gran valor artístico.

Coincidiendo con el Año Internacional de la Luz en 2015, el Espacio Fundación Telefónica expone el trabajo de Jim Campbell, 27 obras basadas en una combinación de técnicas de videoarte y luz que proyecta en soportes de reproducción comunes como LEDs, LCDs y monitores o pantallas de televisión. A través de la manipulación de la electrónica y la informática, el artista nos aproxima al mundo de las videoinstalaciones y esculturas de luz de gran belleza visual. Esferas de leds, pixeles, video proyectores, frames, circuitos electrónicos y fotografías pixeladas, que producen imágenes evocadoras y provocadoras que retan al visitante cuestionando su capacidad de percepción.

La muestra, realizada en colaboración con el Dundee Contemporary Arts de Escocia, incluye además de algunas de sus obras más representativas sus últimas creaciones, como Light Topography (Jane’sPool), donde crea a través de LEDs un relieve topográfico en baja resolución de nadadores que evoca el movimiento de las olas y la profundidad de los mares o Blur, un panel de LEDs que muestra el vídeo sin editar a una resolución mínima de una escena de las calles de Nueva York.

En la exposición destaca la instalación Last Day in the Beginning of March, una pieza de 26 bombillas que recrea el último día en la vida del hermano del artista. Y Exploded View, una constelación en 3D de más de 1.000 bombillas que muestra el patrón de los desplazamientos de trabajadores o la serie Home Movies 1040, donde el artista, a través de una sucesión de fotogramas a muy baja resolución de vídeos caseros obtenidos en EBay en una pantalla de Led’s son ejemplos de obras de baja resolución.

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sábado, 21 de marzo de 2015

La imagen y el objeto. Chema Madoz. Conferencia.

Círculo de Bellas Artes
Sala Ramón Gómez de la Serna
Planta 5ª
Calle Alcalá 42
Miércoles 25 de marzo a las 19:30 horas
*Acceso libre hasta completar aforo.
Más información en www.circulobellasartes.com - www.chemamadoz.com - surescuela.com

Fotografía © Chema Madoz


SUR, Escuela de Profesiones Artísticas y ACCIONA convocan una nueva cita dentro del programa de clases magistrales de la Cátedra ACCIONA, que mensualmente imparte un profesor invitado de prestigio internacional. Cada uno de estos profesionales comparte su experiencia en dos sesiones, una en exclusiva con los alumnos de la escuela y otra abierta al público en general.

Chema Madoz es el próximo invitado de la Cátedra ACCIONA, que tendrá lugar el miércoles 25 de marzo a las 19.30 horas en la Sala Ramón Gómez de la Serna del Círculo de Bellas Artes de Madrid. La master class de Madoz, abierta al público, estará centrada en su obra o, como afirma el filósofo e historiador del arte Luis Arenas, en sus «mundos improbables, ciertamente, pero no imposibles: ahí están ante nosotros para demostrarnos su realidad».

La imagen y el objeto es el nombre con el que Madoz ha titulado su intervención. En ella recorrerá la evolución que ha vivido su trabajo artístico a través de diferentes proyecciones del mismo. Una evolución que marca el cambio de las claves a la hora de hacer fotografía «mientras se va incorporando a las imágenes un vocabulario que tiene procedencias tan distintas como el diseño, la instalación, la pintura, la escultura o la propia poesía» dice el fotógrafo español.

Organiza: Escuela Sur

Fernando Vicente. Universos.

Museo ABC de Dibujo e Ilustración
Planta 1ª
Calle Amaniel 29 - 31
Hasta el 10 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información en museo.abc.es - www.fernandovicente.es

Fernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Sumergirse en el trabajo de Fernando Vicente, uno de los ilustradores de referencia de nuestro país, es la propuesta del Museo ABC, que presenta una gran retrospectiva de su obra. Fernando Vicente. Universos cuenta con casi 200 piezas que han marcado la historia visual reciente de nuestro país.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Fernando Vicente (Madrid, 1963) se caracteriza por contar historias en cada uno de sus dibujos. Todos ellos rebosantes de elegancia, en ocasiones de glamour, pero fundamentalmente bellos. Vicente es, ante todo, un narrador capaz de penetrar en el alma del personaje retratado. En su dibujo cabe el realismo, como en una foto, pero también los sentimientos y la psicología del protagonista de la imagen.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Tras más de 50 exposiciones, la muestra que ahora acoge el Museo ABC es una gran recopilación de algunas de sus obras más representativas. Un recorrido por más de tres décadas de trabajo de una de las figuras imprescindibles en el panorama creativo actual.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Compuesta por dos centenares de obras originales, propiedad del artista, la exposición recoge una gran cantidad de retratos de personajes célebres e ilustraciones para libros clásicos (Kafka, Jane Austen, Arthur Conan Doyle…).

El recorrido se inicia con una mirada sobre los años 80. Los comienzos de Fernando Vicente. Allí nos encontramos con pósters de la época, portadas de discos y muestras de las revistas Madriz y La Luna de Madrid. Continúa con su trabajo para la prensa, tanto cultural como de opinión, seguido de revistas y portadas, tanto nacionales como extranjeras.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


En el apartado de libros, la muestra reúne portadas de ediciones para adultos, pero también libros infantiles y algún álbum ilustrado.

Vicente tiene también una estrecha relación con el mundo de la moda. En la muestra se plasma a través de las ilustraciones hechas para las principales revistas de moda de nuestro país, tanto masculinas como femeninas.

ernando Vicente. Universos.
Museo ABC de Dibujo e Ilustración.


Su pasión por el mundo “Pin-Up” le ha llevado a trabajar en varios libros, barajas de póker y colaboraciones con otras publicaciones generalistas.

Esta exposición contará también con varias series de retratos de personajes conocidos. Principalmente escritores.

viernes, 20 de marzo de 2015

Paisaje humano. Pinturas y esculturas de Lucie Geffré.

Casa de la Cultura de Olmeda de las Fuentes
Sala EMO
Calle Mayor 26
Olmeda de las Fuentes - Madrid
Del 21 de marzo al 24 de mayo de 2015.
Más información en www.luciegeffre.com - olmedadelasfuentes.es


“El regreso y la nostalgia”, de Elina Brotherus.

Galería Cámara Oscura
Calle Alameda 16
Hasta el 23 de mayo de 2015 
*la exposición se puede visitar desde el pasado 20 de febrero.
Más información en www.camaraoscura.net - www.elinabrotherus.com - www.a3bandas.org

Revenue, 12 ans a prés. 2011.
Fotografía © Elina Brotherus

El próximo sábado 11 de abril se inaugura en la galería camara oscura la exposición individual de la reconocida fotógrafa finlandesa Elina Brotherus en un proyecto comisariado por Juan José Santos, y en el marco de la quinta edición del proyecto “a3bandas” impulsado por más de 20 galerías y comisarios, y 120 artistas en Madrid.

En 1999 una organización europea que promueve a artistas emergentes -Pépinières européennes pour jeunes artistes- invitó a Elina Brotherus como artista en residencia en el Musée Nicéphore Niépce en Chalon-sur-Saône, Francia. Elina realizó una serie de fotografías -“Suites Françaises”- que plasmaban su interés hacía la fotografía de paisaje y el autorretrato, así como imágenes de su habitación en el hostal en el que se alojaba.

Aparecen diversos post-it, notas en las que escribía palabras en francés con la intención de familiarizarse con ese idioma que desconocía. “El lenguaje hace que el pensamiento sea posible”, comenta la artista. Durante su residencia francesa, Elina Brotherus aprendió dos lenguajes: el francés, y el fotográfico como vía de autoconocimiento.

En 2011 fue de nuevo invitada como docente a la misma localidad, Chalon-surSaône. Insistió en alojarse en el mismo hostal donde estuvo 12 años antes para realizar su nueva serie “12 ans après”:

“Me dí cuenta de que cumplir los cuarenta es algo más importante de lo que yo pensaba. Han ocurrido toda una serie de cosas irreversibles. Así que sentí la necesidad de hacerme una composición de lugar: mirar lo que soy ahora, de donde vengo, qué me ha ocurrido desde aquellos años llenos de esperanzas, y también lo que no ha ocurrido. Desde mi residencia en Chalon en 1999 en la que tuve que lidiar con mi vida y mis experiencias como artista joven, me parecía lógico volver al mismo lugar en el que, doce años después en los que he estado haciendo otras cosas, me planteaba una aproximación autobiográfica.”

jueves, 19 de marzo de 2015

Ackling - Long - Schlosser

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
*Inauguración 24 de marzo de 2015
Más información en www.galeriaelviragonzalez.com

Münsterland Stones. Richard Long, 2008


El tiempo atravesando el espacio…

La exposición que se inaugura el 24 de marzo en la galería Elvira González reúne la obra de tres artistas cuyo denominador común es el trabajo motivado por su relación directa con la naturaleza y realizado casi siempre a raíz de una gran paseo por el campo.

Como el propio Richard Long escribe, se trata de “art made by walking in landscapes”, arte hecho a base de andar en el paisaje.

Voewood. Roger Ackling, 2012
Roger Ackling (Isleworth, Londres 1947 – Norfolk 2014) vivió y realizó gran parte de su trabajo en Inglaterra. Viajó por todo el mundo, Japón, Islandia, Estados Unidos… En 1979 comienza a utilizar madera encontrada en sus paseos y a quemarla con la luz del sol utilizando una lente que tuesta la madera y con la que realiza un dibujo, de ahí que la descripción técnica de su obra según el propio artista es “luz del sol sobre madera”.


Otra descripción que hace Richard Long (Bristol, 1945) de su propio trabajo es “art about mobility, lightness and freedom”, arte del movimiento, ligereza y libertad. La obra de Richard Long recoge sus caminatas por los paisajes más remotos, algunos de estos paseos de juventud junto con Roger Ackling. En estos paseos recoge material y es la acumulación de piedra, material que desde la
Copo de nieve. Adolf Schlosser, 1980
época romana se utiliza para hacer caminos, piedras que rememoran la ruta seguida, una de las señas de identidad del trabajo de Long y que supone una de las referencias más importantes para los artistas del land art.


Adolfo Schlosser (Leitersdorf 1939 – Bustarviejo 2004) es, según describe Francisco Calvo Serraller en el texto del catálogo de la exposición antológica en el Museo Reina Sofía de Madrid en el 2006, “un peregrino artístico que marcha a su aire y se refugia siempre en lugares agrestes, cuevas, cabañas… es en la cabaña-taller donde Schlosser encuentra la forma de relacionarse con la naturaleza, de concentrarse en ella a través de ella”. Piel de cabra, cera de abeja, rama de abedul, adobe, algas… estos son los materiales que utiliza el artista para realizar las esculturas que pueden verse en la exposición.

miércoles, 18 de marzo de 2015

El Museo Thyssen participa en #MuseumWeek 2015



Por segundo año, desde el perfil en Twitter @museothyssen, así como desde @EducaThyssen y @RestauraThyssen, se contarán algunos secretos, ciertas curiosidades y muchas informaciones interesantes durante la segunda edición de #MuseumWeek.

Arrancaremos el lunes 23 con la presencia en nuestras salas del youtuber @chincheto77, que mostrará el Museo a través de su particular mirada y que conversará con el director artístico @guillermosolana. Y a partir de ahí, un repaso diario (hasta el domingo 29) de #secretosMW, #recuerdosMW, #arquitecturaMW, #inspiraciónMW, #familiaMW, #favoritosMW y #posesMW.

Más información en museumweek2015.org

Visita: 10 Picassos del Kunstmuseum Basel.

Museo del Prado
Galería central
Edificio Villanueva
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Hasta el 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museodelprado.es

10 Picassos del Kunstmuseum Basel.
Museo del Prado, Madrid.

Esta muestra es un magnífico complemento a las dos grandes exposiciones que la Colección Kunstmuseum Basel presentó el pasado lunes en el Museo Reina Sofía:
Fuego Blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel y Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin.
Os dejo la nota informativa e imágenes de algunos cuadros en el museo. En la web del Prado encontraréis información detalladas de las obras y actividades paralelas a la exposición.

10 Picassos del Kunstmuseum Basel.
Museo del Prado, Madrid.

Durante la primavera y el verano de 2015, el Museo va a presentar diez obras maestras de Pablo Picasso pertenecientes a la colección del Kunstmuseum de Basilea, durante el período en que se llevan a cabo reformas en su sede. A través de las diez obras del pintor malagueño, fechadas entre 1906 y 1967, se conformará una pequeña retrospectiva del artista que se podrá contemplar en la Galería Central del edificio Villanueva, en compañía de algunas de las obras maestras del Prado.

10 Picassos del Kunstmuseum Basel.
Museo del Prado, Madrid.

El proyecto forma parte de un acuerdo de colaboración global del Kunstmuseum de Basilea con el Museo del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde también se presentará una selección de obras procedentes del museo suizo.

El río vertical. Madrid antes y después del Canal de Isabel II.

Fundación Canal
Depósito elevado de Plaza de Castilla
Del 21 de marzo al 3 de mayo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.fundacioncanal.com



Para celebrar el Día Mundial del Agua la Fundación Canal organiza una divertida exposición que muestra cómo en 1858 el acceso al agua transformó Madrid, y cómo el Canal de Isabel II lleva más de 160 años contribuyendo de forma decisiva a su modernización y a la mejora de la calidad de vida de sus habitantes.

A través de 15 grandes escenas realizadas en plastilina, acompañadas de textos explicativos, el visitante conocerá cómo vivían los madrileños antes de la creación del Canal, y cómo el acceso al agua de calidad y en cantidad cambió drásticamente su situación. Desde el ¡Agua va! que se escuchaba en las calles de la ciudad en el s. XVII hasta los 11.000 km de la actual red de saneamiento, o desde los aguadores en las fuentes hasta la avanzada tecnología que convierten hoy al Canal en un referente mundial en la gestión del el ciclo integral del agua y en el principal productor de energía limpia de la Comunidad de Madrid.

Trabajadísimas maquetas dan vida a la construcción de la presa del Pontón de la Oliva; a operarios de 1856 trabajando en las primeras alcantarillas eficientes de un Madrid que empezaba a modernizarse; a la Reina Isabel II y Juan Bravo Murillo inaugurando la traída de aguas del Lozoya a la calle San Bernardo...

En éstos y en otros momentos se podrá sumergir el público a través de este fascinante recorrido que evidencia cómo el agua, a través del Canal de Isabel II fue, ha sido y será un elemento clave en el proceso de modernización de Madrid, haciendo posible el crecimiento de sus ciudades, de su población, de su comercio e industria y, en definitiva, mejorando la calidad de vida de los madrileños.

martes, 17 de marzo de 2015

Nicolás de Lekuona

Galería Guillermo de Osma
Calle Claudio Coello 4
Del 9 de abril al 9 de mayo de 2015
Más información en www.guillermodeosma.com - www.nicolasdelekuona.org

Cabeza amputada (autorretrato). Nicolás de Lekuona, 1937

La Galería Guillermo de Osma presenta una exposición del artista Nicolás de Lekuona (1913-1937), fallecido con tan solo 24 años durante la Guerra Civil. Se mostrarán alrededor a 60 obras donde además de óleos, dibujos, collages, se expondrán fotografías y fotomontajes que la familia pone a la venta por primera vez.

Futbolistas, extremidades y reloj. Nicolás de Lekuona, 1935


Nicolás de Lekuona nace en la localidad guipuzcoana de Villafranca de Ordizia en 1913, y desde muy joven empezó a interesarse por el arte más moderno, relacionándose con artistas como Jorge Oteiza, con quien compartió una gran amistad. En 1932 se trasladó para realizar estudios de aparejador a Madrid, donde se introdujo en el ambiente cultural, conociendo a Ramón Gómez de la Serna, Concha Espina y al crítico Manuel Abril. Durante este periodo comenzó a participar en exposiciones colectivas obteniendo el segundo premio en la Exposición de Artistas Noveles Guipuzcoanos de 1933. En 1934 presentó sus fotografías junto a las esculturas de Jorge Oteiza y las pinturas de Narciso Balenciaga en la exposición presentada en el Kursaal de San Sebastián, figuras con las que formó un frente de artistas de vanguardia vascos. En 1935 terminó sus estudios y comenzó a trabajar con el arquitecto Florencio Mocoroa, realizando viviendas funcionales muy cercanas a la arquitectura del GATEPAC. Falleció a la temprana edad de 24 años en la Guerra Civil durante los bombardeos de Furniz (Vizcaya). Su obra quedó olvidada y recientemente ha sido rescatada en importantes exposiciones colectivas e individuales, destacando las antológicas realizadas en 1982 y 1983 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao o la de 2003-2004 en el Museo Artium de Vitoria, que luego viajó al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

La experta Adelina Moya afirma que la obra de Lekuona es “tan diversa como breve en su tiempo de realización”. Su producción artística, que comprende fotografía, fotomontajes, pintura, dibujos y collages, son fruto de una mente abierta y libre, siempre experimentando en estos diversos campos. Su prematura muerte nos dejó un escueto corpus, compuesto en gran parte por pinturas y dibujos que se alejan voluntariamente de la pintura vasca del momento para adentrarse en las proposiciones más modernas e internacionales que le llegan de la mano de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Maruja Mallo o José Moreno Villa, cuyas obras debió ver en Madrid.

Es una pintura valiente y original. Sin embargo, por encima de todo hay que señalar su producción fotográfica y sus fotocollages, que por primera vez la familia pone a la venta. Pese a su juventud y su breve carrera, la fotografía de Lekuona destaca sobre la del resto de fotógrafos españoles de la época por su modernidad y singularidad. Los escorzos, encuadres cenitales, picados, composición de objetos, juegos de texturas de sus fotografías están cerca de lo que hacía Ródchenko, Moholy-Nagy y la Bauhaus.

Por otro lado, sus escasos fotocollages y fotomontajes están considerados entre los ejemplos más descables de esta disciplina a nivel internacional. Recorta fotografías de deportistas, bailarinas, nadadoras, desnudos femeninos, piernas, brazos, animales, arquitecturas, y las pega creando composiciones de gran originalidad. Lekuona sigue la tradición collagista iniciada por el dadaísmo y continuada por el surrealismo, pero sus fotomontajes poseen una carga poética y una extraña belleza que les hacen destacar del resto.

Con motivo de la exposición la Galería Guillermo de Osma editará un catálogo con textos del experto Ismael Manterota, donde se recogerán todas las obras que componen la muestra.

Exposiciones que ver en Madrid durante el puente de San José y Semana Santa.

En el post de hoy os quiero recomendar aquellas exposiciones que he visto en los últimos meses y que se podrán visitar durante el puente de San José y la Semana Santa. Espero que mi selección os ayude, porque hay muchísimas cosas que ver estos días en Madrid.

Fuego blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel.

Fuego blanco. La colección moderna del Kunstmuseum Basel.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Plana 1ª
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es

Coleccionismo y Modernidad. Dos casos de estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin.

Coleccionismo y Modernidad.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS ).
Edificio Sabatini
Planta 4ª
Calle Infanta Isabel 52
Del 18 de marzo al 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es


Una visión inedita de la Alhambra. Jean Laurent y Fernando Manso.

Una visión inédita de la Alhambra. Jean Laurent y Fernando Manso.

Calle Serrano 13
Del 17 de marzo al 17 de mayo de 2015
*Acceso gratuito a esta exposición
Más información en www.man.es - fernandomanso.com

Martín Chambi · PERÚ · Castro Prieto.

Martín Chambi - Perú - Castro Prieto.

Calle Alfonso XII, 68
Del 12 de marzo al 7 de junio de 2015
Acceso gratuito a esta exposición
Más información en mnantropologia.mcu.es - www.castroprieto.com - martinchambi.org


La piel translúcida. Obras de la Colección Iberdrola.

La piel traslúcida. Obras de la Colección Iberdrola.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 4ª
Plaza de Cibeles 1
Del 27 de febrero al 7 de junio de 2015.
Entrada gratuita
Más información en lapieltranslucida.com - www.centrocentro.org


Garry Winogrand

Garry Winogrand

Sala Bárbara de Braganza
Calle Bárbara de Braganza 13 (pº de Recoletos 27)
Del 25 de febrero al 3 de mayo
Entrada gratuita
Más información: horario, visitas guiadas, reserva de entradas, mini site...


Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte.

Paul Delvaux. Paseo por el amor y la muerte.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 24 de febrero al 7 de junio de 2015
Más información en www.museothyssen.org

Marisa González. Registros domesticados.

Registros domesticados, de Marisa González

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 20 de febrero al 12 de abril de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.marisagonzalez.com - Promoción del Arte


"A donde la luz me lleve. Miradas de Asturias". Ouka Leele.


A donde la luz me lleve, de Ouka Leele.

Sala 3
Calle Conde Duque 11
Del 18 de febrero al 20 de abril de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.oukaleele.com - www.condeduquemadrid.es -www.fundacioncristinamasaveu.com

El canto del cisne. Pinturas académicas del Salón de París. 


El canto del cisne. Pinturas académicas del Salón de París.

Fundación Mapfre
Salas Recoletos
Pº de Recoletos 23
Del 14 de febrero al 3 de  mayo de 2015.
Entrada gratuita ( reserva tu entra online aquí).
Más información en Mapfre exposiciones  y en el mini site creado para esta exposición.

Raoul Dufy.


Raoul Dufy
Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8
Del 17 de febrero al 17 de mayo de 2015
Más información en www.museothyssen.org


Jeremy Deller, en el CA2M de Móstoles.


Jeremy Deller, Retrospectiva.
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 13 de febrero al 7 de junio de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.ca2m.org - www.jeremydeller.org

Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica del modernismo, 1968-1989.


Aún no. Sobre la reinvención de documental y la crítica del modernismo, 1968-1989.
Edificio Nouvel
Calle Santa Isabel 52
Del 11 de febrero al 13 de julio de 2015.
Más información en www.museoreinasofia.es

"El muro incierto", de Pello Irazu.


El muro incierto, de Pello Irazu.
Consejería de Empleo, Turismo y Cultura
Sala Alcalá 31
Calle Alcalá 31
Del 12 de febrero al 19 de abril de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural


Cada palabra es como una innecesaria marcha en el silencio y en la nada , de Eugenio Ampudia.


Cada palabra es como una innecesaria marcha en el silencio y en la nada, de Eugenio Ampudia.
Matadero de Madrid
Sala Abierto X Obras
Pº de la Chopera 8
Del 5 de febrero al 17 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.eugenioampudia.net - www.mataderomadrid.org


"Cineastas contados…. de ambos lados", de Óscar Fernández Orengo.


Cineastas contados... de ambos lados, de Óscar Fernández Orengo.
Casa de América
Plaza de Cibeles s/n
Sala Diego Rivera y galería Guayasamín.
Del 4 de febrero al 3 de abril de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.casamerica.es


Jorge Molder. Rico pobre mendigo ladrón.


Rico pobre mendigo ladrón, de Jorge Molder
Círculo de Bellas Artes
Sala Picasso
Calle Alcalá 42
Del 5 de febrero al 17 de mayo de 2015
*Entrada a las exposiciones 3€
Más información en www.circulobellasartes.com


Giacometti. El hombre que mira.


Giacometti. El hombre que mira.
Fundación Canal Arte
Calle Mateo Inurria 2
Del 31 de enero al 3 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información sobre horario y actividades paralelas en www.fundacioncanal.com


Daniel G. Andújar. Sistema operativo.


Sistema operativo, de Daniel G. Andújar
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini
Planta 3ª
Calle Santa Isabel 52
Del 20 de enero al 4 de mayo de 2015.
Más información en www.danielandujar.org - www.museoreinasofia.es


Pablo Genovés, "El ruido y la furia".


El ruido y la furia, de Pablo Genovés
Sala Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 17 de diciembre de 2014 al 22 de marzo de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural - www.madrid.orgwww.pablogenoves.com