jueves, 30 de abril de 2015

Óleos y estampas Moku Hanga. François Maréchal.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 5 al 26 de mayo de 2015
Más información en www.galeriaorfila.com - www.francoismarechal.es



François Maréchal - Óleo.
François Maréchal es un pintor y grabador de reconocida trayectoria, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando desde 1991 y de varias importantes asociaciones de grabadores a nivel internacional. Su permanente inquietud por este medio le ha llevado a interesarse por la técnica xilográfica tradicional japonesa “Moku hanga” y el aspecto artesanal que implica la realización por el artista de todo el proceso: la concepción, el grabado, así como la estampación y edición completamente manual. Un reto personal de especial dificultad al que suma su interés por acercarse al color en el grabado, dada la gran variedad de calidades y matices que le ofrece este procedimiento, que utiliza tinta al agua mezclada con goma arábiga y cola de arroz -a diferencia de las tintas grasas de la xilografía en Occidente -, dando lugar a transparencias y difuminados propios de la acuarela.

En esta exposición, la tercera que realiza en la Galería Orfila, presenta sus grabados “Moku hanga”, con motivos principalmente inspirados en la Naturaleza, que resultan de una conmovedora sencillez belleza y sencillez, y que completa con pinturas al óleo en los que el tema del paisaje es tratado con una sublimidad romántica, acercándose en ocasiones a la abstracción.

Inaugurará su exposición el martes 5 de mayo a las 20 h.

Magdalena Correa. Destellos. Dos orígenes.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 29
Alcobendas - Madrid
Del 7 de mayo al 4 de julio de 2015
Más información en www.centrodeartealcobendas.org - magdalenacorrea.com



Magdalena Correa debió de vivir una misma sensación cuando, en las nevadas cumbres de Perú o en la seca planicie Kuwaití, sintió cómo sus ojos quedaban deslumbrados por los reflejos del sol al proyectar su luz sobre las superficies reflectantes que, a diestro y siniestro, rodeaban a la artista. En el caso de la montaña peruana, fueron las precarias construcciones de chapa metálica plateada, que sirven tanto de morada como de refugio de últimas y únicas esperanzas de vida digna, así como de perdición, las causantes de aquellos brillos.

Esas precarias condiciones de vida y trabajo en un lugar exageradamente inhóspito, en cuanto a lo natural se refiere, sin orden ni estructura social, caótico y salvaje, fueron captadas sutilmente por la artista(algo a lo que ya nos tiene acostumbrados) con ese encuadre parcial de la escena, que suele caracterizar a esta fotógrafa comprometida con el mundo y su trabajo. En el caso del lugar kuwaití, los brillos procedían de otros materiales cargados de un significado semiótico diametralmente opuesto al anteriormente citado. Fueron los mármoles, los bronces pulidos, las superficies doradas los que cegaron las pupilas y el obturador de la cámara de Magdalena. Como le ocurre a casi todos los kuwaitíes, su tiempo de estancia en el país sucedió bajo techo, bajo el techo de los hogares y los “mall” o centros comerciales, únicos espacios vivibles, no sé si por decisión propia de los habitantes del lugar, o por las condiciones climatológicas.

Destellos. Dos orígenes.
Fotografía © Magdalena Correa.

Fueron los que le susurraron a la artista la inusitada forma de vida de estos hombres y mujeres. Tan acomodada, con un acceso tan fácil al lujo, al consumo, que cumplió a la perfección con los originarios objetivos: retratar esta vez, justamente, una forma de vida contraria cien por cien de las que anteriormente había venido evidenciando en sus proyectos artísticos. Un poderío económico que disfrutan quizá temporalmente, pero al que ninguno quiere renunciar. Eso fue lo que quedó retratado para siempre en las tomas fotográficas y filmaciones de la chileno-española.

Fueron estos destellos de vida relajada los que, junto a los primeros, provocaron que se apostase, sin duda con acierto, por presentarlos en común y en contraposición. Y así dieron origen y nombre al conjunto de fotografías y vídeos que componen esta exposición, curiosamente, y en sintonía con la sencillez de la artista, nunca pergeñada para deslumbrar. (Emilio Navarro, Director Centro de Arte Caja de Burgos CAB).

miércoles, 29 de abril de 2015

Visita a: "Escenarios para la confrontación". Ciuco Gutiérrez.

Espacio Promoción del Arte
Sala La Fragua
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 28 de abril al 21 de junio de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.ciucogutierrez.com - Espacio Promoción del Arte

">Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Francisco Posse

Es el momento de revisar y volver a definir las posiciones. Eliminar lo superfluo para afirmar lo necesario. La confrontación es necesaria para encontrar, de nuevo, nuestro espacio.

Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Ciuco Gutiérrez

">Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Francisco Posse

Para esta exposición el artista realiza una propuesta en la que introduce algunos de los elementos narrativos que ha ido utilizando en los últimos años, como son el desnudo y los objetos, pero abre nuevos espacios narrativos que le adentran en mundos que le hacen descubrir nuevas razones para seguir creando imágenes. En esta ocasión Ciuco Gutiérrez enfrenta imágenes de desnudos femeninos con bodegones en una confrontación necesaria para encontrar, de nuevo, su propio espacio.

Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Francisco Posse

Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Ciuco Gutiérrez

Ciuco Gutiérrez: Hizo sus primeras imágenes con 13 años y desde entonces siempre tuvo claro que quería hacer fotos el resto de su vida. En 1983 realizó las primeras imágenes que tenían un marcado acento personal. Irrumpió en el ámbito fotográfico de Madrid con unas imágenes atípicas para el momento que tenían un lenguaje sintético y muy visual basado el color agresivo y la ironía . Entonces sus composiciones no dejaron indiferente a nadie: o eran despreciadas o levantaban pasiones. Tres años después hizo su primera exposición individual en la Galería Moriarty de Madrid y desde entonces no ha parado de exponer tanto en España como el extranjero. Ha sido uno de los primeros fotógrafos, junto a Ouka Leele, Alberto García Alix, Javier Vallhonrat y Joan Fontcuberta que abrió las galerías de arte generalistas a la fotografía y expuso su obra en ARCO.

">Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Francisco Posse

">Escenarios para la confrontación: mujeres, bodegones.
La Fragua - Espacio Promoción del Arte.
Fotografía © Francisco Posse

Desde entonces su trabajo ha girado en torno al paisaje escenificado y el bodegón con una gran carga onírica que forma parte de un imaginario emocional e íntimo con el que ha ido estructurando un lenguaje expresivo propio. Sus obras tienen un gran componente narrativo basado en un juego semántico alrededor de la paradoja y la metáfora.

martes, 28 de abril de 2015

Avance: “Construyendo mundos: fotografía y arquitectura en la era moderna” PHE 2015.

Museo ICO
Calle Zorrilla 3
Del 3 de junio al 6 de septiembre de 2015.
Acceso gratuito
Más información en www.fundacionico.es - www.phe.es
Exposición comisariada y organizada por el Babarian Centre de Londres.

Walker Evans, Atlanta, Georgia. Casas de madera y una valla publicitaria, 1936 © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art

“Construyendo Mundos” reúne 250 fotografías de arquitectura de 18 de los mejores fotógrafos internacionales de la historia.


Luigi Ghirri, Cementerio de San Cataldo, Módena; el osario en invierno, 1986. © 2014 Eredi Luigi Ghirri. Cortesía Luigi Ghirri Estate

“Construyendo Mundos” mostrará 250 obras de 18 de los mejores fotógrafos internacionales de la historia que, desde la década de 1930 hasta nuestros días, han cambiado la forma de ver la arquitectura y de pensar en el mundo en que vivimos.

Nadav Kander, Fengjie III (Monumento al Progreso y la Prosperidad), municipio de Chongqing, 2007 © Nadav Kander. Cortesía Flowers Gallery.

Simon Norfolk, Antiguo “Palacio de la Cultura” de la era soviética, Kabul, 2001 - 02. Cortesía de Simon Norfolk


Esta muestra de fotografía y arquitectura en la era moderna está organizada tanto cronológica como temáticamente y propone un recorrido de casi cien años a través del trabajo de Berenice Abbott, Walker Evans, Julius Shulman, Lucien Hervé, Ed Ruscha, Bernd y Hilla Becher, Stephen Shore, Thomas Struth, Luigi Ghirri, Hélène Binet, Hiroshi Sugimoto, Luisa Lambri, Andreas Gursky, Guy Tillim, Simon Norfolk, Bas Princen, Nadav Kander e Iwan Baan.

lunes, 27 de abril de 2015

Vanguardias literarias en el Río de la Plata.

Casa de América
Sala Diego Rivera
Calle Marqué del Duero 2 (plaza de Cibeles).
Del 7 de mayo al 7 de junio de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.casamerica.es


El regreso a Buenos Aires de un Jorge Luis Borges inmerso en el “ultraísmo”, allá por 1921, podría suponer el punto de partida del periodo de las vanguardias. Con una ciudad en pleno auge económico y modernizador como marco, diferentes movimientos literarios rompen a partir de ese momento con un panorama creativo que hasta entonces parecía calmado. Los primeros libros de Borges, los poemarios de Francisco Luis Bernárdez, los trabajos de Oliverio Girondo, las publicaciones en la editorial Claridad por parte de Roberto Arlt, Elías Castelnuovo, Raúl Gonzalez Tuñón y otros; revistas como Sur, Martín Fierro, Síntesis y Los pensadores, entre otras, fueron algunos de los principales contribuidores a esta renovación.

Cuando se cumplen cien años de la publicación de “ El cencerro de cristal” de Ricardo Guiraldes, considerada como el principal antecedente de las “vanguardias” latinoamericanas, el Museo del Escritor -propietario de los fondos -, el Centro de Arte Moderno y la Casa de América organizan la exposición “Vanguardias literarias en el Río de la Plata”. La exposición ofrecerá, a partir del 7 de mayo y hasta el 7 de junio, un buen número de objetos y documentos que permitirán conocer a fondo cómo se desarrolló este periodo literario en Buenos Aires y su zona de influencia, fruto de la convergencia de diferentes movimientos. La primera edición de “ Fervor de Buenos Aires” de Borges, y de “ Veinte poemas para ser leídos en un tranvía” de Oliverio Girondo; fotografías realizadas por Horacio Coppola y su esposa, Grete Stern; o el espejo cóncavo que Ramón Gomez de la Serna tenía en su estudio de la capital bonaerense, son algunas de las piezas que complementan esta muestra.

Los sábados tendrá lugar los talleres gratuitos 'Cómo se hacía un libro'. Toda la información aquí.

domingo, 26 de abril de 2015

Alexandro Lamazares Vidal Souto. Tres artistas gallegos.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 2
Calle Conde Duque 9
Hasta el 31 de mayo de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es

Alexandro Lamazares Vidal Souto. Tres artistas gallegos.


Tres artistas que comparten trayectorias y lenguajes vinculados a una determinada visión cultural o antropológica del territorio gallego.

En la exposición Alexandro Lamazares Vidal Souto se muestran las obras pictóricas de estos tres artistas gallegos. Durante un período que abarca desde 1985 a 2013 y dentro del concepto territorial de “Ourensanía”, en el que se pretende penetrar en el interior de Galicia y mostrar la peculiaridad y el hecho diferencial gallego, los tres artistas comparten lenguajes y trayectorias que están vinculados a una determinada visión cultural o antropológica de ese territorio.

Los tres forman parte de la imagen de futuro que se está tratando de potenciar en Galicia, y aunque han seguido trayectorias independientes, existe un núcleo vertebrador en su arte, y un mensaje diferente en su pintura, siendo actualmente una realidad su proyección hacia el reconocimiento internacional.

Alexandro rebasa el borde de sí mismo, con un deseo perpetuo de expandirse. En su eterna insatisfacción radica su talento, devastador como el fuego que contiene en su dual visión trágica o dionisíaca. La cabeza como metáfora obsesiva, como elemento perturbador, la soledad no exenta de angustia, eso no-lugar de la obsesión… Volumiza mediante claroscuros para conseguir un fundido en negro, creado con la mezcla de todos los colores, de ahí sus excelentes calidades. Una humana visión a través de un lenguaje expresivo y vitalista en el color, gestual y directo en lo resolutivo. La cabeza simboliza la soledad del creador, el artista como ser uróboro que engulle su propio cuerpo, con ansiedad caníbal, el principio y el fin del círculo, el esfuerzo eterno. La cabeza es el límite físico, el esfuerzo eterno. La cabeza es el límite físico, territorial y espacio anónimo de las personas en el metro, seres alineados, aislados, en una ciudad que es una mantis, devoradora de húmedas soledades.

Antón Lamazares alinea sutilezas, da autenticidad a su forma y les suspende la materia. Hay en cada paso una concesión íntima, donde el propósito denuncia la aurora y sus reminiscencias. Concede preparados de verdad con propósitos sólidos. Consentir la enunciación de los espacios habitados de las tierras vividas, alineándoles las elucidaciones, es una respiración comprometida, una tarea de celosa entrega. Como si en cada gesto la temporalidad se hurtase a la designación, en cuanto se revele el origen portador de la descripción más sensible del verbo. Cada pintura nos revela la existencia de la sensibilidad constituida, de la neurálgica metáfora del tiempo y del espacio extendido en horizonte. Hay un yermo que se hace paisaje, una casa hecha albergue, un surco hecho gesto, un color hecho alma. Un asterismo singular que nos auxilia con tierna morfología en la aprehensión de propósitos íntimos y exploratorios del sentido estético.

Vidal Souto puede explicarse como trasunto de una energía singular, de una voluntad realizadora y de una vocación puesta siempre más allá de cualquier contingencia o dificultad y que se expresa, al tiempo, en la capacidad del artista para generar a su alrededor ámbitos singulares en los que inserta su existencia. A Vidal Souto nunca le interesaron los códigos realistas ni la copia veraz. Siempre fue en dirección divergente a las versiones imitativas, del mismo modo que a lo largo de su ya extensa carrera ha mantenido una posición férreamente independiente dentro de eso que podríamos llamar “el sistema del arte”. En su pintura siempre se pueden rastrear elementos procedentes del propio avatar vital, sublimado en forma de iconos recurrentes. El uso de elementos simbólicos no es para él una cuestión de referencias culturales ni la traducción de experiencias ajenas. Su simbolismo es vital y parte, por tanto, de una mitología personal e intransferible.

sábado, 25 de abril de 2015

The Random Series. Miguel Ángel Tornero.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 29
Alcobendas - Madird
Del 30 de abril al 4 de julio de 2015.
Más información en www.miguelangeltornero.net - www.centrodeartealcobendas.org


The Random Series es un proyecto que propone un particular ejercicio fotográfico que se ha ido realizando a lo largo de cuatro años en Berlín, Roma y Madrid. En estas series encontramos una extraña aproximación a la fotografía, a la ciudad y a uno mismo. Durante su estancia en cada una de las ciudades, Miguel Ángel Tornero ha ido fotografiando su día a día intensa e instintivamente, recopilando una serie de imágenes que serán la materia prima de los collages digitales finales. En su actitud ante la fotografía -y ante la ciudad- priman la curiosidad y el instinto, y se mezclan los rasgos del flâneur, y del turista japonés obsesionado por documentarlo todo, y la información sin procesar y caótica del bebé que se rige aún por una vida inconsciente, ajena a convencionalismos. Como si se enfrentara a las cosas por primera vez.

En el proceso de creación de estos inquietantes collages, el autor utiliza el error de un software que no está programado para coser imágenes sin relación aparente. Desconoce los parámetros de corte y unión que el programa va a seguir y, por lo tanto, lo imprevisto pasa a ser protagonista y a marcar el ritmo de la serie. Como vemos, el resultado final es en gran medida dejado al azar.

viernes, 24 de abril de 2015

Iberdrola organiza un ciclo de encuentros en torno al arte en CentroCentro Cibeles.

Espacio CentroCentro Cibeles
Auditorio
Plaza de Cibeles 1
Del 28 al 30 de abril de 2015.
*La exposición puede visitarse hasta el 7 de junio de 2015.
Entrada gratuita.
Más información en lapieltranslucida.com - www.centrocentro.org

Francesca Woodman. Space 2 [Espacio 2], 1976. "La Piel Traslúcida" , Espacio CentroCentro Cibeles.

· Los encuentros, centrados en el coleccionismo corporativo, tendrán lugar el martes 28, miércoles 29 y jueves 30 de abril, de 18:00 a 19:30 horas.

 · El acceso es gratuito hasta completar aforo.


Iberdrola organiza la próxima semana en CentroCentro Cibeles un ciclo de encuentros en torno al arte, en el marco de la exposición La piel translúcida.

La exposición muestra una selección de 67 obras de la colección de arte privada de Iberdrola, que por primera vez se exhibe en Madrid. Ofrece la oportunidad de conocer el modo en que actualmente una gran corporación se plantea la construcción de una colección de arte contemporáneo, sus criterios de selección, sus métodos de adquisición, el uso que confiere a las piezas dentro de sus instalaciones y, lo más importante, el tipo de narración que pretende elaborar como horizonte último.

Al hilo de esta exposición se han organizado unos encuentros entre especialistas en arte para abordar algunas cuestiones derivadas de lo coleccionado y lo expuesto. No se trata de que la Colección de Iberdrola centre exclusivamente las reflexiones que puedan darse, sino que, a partir de ella como un modelo posible, se extraigan conclusiones de carácter más general al contrastar distintos tipo de coleccionismo vinculados con el mundo de la empresa, como corporación integrada por muchos protagonistas, y al mundo del empresario, como individuo particular.

El martes 28 de abril, de 18:00 a 19:30 horas, tendrá lugar el primer encuentro, Empresarios y coleccionistas, que contará con la participación de: Santiago Olmo, escritor y comisario, investigador de la familia Huarte como coleccionistas y promotores de proyectos artísticos en Navarra y Madrid; Mª Dolores Jiménez-Blanco, historiadora del arte y patrona del Museo del Prado, autora de El coleccionismo de arte en España. Una aproximación desde su historia y su contexto; Javier González de Durana, comisario; y José Mª Lafuente, empresario y coleccionista creador del Archivo Lafuente en Santander.

El miércoles 29 de abril, de 18:00 a 19:30 horas, participarán en el encuentro sobre Coleccionismo corporativo: Rafael Orbegozo, jefe del Gabinete de Presidencia y responsable de la Colección Iberdrola; Laura Fernández Orgaz, directora de Proyectos de Arte y Tecnología de la Fundación Telefónica; Alicia Ventura, responsable de la Colección DKV y comisaria independiente; Yolanda Romero, conservadora de la colección de arte del Banco de España.

Por último, el jueves 30 de abril, de 18:00 a 19:30 horas, cerrarán los encuentros Jesús M. Lazkano, artista; Darío Urzay, artista; Belén Moneo, arquitecto; y Anatxu Zabalbeascoa, periodista de El País, con un diálogo sobre La relación arte-arquitectura en las sedes corporativas.

El acceso a estos encuentros, que tendrán lugar en el Auditorio, es libre hasta completar aforo.

Avance: Mariela Sancari. PHE15.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 29
Alcobendas - Madrid
Del 2 al 28 de junio de 2015.
Más información en www.centrodeartealcobendas.org - marielasancari.com - www.phe.es

Serie Moisés © Mariela Sancari.

Mariela Sancari (Argentina, 1976) tenía catorce años cuando su padre falleció. Ni ella ni su hermana gemela pudieron prepararse para una muerte repentina y poco natural. Tampoco tuvieron la posibilidad de ver su cuerpo por última vez para asimilar su ausencia física. Como una forma de sanar esta pérdida y usando la fotografía como herramienta, la artista comenzó a enfrentarse a esta parte de su historia, primero con la serie El caballo de dos cabezas y luego con Moisés, con la que obtuvo el Premio Descubrimientos PHotoEspaña en 2014.

En este trabajo, la artista busca metafóricamente a su padre retratando a hombres de físico y edad similar a la que él tendría en la actualidad. En 2013, con una beca del gobierno mexicano (FONCA-CONACYT), la artista regresó a Buenos Aires para poner en marcha este proyecto. El punto de partida fue un anuncio de «se busca» con el retrato de su padre en el que pedía la participación de varones con un aspecto físico parecido al del hombre de la imagen. Lo publicó en prensa, lo colgó por toda la ciudad e instaló su estudio fotográfico en una plaza en la que jugaba cuando era pequeña. Así realizó un trabajo marcado por la ausencia de la figura paterna.

viernes, 17 de abril de 2015

#Moda "Jaulas doradas" en @MuseodelTraje

Museo del Traje
Planta baja.
Av. de Juan Herrera 2
Del 17 de abril al 20 de septiembre de 2015.
Más información en museodeltraje.mcu.es

Corsé de novia, ca. 1900-1908, Farcy & Oppenheim Corsets.
Colección Museo del Traje. © Ministerio de Educación, Cultura y Deporte


Organizada por: Museo del Traje
Comisaria: Elvira Gonzalez
Coordinador: Juan Gutiérrez

Jaulas Doradas se presenta como una propuesta expositiva de prendas de indumentaria femenina, que en combinación con armazones interiores (miriñaques y polisones) y corsés, intentará poner de manifiesto -siguiendo un hilo cronológico-, los momentos más singulares y paradigmáticos en la configuración de la silueta, constreñida y enjaulada, que predominó en la imagen y estética de la mujer de la segunda mitad del siglo XIX.

Miriñaque (o crinolina), ca. 1860-1868.
Colección Museo del Traje. © Ministerio de Educación, Cultura y Deporte


Al mismo tiempo, y mediante una apoyatura simbólica: la mujer pájaro, se pretende mostrar una reflexión más amplia que trascienda el mismo concepto formal de jaula/indumentaria para llegar a otros planteamientos conceptuales más amplios sobre la belleza “dorada” y “las jaulas” del universo femenino.

Conjunto de traje con polisón, ca. 1875-1880.
Colección Museo del Traje. © Ministerio de Educación, Cultura y Deporte


Mediante una cuidada selección de piezas de indumentaria femenina de la colección del Museo del Traje, en combinación con prendas interiores, se ponen de manifiesto los momentos más singulares de la configuración de la silueta, constreñida y enjaulada, que predominó en la imagen y estética de la mujer del siglo XIX.

La Noche de los Libros 2015. X Edición.


Toda la información y programa en www.lanochedeloslibros.com

jueves, 16 de abril de 2015

Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Palacio de Cristal
Parque del Retiro
Del 16 de abril al 30 de agosto de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.museoreinasofia.es

Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima. Palacio de Cristal - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Madrid.


Federico Guzmán (Sevilla, 1964) traslada al Palacio de Cristal parte de su experiencia y el estrecho vínculo que ha establecido con el Sáhara Occidental desde hace más de seis años, trabajando en las posibilidades plásticas de las relaciones entre arte y identidad cultural. De este modo, plantea una jaima nómada saharaui que dialoga con el espacio del edificio histórico situado en el Retiro. En esta ocasión, el hogar tradicional de los nómadas del desierto acoge a los visitantes bajo una gran pintura traslúcida y multicolor -una gran jaima- realizada a partir de melhfas, los vestidos tradicionales de las mujeres oriundas de esa región.

Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima. Palacio de Cristal - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Madrid.


Esta gran casa saharui en medio del Parque del Retiro madrileño se convierte en un espacio de hospitalidad y conversación donde a lo largo del periodo expositivo, artistas, colectivos saharauis y visitantes se reunirán para compartir la historia y el presente del Sáhara Occidental. En esta ocasión es, por tanto, fundamental el programa de actividades que acogerá esta gran construcción textil, convirtiéndose en un activo y continuo centro de intercambio de experiencias culturales.

Federico Guzmán. Tuiza. Las culturas de la jaima. Palacio de Cristal - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - Madrid.


El artista plantea su proyecto como un “anti-pabellón”, cuestionando la tradicional representación de los pabellones de países en las exposiciones internacionales y reforzando el ámbito participativo, dialogante y transformador de la cultura.

El presente proyecto es fruto de una colaboración con Donostia 2016. Una vez clausurada la exposición en el Palacio de Cristal, la jaima recobrará vida en San Sebastián.

Avance: Zurbarán: una nueva mirada.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 9 de junio al 13 de septiembre de 2015.
Más información en www.museothyssen.org

Francisco de Zurbarán
San Francisco contemplando una calavera c.1635
 Óleo sobre lienzo 91,4 x 30,5 cm
Saint Louis Art Museum, Museum Purchase

La exposición Zurbarán: una nueva mirada ofrecerá a los visitantes del Museo en el verano de 2015 un selecto recorrido por la producción del artista extremeño desde sus primeros encargos hasta las obras claves de su periodo de madurez; una nueva visión de uno de los pintores más importantes del Siglo de Oro español gracias a la presencia de lienzos inéditos o recuperados en los últimos años y que no han sido nunca expuestos en España.

Francisco de Zurbarán
Santa Casilda, c. 1635
Óleo sobre lienzo, 171 x 107 cm
Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza

Coetáneo de Velázquez, la visión realista y mística de su pintura y su peculiar manera de abordar los distintos temas lo han convertido en un pintor fundamental que ha sido reconocido por las corrientes pictóricas modernas.

La muestra confrontará su obra con la de sus mejores discípulos, reunidos en una de las salas, así como con la de su hijo, Juan de Zurbarán, representado por sus refinados bodegones.

Obras de tema mitológico y retratos completarán la amplia producción de temática religiosa a lo largo de las siete salas de la exposición, comisariada conjuntamente por Odile Delenda, Historiadora del Arte y especialista en el pintor, y Mar Borobia, Jefe de Pintura Antigua del Museo Thyssen-Bornemisza.

miércoles, 15 de abril de 2015

Presentación: Enrique Meneses. La vida de un reportero.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II
Calle Santa Engracia 125
Del 16 de abril al 26 de julio de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org/agenda-cultural - www.phe.es 

Enrique Meneses. Vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid.

La Comunidad de Madrid organiza la exposición Enrique Meneses. La vida de un reportero, que podrá verse en la Sala Canal de Isabel II (C/ Santa Engracia, 125), desde mañana y hasta el 26 de julio, dentro de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2015. La muestra, que ha contado con el apoyo de la Fundación Enrique Meneses, se enmarca en la línea de trabajo de la Comunidad de Madrid dedicada a la recuperación de grandes figuras de la fotografía española. Esta será la primera gran exposición que recupere el trabajo de este incansable reportero tras su fallecimiento. La viceconsejera de Turismo y Cultura, Carmen González, presentó hoy esta gran retrospectiva acompañada de la directora de PHotoEspaña, María García Yelo, y de la presidenta de la Fundación Enrique Meneses, Annick Duval.

Enrique Meneses. Vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid.

Enrique Meneses (Madrid 1929-2013) devoró la vida con el afán de estar allá donde podía ocurrir algo digno de ser contado. Su carácter decidido, culto, apasionado y lleno de recursos, le permitió desarrollar el instinto preciso para conseguir ser testigo -siempre con una cámara en sus manos- de los sucesos que cambiaron el mundo en la segunda mitad del siglo XX, y sobrevivir a ellos, convirtiéndose en el reportero español más internacional. Sus fotografías han aparecido en publicaciones de todo el mundo, como Paris Match o The New York Times.

Enrique Meneses. Vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid.

Fotografió lo que presenció, con la genuina intención de obtener una imagen para documentar un hecho. Despreció todo artificio estético y actuó como fotógrafo ausente para no alterar el momento. Llegó a Egipto en pleno auge nacionalista del nuevo régimen del presidente Nasser; vivió durante cuatro meses la aventura de atravesar África, y contó en primera persona la Guerra de Suez, los inicios de la revolución cubana en Sierra Maestra (fotografiando a unos jóvenes hermanos Castro) y las tensiones de la Guerra Fría personificadas en Kruschev y Kennedy. También escuchó el sueño de Martin Luther King y el Blowing in the wind de Bob Dylan en el Lincoln Memorial de Washington. Acompañó el féretro de JFK al cementerio de Arlington y el del Aga Khan al mausoleo de Asuán. Entrevistó al Shah de Persia, a Hussein de Jordania y a innumerables personalidades del mundo de la cultura y el arte. En julio de 1993, ya enfermo, asistió al cerco de Sarajevo, lo que sería su último trabajo como enviado especial y, posteriormente, continuó su vocación profesional desde su casa, por medio de blogs y con la ayuda de jóvenes colegas.

Enrique Meneses. Vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabell II, Madrid.


Objetos personales, 90 fotografías y diverso material audiovisual 
 Enrique Meneses. La vida de un reportero, comisariada por Chema Conesa, es el resultado de un trabajo de selección sobre el archivo del fotógrafo, custodiado por la Fundación que lleva su nombre. Así, la Sala Canal de Isabel II acoge 90 fotografías en blanco y negro y algunos objetos personales que pertenecieron al reportero. Además, se ha realizado, específicamente para la exposición, un vídeo explicativo de su vida y obra.

Enrique Meneses. La vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid.

En la muestra también se podrán ver dos audiovisuales de sendos reportajes emitidos en el programa Los reporteros de TVE, que él dirigió. En cuanto a los temas que tienen un desarrollo más amplio se encuentran: momentos históricos (como Sierra Maestra, Kruschev & Kennedy, el Egipto de Nasser y los Derechos Civiles en Estados Unidos), bodas reales (como la de don Juan Carlos y doña Sofía y la de Balduino y Fabiola de Bélgica o) y retratos de personajes célebres (como Pablo Picasso, Henry Fonda, Peter O’Toole o Luis Miguel Dominguín).

Enrique Meneses. La vida de un reportero.
Sala de Exposiciones Canal de Isabel II, Madrid.


La muestra se acompaña de un catálogo editado por La Fábrica que recoge todas las imágenes de la exposición y cuenta con textos de Gumersindo Lafuente y Javier F. Barrera y una cuidada cronología de Enrique Meneses. Además, los miércoles a las 19.00, dentro del ciclo A pie de obra, se llevarán a cabo una serie de visitas guiadas a la exposición a cargo de especialistas de reconocido prestigio. Esta actividad comenzará el 22 de abril con Chema Conesa y continuará con la participación de Emilio Sáenz Francés (29 de abril), Gervasio Sánchez (13 de mayo) y Fernando García de Cortázar (27 de mayo). Además los viernes a las 12:00 tendrán lugar visitas guiadas para grupos concertados.




Fidel y Raúl Castro charlan con Enrique Meneses en Sierra Maestra
© Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015.

La reina Federica alecciona a su futuro yerno el día que se hizo público el compromiso en Lausana (13 de septiembre de 1961).
© Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015.

Cassius Clay (más tarde Muhammad Alí) leyendo sus poesías en Nueva York, en el Lower Manhattan.
 © Fundación Enrique Meneses, VEGAP, Madrid, 2015.

50 años del Equipo Crónica.

Galería de Arte Tiempos Modernos
Calle Arrieta 17
Del 21 de abril hasta finales de mayo.
Más información en www.tiempos-modernos.com

50 años del Equipo Crónica.


Fueron una revolución. Desde su primera exposición a finales de 1964, el Equipo Crónica se convirtió en una gran noticia para el arte español. Rafael Solbes y Manolo Valdés tuvieron el atrevimiento de hacer una pintura contestataria, unos grabados que se convirtieron en iconos y unas esculturas que rompían con la realidad de un franquismo aburrido y opresivo.

Coincidiendo con la gran exposición retrospectiva que les dedica estos días el Museo de Bellas Artes de Bilbao, Tiempos Modernos presenta una muestra dedicada al Equipo Crónico con dibujos y esculturas originales y algunas de sus obras gráficas más emblemáticas.

50 años del Equipo Crónica.


La muestra, que se inaugura el martes 21 de abril, presenta dibujos originales –como un retrato extraordinario basado en el Jovellanos de Goya-; esculturas “clásicas”: el Conde Duque de Olivares y las Meninas y algunas de las obras gráficas más importantes, como la carpeta completa de la Serie Negra, sin duda la más famosa del Equipo Crónica.

Unidos al movimiento Pop que empezó a hacer furor en su época, el Equipo Crónica es una historia única en la pintura española. Uno de los nombres más emblemáticos que, cincuenta años después de empezar a trabajar, se han convertido en un auténtico mito. Ahora, en Tiempos Modernos.

Avance: Ingres

Museo del Prado
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Del 24 de noviembre de 2015 al 27 de marzo de 2016.
Más información en www.museodelprado.es

La Grande Odalisque, Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1814, Musée du Louvre

La obra de Ingres, anclada en el academicismo sólo aparentemente, constituye sin duda un jalón esencial hacia las revoluciones artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Descendiente de Rafael y de Poussin, su obra es a la vez anunciadora de Picasso y de las distorsiones anatómicas; inspirando la renovación de las escuelas europeas del siglo XIX, especialmente de la española.

Exposición Ingres.
Museo Nacional del Prado, Madrid.

La exposición organizada en el Museo del Prado en 2015, con la especial colaboración del Museo del Louvre, presentará un desarrollo cronológico preciso de la obra de Ingres, pero también atenderá de manera muy específica su compleja relación con el arte del retrato, construida a través del rechazo y de la admiración, y que se confrontará con su ambición constante por ser reconocido, en primer lugar, como un pintor de Historia.

martes, 14 de abril de 2015

Presentación MadGarden 2015

Universidad Complutense de Madrid
Av. Complutense s/n
Del 26 de junio al 31 de julio de 2015.
Programación, entradas, actividades, cómo llegar... en www.madgardenfestival.com



Yann Tiersen, Suzanne Vega, Imelda May, ZAZ, Erlend Øye y Kakkamaddafakka conforman un cartel con más de treinta artistas y grupos nacionales e internacionales participantes.

La Organización del festival madrileño Madgarden, en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid, ha presentado este martes, 14 de abril, el avance de programación de su segunda edición que se celebrará del 26 de junio al 31 de julio en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la UCM. En próximas semanas la organización seguirá confirmando nombres.

Tras el éxito obtenido en la pasada edición, a la cual asistieron cerca de veinte mil personas, madgarden quiere seguir contribuyendo a enriquecer la propuesta musical para las noches de verano de la capital, postulándose como referente dentro del circuito de conciertos al aire libre y festivales internacionales. Para ello presenta una propuesta ecléctica que reunirá más de 30 artistas nacionales e internacionales de la escena del rock, jazz, soul, pop o flamenco en el escenario al aire libre situado en Ciudad Universitaria.

Madgarden es una iniciativa privada en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid y que cuenta con el patrocinio de Budweiser.


PROPUESTAS INTERNACIONALES

La propuesta de actuaciones internacionales que presenta en su segunda edición madgarden llegará de la mano de artistas consagrados como el pianista y compositor Michael Nyman (5 de julio); el californiano Jackson Browne (7 de julio), que presenta su nuevo trabajo Standing in the breach; Suzanne Vega (18 de julio) con su disco Tales from the Realm of the Queen of Pentacles o el también compositor Yann Tiersen (23 de julio).



La cantautora y guitarrista Madeleine Peyroux (4 de julio) presentará su último trabajo Keep me in your heart for a while; la mejicana Lila Downs (20 de julio) llevará al escenario su más reciente trabajo Balas y Chocolate.

Dentro de la propuesta internacional, se contará también artistas más actuales como Imelda May (1 de julio), la francesa ZAZ (24 de julio) con su nuevo álbum Paris, Melody Gardot (25 de julio) que presentará su último trabajo de estudio Currency of Man.



José James, que presentará su particular tributo a Billie Holiday con Yesterday I had the Blues, compartirá escenario con el contrabajista israelita Avishai Cohen y su New York Division en el que ha enrolado a músicos como Kurt Rosenwinkel o Diego Urcola (14 de julio). La banda francesa de electro swing Caravan Palace (19 de julio) ofrecerá un avance de su próximo disco que verá la luz a finales de este año, mientras que con The Earth Wind & Fire Experience (21 de julio) se vivirá un repaso por la trayectoria de la legendaria banda homónima.

La música negra estará representada por Black is Back Soul Party el domingo, 12 de julio, que acogerá cinco bandas de soul: los norteamericanos Vintage Trouble, Lisa & The Lips y Sonny Knight & The Lakers medirán fuerzas con los británicos Myles Sanko y Hannah Williams & The Tastemakers. Una jornada única para los amantes de este género musical.

El Festival Buenas Noches Madrid traerá una representación de los sonidos más pujantes del norte de Europa, contando en una misma velada con las actuaciones de Erlend Øye y Kakkamaddafakka, entre otros (15 de julio).

MADRID NO FALLA. MADRID TIENE PLAYA

Como novedad en esta edición, la inauguración del festival correrá a cargo de la propuesta de ocio Oasis Madrid Weekend (26, 27 y 28 de junio), una burbuja vacacional que contará con diversas actuaciones y conciertos a lo largo del día. Durante el último fin de semana de junio, el espacio del Real Jardín Botánico Alfonso XIII se convertirá en un espacio temático que, valiéndose de la variedad de contenidos musicales y decorativos, recogerá la esencia de un riad marroquí, el encanto de un chiringuito flamenco andaluz o la diversión de un auténtico beach-club ibicenco. Además, los asistentes podrán disputar campeonatos de volley playa, disfrutar de una amplia oferta gastronómica e incluso refrescarse en la pasarela de duchas y agua nebulizada o tomar el sol en la arena.

DANZA

La bailarina y coreógrafa Sara Baras pondrá el broche final al festival con la presentación de su nuevo espectáculo Voces. Durante cuatro días (del 28 al 31 de julio) el público podrá disfrutar del último montaje de la coreógrafa, una obra flamenca tipo concierto con un solo hilo argumental a través del cual representa los diferentes palos del flamenco de una manera personal y única.

La Fábrica reedita "Otras Américas" el primer libro de fotografías de Sebastião Salgado.

Publicado por vez primera en 1986 por la editorial francesa Contrejour y la española ELR, el libro nace de los numerosos viajes que Salgado realizó entre 1977 y 1984 por América Latina.

El libro recoge 49 imágenes en blanco y negro que evocan la perdurabilidad de las culturas campesinas e indígenas.

La fuerza y el poder estético de las fotografías, junto al diseño de Lélia Wanick Salgado, contribuyeron al éxito del libro, que recibió multitud de premios, se tradujo a cuatro idiomas y se agotó en pocos meses.

Esta nueva edición en español del mítico libro conserva el diseño y los textos originales, entre los que destaca una reflexión de Gonzalo Torrente Ballester sobre el arte de la fotografía.

Más información en www.lafabrica.com

Cubierta. Sebastião Salgado. Otras Américas


En 1986, Sebastião Salgado vio editado su primer libro de fotografías. La editorial francesa Contrejour y la española ELR publicaron Otras Américas, un volumen en el que el fotógrafo brasileño plasmó su visión de la vida de los agricultores y la resistencia cultural de los indígenas y sus descendientes en América Latina. La obra tuvo un éxito inusitado que provocó su temprana traducción a cuatro idiomas, numerosos premios y la consideración como una de las obras fotográficas cumbre de la década de 1980.

Ahora, La Fábrica reedita este mítico volumen en el que Salgado reunió 49 fotografías fruto de los numerosos viajes que realizó entre 1977 y 1984 a diferentes regiones de México y Brasil. La reedición del libro conserva los textos originales, firmados por el propio fotógrafo y por el autor español Gonzalo Torrente Ballester, quien escribe una lúcida reflexión sobre el arte de la fotografía, así como dos textos inéditos del editor Claude Nori y el escritor y periodista Alan Riding.

Bolivia, 1983 © Sebastião Salgado / Amazonas Images

Tras unos inicios en el mundo de la economía, Salgado se adentró en la fotografía de la mano de la agencia fotográfica Sygma como fotógrafo independiente, a la que le siguió su trabajo en la agencia de prensa Gamma. Fue a partir de ahí cuando comenzó su andadura por los pueblos mexicanos y brasileños en busca de la perdurabilidad de las culturas campesinas e indígenas. En dichos viajes se adentraba en las costumbres, así como en las tradiciones de sus gentes para capturar la dimensión cultural y espiritual de esos parajes. Se convertía en uno más de los habitantes de dichos lugares, llegando a una convivencia cercana que le permitiera captar el alma de los mismos y la naturalidad de su día a día. Como resultado logra sobrepasar «lo meramente folclórico para incidir en lo profundamente significativo, (creando) formas de alma distintas, que elaboran distintas realidades y distintos símbolos, aunque la materia sea la misma», en palabras de Gonzalo Torrente Ballester. La totalidad de las imágenes se presentan en blanco y negro, lo que le permite centrar la mirada en detalles estéticos que con el uso del color se perderían. Como dice Ballester, una vez vistas las imágenes del volumen «conviene repasarla una a una, en ciertos casos con la ayuda de una lupa. Solo entonces se podrá ver lo que no es anécdota, sino mero arte».

Mexico, 1980 © Sebastião Salgado / Amazonas Images


El volumen se muestra siguiendo la línea que en su día marcó su esposa, Lélia Wanick Salgado, quien diseñó la presentación de las imágenes a doble página, lo que contribuyó al éxito del mismo, acompañadas de la ciudad donde fueron tomadas y el año como único texto de pie de imagen, lo que subraya la irrelevancia de los límites nacionales, así como la del propio tiempo, aspectos repetidos en su obra.