miércoles, 29 de julio de 2015

Avance: Edvard Munch. Arquetipos.

Museo Thyssen-Bornemisza
Pº del Prado 8
Del 6 de octubre de 2015 al 17 de enero de 2016.
Más información en www.museothyssen.org

Edvard Munch Atardecer, 1888 Óleo sobre lienzo. 75 x 100,5 cm Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


El Museo Thyssen-Bornemisza, en colaboración con el Munch Museet de Oslo, presenta en el otoño de 2015, la primera gran exposición dedicada al artista noruego en Madrid desde 1984. Comisariada por Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen-Bornemisza, y Jon-Ove Steihaug, Senior Curator y Acting Head of Exhibitions and Collections del Munch Museet, la muestra examinará la larga y prolífica carrera de Edvard Munch a través de ochenta obras del pintor, la mitad de ellas procedentes de la colección del Munch Museet.

Con una organización temática, abordará la representación de la figura humana en diferentes escenarios: la costa, la habitación del enfermo, el abismo, la habitación verde, el bosque, la noche, el estudio del artista… Para revelar la radicalidad de su lenguaje plástico, la exposición estudiará el juego entre las formas planas y sinuosas, la ambigüedad de los contrarios, el color simbólico, la deformación expresiva del cuerpo o la utilización de texturas y técnicas experimentales de grabado. En definitiva, Edvard Munch. Arquetipos ofrecerá un análisis de las estrategias artísticas de las que el pintor se valió para orientar el espacio hacia una dimensión psíquica y convertir sus composiciones en una perdurable verdad simbólica de la condición humana.

miércoles, 22 de julio de 2015

Cartones de Goya y la pintura española del siglo XVIII.

Museo del Prado
Planta 2ª
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Colección permanente
Más información en www.museodelprado.es

Remodelación de las salas dedicadas a los cartones de Goya y la pintura española del siglo XVIII.
Museo del Prado, Madrid.

Remodelación de las salas dedicadas a los cartones de Goya y la pintura española del siglo XVIII.

La nueva distribución de las salas permite integrar la obra del maestro aragonés con la de sus contemporáneos y en la que se muestran esculturas que ilustran determinados temas o ponen de relevancia aspectos de la belleza y perfección alcanzada durante este período en todas sus manifestaciones.

Remodelación de las salas dedicadas a los cartones de Goya y la pintura española del siglo XVIII.
Museo del Prado, Madrid.


Los cartones, para Goya, fueron más allá de ser puramente composiciones preparatorias para los tapices de los Sitios Reales como revela el esfuerzo creativo y técnico que supusieron estas pinturas. Por eso, la nueva distribución permite contemplar estas obras desde una distancia mayor, desvelando la maestría del maestro aragonés en la consecución del espacio y su capacidad de variación continua en el juego compositivo, siempre distinto y atractivo, de sus figuras. Una distribución que también favorece la posibilidad de observar cómo el artista se ha inspirado en muchos de sus temas en pinturas y asuntos que ya estaban en las colecciones reales, así como en las esculturas de la Antigüedad clásica, presentes asimismo en las colecciones del rey y modelos estudiados por Goya en Italia. Todo ello bajo la iluminación led, patrocinada por la Fundación Iberdrola, que, además de mejorar la conservación de las obras, fomenta la apreciación de los distintos matices del colorido de las obras, así como la visibilidad del volumen y la distancia desde los primeros planos a los fondos.

Remodelación de las salas dedicadas a los cartones de Goya y la pintura española del siglo XVIII.
Museo del Prado, Madrid.

Esta nueva distribución, que mantiene la unidad de los conjuntos, hace que, desde el primer momento, el visitante pueda contemplar tres de las obras más especiales de Goya, La cometa, Juego de pelota a pala y La era, que se expone al público tras su restauración, en colaboración con la Fundación Iberdrola, con un marco de madera tallada y dorada que le confiere una prestancia más adecuada a su calidad.

Por primera vez, algunos de los cartones más atractivos para el público como Riña de gatos, pero también Perros en traílla y Caza con reclamo, ocupan el pasillo que comunica las salas laterales manteniendo así la continuidad del discurso expositivo, ya que esta distribución integra la obra de Goya con la de sus contemporáneos permitiendo una valoración más acertada de sus creaciones.

Las esculturas adquieren ahora un mayor protagonismo, ya que al estar presentes en las colecciones reales fueron objeto de inspiración, muchas de ellas, para las composiciones dieciochescas.

martes, 21 de julio de 2015

Avance: Josef Koudelka.

Fundación Mapfre
Sala Bárbara de Braganza
Calle Bárbara de Braganza 13 (pº de Recoletos 27).
Del 12 de septiembre al 29 de noviembre de 2015.
Más información en www.fundacionmapfre.org - Josef Koudelka Magnum Photos

Moravia (Strážnice), 1966, copia de 1967, The Art Institute of Chicago, donación del artista, 2013.
Fotografía © Josef Koudelka / Magnum Photos

Fundación Mapfre presenta la exposición retrospectiva más completa realizada hasta la fecha del fotógrafo checo, nacionalizado francés, Josef Koudelka (1934), miembro durante más de cuarenta años de la Agencia Magnum. La exposición recoge la totalidad de su trabajo,  realizado durante más de cinco décadas. Una selección de más de 150 obras entre las que se incluyen sus primeros proyectos experimentales de finales de los cincuenta y comienzo de los sesenta;  sus series históricas: Gitanos, Invasión y Exiliados; y, las grandes panorámicas de paisajes realizadas en sus últimos años.
La exposición también recoge numerosas obras documentales, la mayoría inéditas (cámaras, folletos, revistas de época, entre otros...) que permiten una comprensión más profunda de la obra y del proceso creativo del autor.

La exposición podrá visitarse desde el próximo mes de septiembre en la Sala Bárbara de Braganza de Fundación Mapfre.

lunes, 20 de julio de 2015

Avance: Museos en blanco, de José Manuel Ballester.

Ivorypress Gallery
Calle Comandante Zorita 48
Del 8 de septiembre al 7 de noviembre de 2015.
Más información en www.josemanuelballester.com - www.ivorypress.com/es

Jose Manuel Ballester, 2014 | Cortesía de Ivorypress


Ivorypress presenta Museos en Blanco, la primera exposición individual en la galería del artista José Manuel Ballester (Madrid 1960). La muestra recoge sus últimos trabajos, en los que refleja una nueva mirada sobre la realidad.

Esta exposición es una invitación a "vaciar nuestros museos": los reales y los que cada uno llevamos insertados en nuestra memoria para plantear nuevos enfoques que sean capaces de abordar tanto nuestro pasado como nuestro futuro y que cuenten con las nuevas herramientas creadas que seguro van a cambiar nuestra posición frente al mundo exterior y frente a nosotros mismos. Ningún museo es capaz de aglutinar lo que realmente es y representa la cultura. No son más que espacios que custodian lo más representativo que la historia nos ofrece en cada momento. Una Historia fragmentada y en la mayoría de los casos, descontextualizada, una ventana que nos permite indagar en un pasado borroso y que cíclicamente pasa por revisiones y replanteamientos, sobre todo en momentos como los actuales, donde nuevos modelos sociales se van modelando al amparo de las nuevas tecnologías.

Hay un nuevo objetivo visual que pretende crear otra realidad: un mundo virtual al servicio de nuestras inquietudes, deseos y caprichos. Otra realidad que se puede hacer pasar por ser como la nuestra, por lo tanto capaz de engañar a todo nuestro sistema perceptivo.

“En estas circunstancias ya no es imprescindible el contacto directo con el objeto que da forma a nuestras emociones por lo que materia e ilusión se estrechan más que nunca” añade el artista.

La selección de obra se completa con una vitrina con dibujos de pequeño formato así como distintas publicaciones. Museos en Blanco se podrá visitar en Ivorypress hasta el 7 de noviembre de 2015.

viernes, 17 de julio de 2015

"Addenda II". Exposición colectiva.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 20 al 31 de julio y del 1 al 8 de septiembre de 2015.
Más información en www.galeriaorfila.com


La Galería Orfila clausura su actual temporada con la exposición “Addenda”, segunda edición de la colectiva que, como en la temporada anterior, presenta un conjunto de obras figurativas, abstractas y constructivistas, notables por su rareza y singularidad, de cincuenta y tres creadores, cifra absolutamente inusual en cualquier proyecto privado, de gran reconocimiento en los años ochenta y noventa, principalmente.

Esta colección está compuesta de pequeños y medianos formatos de pinturas, dibujos, grabados y esculturas de, entre otros, artistas:

Francisco Alcaraz, Elmyr de Hory, Barjola, José Beulas, Ángel Busca, Capuleto, Armando del Arco, Fernández Molina, Antonio Guijarro, José María Iglesias, Lodeiro, Francisco Mateos, Ángel Medina, Daniel Merino, Maruja Moutas, Ángel Orcajo, Juan Antonio Palomo, Gregorio Prieto, Eduardo Roldán, José Sancha, Alberto Sánchez, Sempere, Armelle Stéphant, Agustín Úbeda, Ricardo Zamorano...

La exposición se inaugurará el lunes 20 de julio a las 20:00 horas.

jueves, 16 de julio de 2015

Visita a: "De la mano".

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 3ª
Plaza de Cibeles 1
Del 14 de julio al 25 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.proyectodelamano.org - www.centrocentro.org - www.apsuria.org

"De la mano". Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.

La exposición exhibe las obras de 36 artistas contemporáneos que han prestado sus manos a pacientes de la Fundación APSURIA, personas con discapacidades severas, para que puedan plasmar lo que quieren pintar.

Miquel Barceló, Pello Irazu, Jorge Galindo, Juan Ugalde, Juan Uslé, Victoria Civera, José Manuel Ballester, Jerónimo Elespe, Miki Leal, Abraham Lacalle, Secundino Hernández, entre otros, han participado en este proyecto.

"De la mano". Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.


Todos los beneficios obtenidos con la venta de las obras creadas serán destinados a financiar los tratamientos de los pacientes de la Fundación.

La obra de Miquel Barceló se podrá adquirir en formato digital mediante la compra de píxeles en www.proyectodelamano.org.

"De la mano". Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.


De la mano es un proyecto de la Fundación APSURIA, ideado por la agencia Kepler22b y organizado por CentroCentro Cibeles, que cuenta con el patrocinio de A&G Banca Privada.

"De la mano". Espacio CentroCentro Cibeles, Madrid.

Artistas participantes en la exposición: 
Miquel Barceló, Santiago Ydáñez, Jorge Galindo, Felicidad Moreno, Nacho Martín Silva, Vicky Uslé, Miren Doiz, Miguel Angel Tornero, Manuel Antonio Domínguez, Jerónimo Elespe, Philipp Fröhlich, Françoise Vanneraud, Almudena Lobera, Yann Leto, Miki Leal, Santiago Giralda, Pedro Luis Cembranos, Juan Ugalde, Belén Rodríguez González, Raúl Díaz Reyes, David Rodríguez Caballero, Carlos Aires, José Manuel Ballester, Rosana Antolí, José Luis Serzo, Secundino Hernández, Santiago Talavera, Abraham Lacalle, Simón Arrebola, Pello Irazu, Elena Alonso, Gorka Mohamed, Eugenio Ampudia, Juan Usle, Victoria Civera, Irma Álvarez-Laviada.


De la mano, más que un proyecto, un sueño

APSURIA es una fundación que tiene como fin mejorar la calidad de vida de personas con discapacidades severas y profundas, siendo la parálisis cerebral una de las más graves. Como señala Nuria de la Hoz, “el proyecto De la mano ha querido ayudar a estos enfermos dándoles voz, haciendo posible que puedan expresarse, emocionarnos. Creemos que aunque su cuerpo sufra una parálisis, su imaginación puede llegar tan lejos como cualquier otra. Sólo necesitaban un poco de ayuda, y la han encontrado en los mejores artistas de nuestro país”.

Así nació De la mano, más que un proyecto, un sueño. Para hacer posible la acción, se grabaron vídeos en los que algunos pacientes de APSURIA expresaban lo que les gustaría pintar, pero que por su discapacidad no pueden llevar a cabo. Los vídeos se enviaron a los artistas y éstos, dentro de su estilo, han hecho realidad la petición.

Para el lanzamiento del proyecto se ha contado con un colaborador de excepción: Miquel Barceló, que creó una obra en directo bajo las indicaciones de cinco de los pacientes de la Fundación APSURIA. Desde Mallorca y retransmitido en streaming, él fue las manos y ellos la imaginación.

El conjunto de las obras resultantes se exponen ahora en CentroCentro Cibeles de Cultura y Ciudadanía, desde hoy y hasta al 25 de octubre, y se pondrán a la venta posteriormente, incluida la obra creada en directo por Barceló y los miembros de APSURIA. Esta pieza se podrá comprar de forma excepcional a través de la adquisición de píxeles en www.proyectodelamano.org. Todos los fondos recaudados irán destinados a financiar actividades de fisioterapia de los miembros de APSURIA. Todo el proyecto está documentado y disponible en dicha web.

miércoles, 15 de julio de 2015

Alberto Corazón. Diseño: La energía del pensamiento gráfico 1965-2015.

Espacio Fundación Telefónica
Calle Fuencarral 3
Del 16 de julio al 4 de octubre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en espacio.fundaciontelefonica.com - www.albertocorazon.com

La exposición ofrece un relato de nuestra historia a través de los trabajos de un diseñador multidisciplinar y con reconocimiento internacional.




“Entre las viejas imprentas aprendí no solo un oficio, sino un modo de entender la vida. Aprendí a escuchar, a respetar y a ganarme el respeto”.

Alberto Corazón. Diseño: La energía del pensamiento gráfico 1965-2015.
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

El Espacio Fundación Telefónica acoge una retrospectiva de Alberto Corazón, uno de los diseñadores españoles más emblemáticos, con obra que abarca desde los años 60 hasta el 2013.

Alberto Corazón


Corazón ha sido creador de logos tan emblemáticos de instituciones como Paradores de España, RENFE o la ONCE. Se exhibirán libros, bocetos originales, documentos y carteles. Todo con un refuerzo visual y didáctico a base de proyecciones y audiovisuales. La muestra propone potenciar el diseño como una herramienta fundamental para impulsar la innovación y la creatividad.

Alberto Corazón. Diseño: La energía del pensamiento gráfico 1965-2015.
Espacio Fundación Telefónica.


Alberto Corazón
Alberto Corazón (Madrid, 1942) es uno de los diseñadores españoles con más extensa proyección internacional. Premiado por el Arts Director Club de Nueva York, el British Design y el Design Council International, desarrolla su trabajo profesional tanto en el área del diseño gráfico como en la del diseño industrial. En 1989 ganó el Premio Nacional de Diseño y es el único diseñador europeo que ha recibido la Medalla de Oro del American Institute of Graphic Arts, el más importante premio internacional en el área de la Comunicación Visual.

martes, 14 de julio de 2015

Avance: World Press Photo 2015.

Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid COAM
Lasede
Calle Hortaleza 63
Del 11 de septiembre al 12 de octubre de 2015
*Entrada 4€
Más información en www.worldpressphoto.org - www.coam.org

'Jon and Alex' con la que el danés Mads Nissen ganó la máxima distinción del fotoperiodismo mundial

La fotografía íntima de una pareja homosexual en Rusia, titulada 'Jon and Alex', fue la ganadora del primer premio del concurso más prestigioso de fotoperiodismo, el World Press Photo. La foto fue tomada como parte de un reportaje titulado 'Homofobia en Rusia' por el fotógrafo Mads Nissen. El jurado otorgó premios a 42 fotógrafos de 17 nacionalidades distintas en ocho categorías. Se revisaron cerca de 100.000 imágenes, presentadas por 5.692 fotógrafos de 131 países.
La instantáneas podrán verse desde el próximo 11 de septiembre en la sede del Colegio de Arquitectos de Madrid.

lunes, 13 de julio de 2015

Christian Rodríguez "Una flor Mixe", Premio PHotoEspaña Ojodepez de Valores Humanos 2015.

PHotoEspaña y la revista de fotografía documental OjodePez hacen público el ganador del VIII Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos, con el que reconocen un trabajo de fotografía documental que destaque los valores de solidaridad, ética, justicia o esfuerzo.

Christian Rodríguez. De la serie "Una flor mixe".
Fotografía © Christian Rodríguez.

El ganador de la octava edición del premio es el fotógrafo uruguayo Christian Rodríguez por su serie Una flor mixe. El proyecto ha sido realizado en la comunidad Mixe de Maluco, un pequeño pueblo al norte del Istmo de Tehuantepec de Oaxaca, y aborda el embarazo adolescente y el abuso sexual doméstico en América Latina a través de la figura de Gloria, una niña de 13 años miembro de esta comunidad.

El trabajo está premiado con 2.000 euros, será objeto de una exposición itinerante en los centros FNAC de España y Portugal entre septiembre de 2015 y junio de 2016, y formará parte del número que OjodePez dedica cada otoño al certamen y que se publicará en septiembre.

Christian Rodríguez. De la serie "Una flor mixe".
Fotografía © Christian Rodríguez.


El jurado encargado de conceder el Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos 2015 ha considerado en el fallo del galardón que «Christian Rodríguez documenta de forma poderosa el embarazo adolescente y el abuso sexual doméstico con un toque delicado y poético, a través del retrato respetuoso de Gloria. Los elementos simbólicos, la historia que subyace detrás de las imágenes, los susurros y su melancolía sutil hablan de una tragedia todavía muy extendida en la región causado directamente por la ignorancia, la desigualdad de género y la pobreza».

El jurado ha estado compuesto por Thomas Licek, coordinador del festival Eyes On - Month of Photography de Viena; Marion Hislen, directora del Festival Circulation(s) de París; y Agnieszka Dwernicka, directora del festival de fotografía Photomonth de Cracovia; junto a Arianna Rinaldo, directora de la revista OjodePez.

Una flor mixe

Gloria Rafael Valentín (13 años) pertenece a la comunidad mixe de Maluco, un pequeño pueblo al norte del Istmo de Tehuantepec de Oaxaca. Gloria, quien vive con su madre y 8 de sus 10 hermanos, entre los 4 y los 20 años de edad, se convirtió en madre a los 12 años, víctima de los constantes abusos sexuales cometidos por su padre, quien también atacó a dos de sus hermanas.

La casa donde viven solo tiene una habitación en la que todos duermen distribuidos por el suelo y dos hamacas. Al lado de su casa hay otra habitación que sirve como cocina y almacén y donde preparan tortillas y frijoles. Cada día, los más jóvenes de la familia van a la aldea para asistir a la escuela, mientras que Gloria, Guadalupe (su hermana de 17 años de edad y embarazada de seis meses) y su madre se quedan en casa cocinando "totopos", (pequeñas tortillas de maíz cocidas en horno de leña), desde la madrugada.

Christian Rodríguez. De la serie "Una flor mixe".
Fotografía © Christian Rodríguez.


Gloria abandonó la escuela para trabajar y cuidar a su bebé, que con diez meses de edad, todavía no tiene nombre. Las principales razones por las cuales las cifras de embarazos adolescentes siguen subiendo son la pobreza, la desigualdad de género, la discriminación, la falta de acceso a los servicios y la concepción social que todavía existe sobre las niñas y las mujeres.

Según el Fondo de Población de las Naciones Unidas (UNFPA), América Latina es la única región del mundo donde el número de embarazos adolescentes sigue aumentando. México se ha convertido en un líder mundial en el embarazo adolescente. Una de cada dos adolescentes que ha comenzado su vida sexual entre los 12 y los 19 años se queda embarazada, y cada año nacen más de 11.000 bebés cuyas madres tienen entre 10 y 14 años de edad en el momento de dar a luz.

Más información en www.christian-rodriguez.com - www.ojodepez.org - www.phe.es

jueves, 9 de julio de 2015

Alessandro Marchi - Variables ocultas

Espacio Trapézio
Mercado de San Antón
Planta 2ª
Calle Augusto Figueroa 24 ( Chueca ).
Hasta el 30 de agosto de 2015
Más información en espaciotrapezio.org - www.alessandromarchi.com



Alessandro Marchi emplea la fotografía como una herramienta para registrar su experiencia errante por la ciudad. De esta manera capta las primeras impresiones obtenidas, aquellas historias que de manera aleatoria se interponen en su camino.

En esta exposición presenta el resultado de cuatro meses de residencia artística en Intercambiador Acart, durante los cuales realiza un recorrido fotográfico por la ciudad de Madrid a modo de acto psicomágico de creación instintiva. Durante el primer mes el artista camina por la ciudad explorando cada día un área urbana diferente en busca de una historia o una idea que pueda ser materializada en un libro. A lo largo de estos 30 días desarrolla el proyecto Variables Ocultas, un trabajo a modo de LP donde cada libro es como una canción. Una grabación en bruto, sin apenas masterización ni postproducción.

Marchi se propone a sí mismo realizar un libro al día. Toma esta decisión para superar la limitación impuesta por el perfeccionismo y el miedo al fracaso, con el propósito de finalizar un producto nuevo cada día, capturando la frescura de las ideas sin dejar que el cerebro las juzgue o las analice. Tras esto, las variables ocultas juegan un papel inesperado y el caos comienza a reinar.

En la segunda parte del proceso Marchi realiza un análisis de lo que aparece en esos 30 libros y lo usa como punto de partida para su trabajo final, un fotolibro y una serie fotográfica sobre la ciudad de Madrid. La obra resultante trata sobre las múltiples alteraciones del entorno en que vivimos, sobre los cambios que se producen (en principio caóticos) en las zonas comunes y espacios públicos. Éstos son recibidos por la comunidad que los adopta y los aplica de manera regular, en resumen, cómo colectivamente transformamos el caos en un nuevo orden.

El artista camina por Madrid en busca de modificaciones generadas por el propio entorno urbano. Trabaja a través de series temáticas en las que registra las modificaciones urbanas que han sido aceptadas por la comunidad y se han convertido en un hábito. Modificaciones arquitectónicas, caminos desviados, soluciones temporales y cambios culturales que forman parte de este caos organizado en continuo cambio del que nuestras ciudades son testigo.

Marchi realiza un retrato de la ciudad a través del uso que las personas hacen del espacio público. En palabras del artista “somos la ciudad en que vivimos y la ciudad es un reflejo de nosotros”.

En la tercera fase del proyecto Alessandro Marchi desarrolla un último libro tematizado de manera específica en el barrio de Chueca. Durante las dos primeras semanas el artista utilizará la sala de Espacio Trapézio como su estudio de trabajo para desarrollar este último capítulo de Variables ocultas.

El viernes 17 de julio, se presentarán los resultados de ese libro y servirá de evento para celebrar el conjunto del proyecto Variables ocultas.

El arte mochica del antiguo Perú.

CaixaForum Madrid
Planta 3ª
Pº del Prado 8
Hasta el 4 de octubre de 2015.
*Entrada 4€
Más información en agenda.obrasocial.lacaixa.es


Entre los años 200 y 850 d. C. se desarrollaron en los valles y desiertos de la costa norte del Perú una serie de cacicazgos y reinos de gran complejidad cultural.

Cielo, sol, tierra y agua.


Las sociedades mochicas ofrecen un caso verdaderamente singular de desarrollo cultural, económico y político, siglos antes de la expansión de los incas. Fueron las primeras sociedades estatales en el hemisferio sur, inventaron una de las metalurgias y alfarerías más avanzadas del mundo, construyeron auténticas montañas de adobes para llevar a cabo sus prácticas religiosas, y con ellos se produjo un enorme crecimiento de la población y de sus capacidades productivas.


Corona con rostro de felino y guacamayos. Mochica. Época Auge (1 d. de C. - 800 d. de C.). Museo Larco, Perú.

La Obra Social ”la Caixa” presenta El arte mochica del antiguo Perú. Oro, mitos y rituales, exposición que profundiza en la forma de entender y organizar el mundo de las sociedades que surgieron en Perú antes de la dominación inca mediante 200 piezas de arte mochica procedentes del Museo Larco de Lima (Perú) que incluyen cerámicas, joyas y objetos ceremoniales de metales preciosos, textiles y objetos de uso ritual de madera, piedra, concha y hueso.

miércoles, 8 de julio de 2015

El autorretrato protagoniza el nuevo número de Ojodepez.

OjodePez #41 nos acerca a las posibilidades del autorretrato con una mirada documental, haciendo frente a los actuales clichés que acompañan a los trabajos biográficos, de la mano de la fotoeditora Natasha Christia.

Brillo. © Andi Schreiber

La comisaria, ensayista y educadora se adentra en la cultura del autorretrato, tan actual en nuestros días, desde una mirada documental. Hace frente a la visión que tenemos de este género que como ella misma dice “se considera un género marginado. Dentro de los axiomas del reportaje, lo biográfico resulta, desde un punto de vista ético y creativo, demasiado indulgente y lleno de clichés”. Toma una serie de fotógrafos documentales cuyas historias “pretenden ser una investigación sobre la autorrepresentación y, por extensión, sobre la escisión actual de la identidad en la realidad y las redes sociales” para demostrar “que el autorretrato, como ejercicio documental programático, es hoy más relevante que nunca”.

Componen el dossier:

Andi Schreiber, quien se autorretrata para mostrar qué siente una mujer ante la sexualidad, el atractivo y los cambios biológicos en esa edad que es la década de los cuarenta.

Karen Miranda Rivadeneira recrea recuerdos familiares a través de autorretratos grupales para realizar una reescritura creativa del pasado y curar viejas heridas.

Fotografía © Karen Miranda. Mamá le da las gracias a la lluvia y María tiene miedo de que yo me ponga enferma, en desarrollo desde 1992.


Phillip Toledano se muestra a sí mismo, en su propia vejez, con una visión provocativa, satírica y directa.

“Familia” es el motivo que llena las fotografías de Daniel Halasz a través de las cuales da a conocer su pueblo natal, la tierra de sus ancestros prácticamente desconocida.

Laura Lafon convierte el autorretrato en una forma de representar la dinámica amorosa bajo el título “Incluso podrías morir por no ser una pareja de verdad”.

Fotografía © Laura Lafón


Laís Pontes juega con las posibilidades de la red creando diferentes personalidades a partir de su propio rostro, convirtiéndose cada uno de ellos en reflejos inconsciente de los que miran.

El escritorio del ordenador se convierte en registro antropológico de quiénes somos, en una especie de documento de identidad que Roc Herms hace evidente con sus trabajos recogidos bajo el título Desktop Portraits.

La sección Portfolio recoge una selección de imágenes de fotógrafos que han presentado sus trabajos para participar en los visionados de portfolios organizados por PHotoEspaña en Madrid (Descubrimientos) y Latinoamérica (Trasatlántica). En este número, OjodePez destaca los trabajos de Claudia Cagnone, que reflexiona sobre el significado de los archivos privados y su evolución a través de diapositivas familiares; Pablo Dondero, con un proyecto sobre el deporte como medio de rehabilitación y reiserción; Dolores Medel, que reflexiona sobre la naturaleza humana; y Gustavo Lacerda, quien resalta la belleza de los albinos y trata de llamar la atención sobre estas personas que suelen vivir en los márgenes de la sociedad.

Por último, la revista publica un trabajo in progress de Giovanni Troilo en el que acerca la pequeña localidad de Charleroi, próxima a Bruselas, y cómo él dice “símbolo de toda Europa: el hundimiento de la industria, el aumento del desempleo y de la inmigración, la irrupción de una criminalidad a pequeña escala, el retroceso del bienestar social…”. La ville noire, the dark heart of Europe es un viaje a las raíces de Troilo, a su historia.

Ganadora de Descubrimientos 2014 y protagonista de una exposición dentro de PHotoEspaña 2015, Mariela Sancari presenta su proyecto Moisés en la sección Higlight que cierra la revista.

Más información en www.ojodepez.org

Donación Plácido Arango.

Museo del Prado
Salas 9, 9B, 10A, 52C y 66. Edificio Villanueva
Calle Ruiz de Alarcón ( pº del Prado ).
Hasta el 4 de octubre de 2015.
Más información en www.museodelprado.es

San Francisco en oraciónFrancisco de Zurbarán (1598-1664). Óleo sobre lienzo, 126 x 97 cm. Firmado en 1659


El pasado 30 de junio, el Museo aceptó la donación por parte de Plácido Arango Arias de 25 obras que enriquecerán de forma excepcional las colecciones de la institución. Para celebrar con el público la generosa incorporación, se exhiben de forma temporal entre la colección permanente del Museo, nueve de estas obras, representativas de la calidad y variedad del legado. La selección incluye obras de Pedro de Campaña, autor flamenco inédito en el Prado, Tristán, Zurbarán, Herrera el Mozo y Goya.

martes, 7 de julio de 2015

Encuentro con Iñaki Domingo y Ding Musa.

Espacio Promoción del Arte
Sala La Fragua
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Miércoles 8 de julio a las 19:00 horas
Actividad gratuita con motivo de esta exposición en dicha sala.
Más información aquí


After the rainbow, de José Guerrero.

Centro de Arte Alcobendas
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Del 17 de julio al 31 de octubre de 2015.
Más información en www.centrodeartealcobendas.org - www.joseguerrero.net - www.phe.es

José Guerrero. Half Dome and Rainbow, California, 2002. ©José Guerrero

Comisariado: Belén Poole

José Guerrero (Granada, 1979) utiliza la fotografía desde un punto de vista situado más allá de lo meramente estético. Le interesa el paisaje en sí pero también cómo lo reinterpretamos y entendemos haciéndonos reflexionar sobre nosotros mismos y sobre cómo nos relacionamos con nuestro entorno. Paisajes en los que la figuración no aparece en ningún momento a pesar de la intervención del ser humano que hacen plantearnos cómo entender nuestro alrededor sin nosotros mismos.

After the rainbow mostrará de manera conjunta una selección del trabajo realizado por José Guerrero en Estados Unidos durante sus distintas estancias en el país; desde fotografías y portfolios pertenecientes a su primera serie ‘California’ de 2002, hasta el resultado de cuatro viajes distintos por el Oeste Americano realizados entre 2011 y 2013, además de algunas vistas nocturnas de Nueva York de estos mismos años.

lunes, 6 de julio de 2015

La galería Ponce + Robles gana el Premio Festival Off de PHotoEspaña

La galería Ponce + Robles gana el Premio Festival Off de PHotoEspaña por la exposición "Lo que estaba en la línea, no en el extremo", de Irene Grau.

Más información en www.phe.es - www.poncerobles.com - www.irenegrau.com

Coincidencia GR-PR-SL, 2015 © Irene Grau. VEGAP, Madrid, 2015

Cada año, PHotoEspaña reconoce a una de las galerías del Festival Off tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para PHotoEspaña 2015.

En esta ocasión, el jurado formado por Juan Várez, Consejero delegado de Christie’s España; Lucía Casani, Directora de La Casa Encendida; y Belén Poole, Coordinadora del Centro de Arte Alcobendas, ha premiado a la galería Ponce+Robles por la exposición Lo que importaba estaba en la línea, no en el extremo de Irene Grau (Valencia, 1986).

Óleo sobre metal, 2014. © Irene Grau, VEGAP, Madrid, 2015.


El jurado ha querido reconocer con este premio la proyección de la artista así como la frescura y la originalidad del proyecto. Destaca, además, el apoyo que la galería Ponce+Robles otorga a jóvenes creadoras.

GR 65 Lectoure E 0 33' 15'' N 44 33' 23'', 2014. © Irene Grau, VEGAP, Madrid, 2015.

Lo que importaba estaba en la línea, no en el extremo es la primera individual de Irene Grau en esta galería. En ella, la artista propone un proyecto que parte de la señalética de senderos según la tipología de las rutas, las cuales se clasifican en rojo/amarillo/verde en función de la distancia. La exposición transforma el espacio de la galería en un territorio sobre el que se suceden y yuxtaponen tres recorridos geográficos y temporales, cada cual asociado a un color: rojo (28-05/13-06), amarillo (16-06/27-06) y verde (30-06/17-06). La obra se construye a partir de elementos comunes a todas las etapas cromáticas: pintura mural, pintura sobre piezas de 10x15 cm. sobre madera-metal-piedra, y fotografías realizadas con el motivo de la señalética en el contexto del paisaje. Con todo ello se irá componiendo una estructura de disposición espacial a la manera de una variación: tres etapas cromáticas que van yuxtaponiéndose y expandiéndose en el espacio según las experiencias del que aprende a observar un orden en el caos de un paisaje.

sábado, 4 de julio de 2015

Reassign, de Claudia González.

Centro Cultural Tomás y Valiente ( CEART ).
Sala C
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 9 al 26 de julio de 2015
Más información en claudiagonzalez.com - ceartfuenlabrada.es

Reassign, Claudia González.

Esta excepcional fotógrafa chilena afincada en Madrid, Santiago de Chile, 1977, ha estado los últimos cuatro años involucrada en la coordinación y gestión de eventos culturales relacionados con la fotografía, así como de proyectos expositivos en museos, galerías y ferias de arte de Europa y América.

Con Reassign, Claudia González ha conseguido dar una vuelta de tuerca a su propuesta inicial consiguiendo aunar la trascendencia y actualidad de la mejor fotografía documental con la plástica y el exquisito tratamiento que requiere una obra artística.

Reassign, Claudia González

El título del proyecto hace referencia a la denominación que se aplica a la persona que ha cambiado de sexo mediante intervención quirúrgica –reasignada- y por otro lado enmascara mediante un frío eufemismo el sentimiento, la pasión, el sufrimiento, y sobre todo el deseo de muchas personas por tener una identidad sexual clara y la aceptación de los demás.

Sin duda Reassign es de esos proyectos que permanecen en la memoria y que pueden ayudar a una mejor comprensión de la lucha que muchos emprenden sobre un derecho universal: la identidad de género.

Mediante brillantes retratos psicológicos en forma de dípticos, Claudia nos hace partícipes de la compleja vida interior de personas que han sufrido la discriminación, la doble moral y el rechazo de la sociedad y en muchos casos de sus propios familiares. Historias intensas, con más sombras que luces, que narran la lucha por la propia libertad sexual.

10 fotografías propiedad de la autora.

El óleo de Paul Gauguin "Nafea faa ipoipo"se incorporará a la exposición del Kunstmuseum Basel del Reina Sofía.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS ).
Planta 4ª
Edificio Sabatini
Hasta el 14 de septiembre de 2015
Más información en www.museoreinasofia.es
Paul Gauguin Nafea faa ipoipo - ¿Cuando te casarás?, 1892. Colección Rudolf Staechelin

Paul Gauguin Nafea faa ipoipo - ¿Cuando te casarás?, 1892. Colección Rudolf Staechelin


La obra se podrá contemplar en una de las salas que conforma la exposición Coleccionismo y Modernidad. Dos casos estudio: Colecciones Im Obersteg y Rudolf Staechelin, junto a obras de otros artistas de la talla de Picasso, Van Gogh, Renoir o Chagall, entre otros. El cuadro ha viajado desde la Fondation Beyeler, donde ha formado parte de una gran retrospectiva dedicada al autor francés, y se podrá ver hasta el 14 de septiembre en el contexto de la colección a la que ha pertenecido hasta hace unos meses, la de Rudolf Staechelin, que se exhibe de manera habitual en el Kunstmuseum Basel, y que debido a las obras de reforma acometidas por el edificio se encuentra en estos momentos en Madrid.

viernes, 3 de julio de 2015

XXII Concurso de Pintura y Grabado CBA.

Círculo de Bellas Artes
Sala Antonio Palacios
Planta 4ª
Calle Alcalá 42
Hasta el 12 de julio de 2015.
Más información en www.circulobellasartes.com - www.luciegeffre.com

D. con trenza, 100 x73 cm, 2014. Lucie Geffré, Premio Pintura 2015.

El 29 de junio se falló el XXII Concurso de Pintura y Grabado que organiza el Círculo de Bellas Artes. Resultaron galardonados Lucie Geffré, por su obra D. con trenza (Premio de Pintura); Inocencia Isabel Sanz, por su obra La calabaza (Mención de Honor, Pintura); María del Carmen de la Calle Llurba, por su obra Nube y árbol (Mención de Honor, Pintura); Susana del Real Iglesias, por su obra Apunte (Premio de Acuarela y Dibujo); José Luis Manzanaro Asenjo, por su obra Sin título (Mención de Honor, Acuarela y Dibujo), y Candelas Viyuela Flores, por su obra Kiosko de flores (Premio de Grabado).

El jurado encargado de seleccionar las obras lo integraron Mayte Castellano (galerista), Jacobo Pérez-Enciso (artista) y Álvaro Alcázar (galerista). Todas las obras participantes en el concurso están expuestas hasta el 12 de julio en la Sala Antonio Palacios del CBA.

jueves, 2 de julio de 2015

Fringe, Festival de Artes Escénica. Veranos de la Villa 2015.


Frinje Madrid se asoma este año al filo de los géneros para tomar impulso y saltárselos. Las más de 500 propuestas recibidas desde distintos rincones del mundo demuestran que la realidad escénica desobedece desde hace ya tiempo la tiranía de las etiquetas. En 2015 celebramos los cuerpos en movimiento, alentamos la creación en grupo, disfrutamos experiencias singulares, investigamos en laboratorios de creación, reinventamos enfoques y experimentamos de primera mano la inmediatez de una actualidad rabiosa, intensa y desafiante.

Frinje Madrid cartografía en su cuarta edición los territorios fronterizos de la escena y explora, para habitarlos, los espacios comunes de la creación, la exhibición y el pensamiento contemporáneo.

Frinje Madrid escribe del 3 al 25 de julio un manifiesto artístico que reivindica un diálogo activo entre creadores y espectadores, entre las realidades múltiples y las utopías (o distopías), entre la vanguardia y la tradición. Y lo hace con programación para mayores y pequeños en el escenario, en las terrazas, en los espacios convencionales y en los singulares.

Frinje Madrid cambia de rumbo, muta, se repiensa. Y estrena nombre con cuerpo de J: de Fringe a Frinje. En un homenaje a la sencillez juanramoniana; en un guiño a la particular y reconocible pronunciación con que suele llamar al festival el público madrileño.

Puedes descargar el programa en PDF aquí
Más información en www.frinjemadrid.com - www.mataderomadrid.org

miércoles, 1 de julio de 2015

SINESTESIA. Colección olorVISUAL #ArteTabacalera

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 3 de julio al 27 de septiembre de 2015.
Entrada gratuita
Más información en www.archivovisualdeexposiciones.es





Sinestesia es ver con el olor, oler con los ojos y ver cuando oyes a través de la memoria. Esa mezcla de sensaciones que nos transporta a lugares a través de relaciones indirectas. En base a este concepto gira la exposición, que se compone de una selección de entre las mejores obras de la colección olor Visual.

SINESTESIA. Colección olorVISUAL

La muestra, además, hace un repaso histórico por cómo estas sensaciones metafóricas, tan propias también del mundo del arte contemporáneo, nos acompañan a lo largo de la vida.

Iñaki Domingo y Ding Musa. Resonancias.

Espacio Promoción del Arte
Sala La Fragua
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 2 de julio al 6 de septiembre de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.archivovisualdeexposiciones.es

Ding Musa. "limite 1". 2014. © Ding Musa. Cortesía del artista

Organizan: Tabacalera. Espacio Promoción del Arte y PHotoEspaña
Produce: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte



Resonancias es un proyecto de Ding Musa (Brasil, 1979) e Iñaki Domingo (Madrid, 1978), dos fotógrafos pertenecientes a una misma generación de creadores que comparten intereses relacionados con conceptos como la luz, la percepción, el espacio o la forma geométrica. Su colaboración comienza en 2014, momento en que contactan y deciden mantener un diálogo visual a través del cual compartir sus búsquedas y preocupaciones, que culmina en una exposición en la que muestran su trabajo conjuntamente por primera vez. Entre las características comunes a su generación artística están el abordaje de la fotografía desde una perspectiva que asume la práctica tradicional pero que a la vez trata de expandirla; la reflexión sobre el lenguaje visual; las implicaciones que entrañan la creación de imágenes y el análisis de la materia de la que se componen; así como un sentido de responsabilidad política con el que cuestionan las imágenes existentes y proponen una nueva construcción visual del mundo y de su representación desde lo fotográfico. La exposición se configura como el resultado de una interacción entre ambos artistas interviniendo un espacio específico.