sábado, 31 de octubre de 2015

UPFRONT - Fotorreporteros de guerra.

Sala 1
Calle Conde Duque 9-11
Del 13 de noviembre de 2015 al 31 de enero de 2016.
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es

"Battle for Aleppo" - J.M. López

El fotoperiodismo cumple un cometido público: proporcionar información precisa y contextualizada a través de la imagen. Cuando el objetivo de la cámara enfoca las realidades más desgarradoras, el fotógrafo se convierte en correa de transmisión del dolor de sus protagonistas con el resto de la ciudadanía; se convierte así, de a lgún modo, en un foco que arroja luz sobre las zonas más grises de la Humanidad. 


UPFRONT Fotorreporteros
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Upfront, libro y exposición, nacen precisamente en un momento en el que foto-reporteros de España y América Latina tienen una presencia cada vez más protagónica en el mundo. Nos adentramos en la obra de veintitrés fotorreporteros de América Latina y España, no solo los más reconocidos, sino también aquellos que en su estela y desde postulados a veces más modestos y medios más limitados, mantienen vivo el compromiso y la excelencia de sus colegas.


"The Box", Gaza - Miguel Ángel Sánchez

UPFRONT Fotorreporteros Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Fotorreporteros: 

Rodrigo Abad, Pep Bonet, Manu Brabo, Olmo Calvo, Sergio Caro, José Colón, Ariana Cubillos, Luis de Vega, Esteban Félix, Raúl Gallego Abellán, Ricardo García Vilanova, Diego Ibarra Sánchez, Jm López, Andoni Lubaki, Catalina Martín-Chico, Andrés Martínez Casares, Maysun, Alfonso Moral, Natacha Pisarenko, Rafael S. Fabrés, Miguel Ángel Sánchez, Guillem Valle y Álvaro Ybarra.

Vallado de Melilla - José Colón

UPFRONT Fotorreporteros Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

La exposición, que se podrá visitar en la Sala 1 del Centro Cultural Conde Duque de Madrid desde el próximo 13 de noviembre, reúne un total de 74 fotografías, complementadas con tres proyecciones de vídeo que nos muestran el día a día del trabajo de un fotorreportero.

Juan Asensio

Galería Elvira González
Calle General Castaños 3
Del 5 de noviembre de 2015 al 9 de enero de 2016.
Más información en www.galeriaelviragonzalez.com



La galería Elvira González presenta el 5 de noviembre su séptima muestra individual del escultor Juan Asensio y el lanzamiento de la primera monografía del artista; un proyecto editorial realizado con la dotación del premio que la Fundación Arte y Mecenazgo –impulsada por la Obra Social “la Caixa”– concedió a la galería en 2013.

Ambos proyectos ponen de manifiesto la evolución y el desarrollo creativo de Juan Asensio. “Poco a poco mi obra ha pasado de la abstracción geométrica, con muy contenidas referencias a la naturaleza, a la actual en la que todo eso se manifiesta de manera más explícita y evidente”, tal y como expresa el artista y se refleja en la muestra y en el libro.

Sin título, 2015.
31 x 49 x 12 cm. Mármol blanco.

“Las obras para esta exposición son en gran parte fruto de la observación de la naturaleza en mi entorno más próximo, en los alrededores de mi estudio en la sierra de Guadarrama”, explica el artista. La selección que podrá verse en la galería estará compuesta por 14 esculturas en las que Asensio se acerca, desde la geometría, a lo orgánico y natural a través de diferentes materiales texturas y colores.

Por su parte, la monografía de la obra de Juan Asensio contará con texto de Francisco Calvo Serraller y supondrá un recorrido por las obras de este artista, desde una selección de piezas de los años 80 hasta algunas obras de producción más reciente que componen la exposición. El libro, editado en colaboración con la galería DAN de São Paulo, estará a la venta en ambas galerías.

La galería Elvira González ha realizado este libro gracias a la dotación del premio de la Fundación Arte y Mecenazgo, con el que fue reconocida la fundadora de la galería Elvira González en 2013. Los galardones organizados por la Fundación Arte y Mecenazgo llevan ya cinco ediciones reconociendo a un artista, una galería y una colección de referencia en el estímulo de la escena artística española. Esta entidad impulsada por la Obra Social “La Caixa” otorga estos premios para distinguir el trabajo de los actores implicados en el proceso de creación y divulgación del arte: artistas, galeristas y coleccionistas.

viernes, 30 de octubre de 2015

Alex Katz "Portraits".

Galería Javier López
Calle Guecho 12
Hasta el 13 de enero de 2016
Más información en es.javierlopezferfrances.com - www.alexkatz.com

Red Hat (Elise), 2013. Óleo sobre lienzo. 213,36 x 152,40 cm

La galería presenta una nueva exposición del artista norteamericano Alex Katz (Brooklyn, 1927). Portraits servirá de contrapunto y complemento a la gran retrospectiva sobre el pintor neoyorquino que se podrá ver este otoño y hasta el mes de febrero en el Guggenheim de Bilbao: Aquí y ahora, muestra que llega directamente del High Museum of Art de Atlanta. Si en el museo se reúnen paisajes pintados por Katz en los últimos 25 años, en la galería se mostrará una selección de obras centrada en otro de los géneros tradicionales que mayor reconocimiento le ha reportado a su autor: el retrato, incluyendo algunos ejemplos de sus trabajos más recientes.

Tras graduarse en la escuela de arte Cooper Union de Manhattan en 1949, Katz obtuvo una beca para estudiar en la escuela de pintura y escultura de Skowhegan en Maine, donde comenzó a interesarse por la naturaleza como referente para sus composiciones. A comienzos de los sesenta, influido por la fotografía, el cine, la televisión y la publicidad, comenzó a pintar a gran escala, procedimiento que combinó con su interés por el retrato clásico. En 1968 se instaló en un edificio gestionado por una cooperativa de artistas en el SoHo donde vive y trabaja desde entonces.

Durante décadas, su estilo único, inclasificable, comprometido con la pintura figurativa pero de estética distanciada, le mantuvo apartado de sus coetáneos. Empezó a desarrollar su técnica pictórica en pleno auge del Expresionismo Abstracto y se le ha considerado como un precursor del Pop Art, aunque nunca perteneció a ninguna de las dos tendencias. Algunos de los representantes más notables de la escena artística norteamericana de los ochenta, como David Salle y Francesco Clemente, lo tomaron como modelo válido para su práctica figurativa, y otros como Richard Prince o Liam Gillick han reivindicado sus aportaciones al discurso de la Modernidad.

Obras en sala - Galería Javier López

En la colección de retratos que conforman la actual muestra destaca la presencia de la figura femenina, habitual protagonista de sus composiciones no sólo de estudio sino también de las ambientadas al aire libre. Katz ha confesado su interés por captar la belleza de lo que le rodea, por lo que trata de representar la elegancia a través de detalles de la vida cotidiana que observa en su entorno más cercano: familiares y amigos, y también su círculo social: la intelectualidad artística de su ciudad. Pintados del natural y en una sola sesión, sus retratos ofrecen una vitalidad esencial e intemporal. En ellos las modelos se muestran enigmáticas y distantes como esculturas antiguas o pinturas renacentistas pero a la vez indiscutiblemente originales y contemporáneas, íntimas e icónicas al mismo tiempo.

La única presencia masculina entre los retratos de la exposición es la del propio pintor, su autorretrato aparece junto a las modelos que le sirven de excusa para desarrollar diferentes tratamientos de la figura humana: rostros de frente y de perfil en primerísimo plano con complementos de moda como sombreros y gafas de sol, de medio torso mirando directamente al espectador o de tres cuartos, retratos dobles, un estudio del desnudo… figuras que se recortan sobre fondos neutros -­‐ en este caso blanco o negro -­‐ y que constituyen un estilo reconocible al instante por su economía y delicadeza de línea, por el matizado uso del color y la sutil iluminación de las superficies planas.

Alex Katz es un artista de gran reconocimiento internacional, a lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y su obra ha pasado a formar parte de más de un centenar de colecciones públicas en todo el mundo, desde el MoMA, el Metropolitan -­‐ que este otoño abrirá una sala dedicada a su obra -­‐ y el Whitney de Nueva York, hasta la Tate Modern de Londres, el MMK de Frankfurt, el Albertina de Viena, el Museo Reina Sofía de Madrid o el Guggenheim de Bilbao. De abril del año pasado a mayo de 2015 la Tate Modern de Londres le ha dedicado una de sus Artists Rooms y en ese período también ha sido objeto de la muestra Drawings, Cartoons, Paintings en el Albertina de Viena. Recientemente su obra ha sido incluida en la exposición colectiva Face Value en la National Portrait Gallery de Washington y actualmente presenta Brand -­‐ New and Terrific: Alex Katz in the 1950s en el Colby Museum of Art de Waterville (Maine).

jueves, 29 de octubre de 2015

Objetos frontera. Exposición colectiva.

Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M).
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 4 de noviembre de 2015 al 28 de febrero de 2016.
Más información en ca2m.org

Objetos frontera. Exposición colectiva.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Las vitrinas de los museos etnográficos se hacen añicos. Los debates actuales de los museos y el arte contemporáneo sobre el futuro de las colecciones europeas y africanas están directamente condicionados a geografías coloniales y etnografías. Las obras de artistas internacionales creadas especialmente para esta exposición, plantean un desafío a la colonización visual de la mirada, un examen de los regímenes visuales establecidos y a sus representaciones y, en última instancia, a la construcción del “otro” en el museo.

Objetos frontera. Exposición colectiva.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Los artistas que aquí exponen están interesados en el futuro estatuto de los objetos que una vez fueron recogidos como artefactos culturales, como recuerdos y trofeos, y que hoy son cada vez más atribuidos a una globalización del arte. Apelando al concepto de “Objetos frontera”, la exposición se centra en el potencial de los objetos para trascender los contextos y significados establecidos.

Objetos Frontera.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Objetos Frontera.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Objetos Frontera.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.
Objetos Frontera.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Objetos Frontera.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

ARTISTAS

Asunción Molino, Burning Museum, Dierk Schmidt, Emma Wolukau-Wanambwa , Jorge Satorre Kader Attia, Lazara Rosell Albear, Lisl Ponger, Mariana Castillo Deball, Michelle Monareng, Paulo Nazareth, Peju Layiwola, Penny Siopis, Regina José Galindo Y Sammy Baloji.

entreFotos 2015

Casa del Reloj
Sala La Lonja
Pº de la Chopera 10 (Matadero).
Del 26 al 29 de noviembre de 2015
Más información en www.entrefotosferia.com



PARTICIPANTES 2015
Amarytierra
Alberto Franco Díaz
Andreas Strobel
Angélica Suela de la Llave
Antonio J Ferrer
Antonio Valverde
Beroiz Pérez de Rada

Amarytierra
entreFotos 2015

Héctor Jácome
Javier de Reparaz
Joan Forteza
Jorge Ruland Chidiak
Pepe Huelves
José Luis López Moral
José Luis Sánchez
José Luis Tejedor
Julián Ochoa
Laura Len
Lia G
Maite Arranz
MasauR
Manolo Portolés
María Antonia García de la Vega
Marta del Pino Molina
Pablo Pro
Pepe Frisuelos
Pilar Pequeño
Porfolio Natural
Rafer

Julián Ochoa
entreFotos 2015

Roberto San Eugenio
Samanta Aretino
Santi Xander
Soledad Pulgar
Tola Castillo
Xavier Gómez
Zita Echevarría
Ultravioleta

martes, 27 de octubre de 2015

Presentación: Colita, ¡porque sí!

Sala Sur
Calle Conde Duque 9-11
Hasta el 6 de diciembre de 2015
Entrada gratuita
Más información en www.condeduquemadrid.es

"Colita ¡porque sí!
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Colita, ¡porque sí!. 50 años de carrera profesional.
Más de 100 obras procedentes del archivo fotográfico de una autora marcada por su sentido de la ética y el compromiso.

Comisariado: Laura Terré

Isabel Steva Hernández "Colita".
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Lo primero que hice al enterarme de que esta exposición venía a Madrid fue anotar la fecha para que no se me pasase y publicar un post para compartir la noticia. Tenía muchas ganas conocer más sobre su trabajo, siempre me gustó su manera de retratar a las personas. Hoy la he visitado y la verdad es que no me ha defraudado.

Colita ¡porque sí!
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

La exposición se compone de 107 fotografías, proyecciones donde ampliar su contenido y varios murales que nos muestran lo extensa que es su obra. Echo en falta alguna vitrina con objetos personales, publicaciones, cámaras con las que ha trabajado... que sí se expusieron en Barcelona.

"Colita ¡porque sí!
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Durante los últimos 50 años ha tocado casi todas las temáticas fotográficas: moda, editorial, retratos en estudio, cine, música y espectáculos... pasando por fotografía urbana, manifestaciones y actos políticos durante los últimos años del franquismo y la transición, siempre desde un punto de vista muy cercano, ya que muchos de los personajes que ha retratado se encontraban dentro de su círculo de amistades.

"Colita ¡porque sí!
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Quizá por esto último los retratos son frescos, sin artificios, dando la sensación de no estar preparados, aunque en ocasiones sea ella misma quién se encargue del estilismo, muy moderno para le época.
Salvo alguna serie en color, su trabajo está realizado prácticamente en su totalidad en blanco y negro.

"Colita ¡porque sí!
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

No va a estar mucho tiempo expuesta (hasta el 6/12) así que no la dejéis para el final.

viernes, 23 de octubre de 2015

Presentación: "Más allá", de Fernando Sánchez Castillo.

Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M).
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Hasta el 28 de febrero de 2016.
Más información en ca2m.org

"Más allá" - Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

- La muestra revisa de forma crítica la historia y el papel del arte en su representación y en la configuración de nuestra mirada.



"Más allá" - Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

El CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid presenta “Más allá”, una exposición de Fernando Sánchez Castillo. Ferran Barenblit, comisario de esta muestra, presenta el trabajo escultórico del artista, ligado al concepto de monumento en la actualidad y a la relación del arte y la historia reciente de España, así como a su memoria.

"Más allá" - Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

La muestra está compuesta por una treintena de piezas del artista, entre esculturas, instalaciones, vídeo y pintura. Muchas de ellas son de nueva producción. Se podrá visitar desde el 23 de octubre de 2015 hasta el 28 de febrero de 2016.

Más allá

El título de la exposición, Más allá, genera múltiples lecturas. En primer lugar, ironiza con el nombre popular que, por su lejanía del centro de la capital, recibió hace décadas la ciudad de Móstoles, en la que Fernando Sánchez Castillo creció y a la que sigue muy ligado emocionalmente. En segundo lugar, juega con la aparente atracción de algunos líderes, sobre todo del siglo XX, por lo oculto y lo esotérico, como un modo de asegurar una legitimidad divina para su carisma y poder. Por último, es una declaración de intenciones por parte del artista: ir más allá en su trabajo, siempre un poco más lejos.

"Más allá" - Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

La exposición parte de obras ya existentes que le han llevado hacia otras más recientes, en una voluntad de continuidad y de extremar determinadas lecturas. Se incluye, igualmente, una recreación del propio salón de la casa del artista, así como un conjunto de apuntes que dirigen la mirada hacia posibles proyectos futuros. La noción de monumento, presente en la exposición, pone en tela de juicio la forma en la que los vencedores han escrito la historia y se han valido del arte para transmitirla en su momento y también hacia el futuro. Al releer la estatuaria tradicional, Fernando Sánchez Castillo subvierte las relaciones de poder y reclama el espacio propio del arte para cuestionarlas. La idea de reliquia se relaciona aquí con el concepto de fetiche, un artefacto que alimenta tanto los mecanismos del deseo como genera la base del capitalismo moderno basado en la producción y comercio de mercancías a nivel global.

"Más allá" - Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles.

Otras ideas que transitan por el conjunto de la obra de Fernando Sánchez Castillo de forma persistente son: el humor, generador de situaciones absurdas y cuya sinceridad desconcierta a instituciones y personas; el baile, igualmente capaz de generar un cierto estado de suspensión con respecto a la relación con nuestros cuerpos; la contundencia formal de su trabajo, que pasa por un control minucioso de escalas, materiales y procesos; la constante relación con la Historia del Arte, visible no solo en las referencias al barroco y el romanticismo, sino también al cubismo y al minimalismo como movimientos cargados de un intenso contenido político.

"La Dama", de María Teresa Mata.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 26 de octubre al 14 de noviembre de 2015.
Más información en www.galeriaorfila.com



Un hieratismo frontal, en cierto modo bizantino, pero acogedor de expresivas y líricas repentizaciones, califica la serie “Damas” que la pintora María Teresa Mata presenta en la Galería Orfila.

Quizás por su vinculación afectiva y emocional a la ciudad de Elche, la serie de cabezas que presenta en esta su segunda exposición en Madrid (la anterior en la Casa de Cantabria en el año 2013) bien puede interpretarse como una encendida y apasionada aproximación a la Dama escasa y poderosamente oferente que allí se halló, de manera fortuita, hace poco más de un siglo.

La supresión de cualquier rasgo identificativo o su reducción a trazos muy elementales, remiten al espectador a considerar los condicionantes sociales y económicos que determinarían hoy su existencia. Las adherencias ornamentales en vez de enfatizar su mitológica naturaleza colaboran eficazmente a contemporaneizar la melancólica y sobria representación.

Inaugurará su exposición el lunes 26 de octubre a las 19:30 h.

jueves, 22 de octubre de 2015

"No doy crédito", de Fabio McNamara.

La Fresh Gallery
Calle Conde de Aranda 5
Hasta el 27 de noviembre de 2015.
Más información en www.lafreshgallery.com



En los últimos años, Fabio se ha volcado en su producción pictórica, dentro de un estilo colorista y transgresor próximo al pop art. Sus temas recurrentes son la iconografía religiosa y estrellas del cine como Marilyn Monroe. En 2010 presentó una exposición en la galería La Fresh Gallery de Madrid. También en 2010 se publicó en Hermida Editores su primer libro de pintura, Colorissimo, en el que se resume su actividad pictórica desde los años 80 hasta el año 2010. En 2014, la editorial Espasa publicó Fabiografía, libro autobiográfico o de memorias, que McNamara escribió en colaboración con Mario Vaquerizo.

Nunca jamás una exposición tuvo un título tan bien elegido. Porque de no dar crédito es la nueva creación pictórica de uno de los pintores más prolíferos y con estilo propio que ha dado este país: Fabio McNamara.

Después de cinco años en los que no ha parado de crear en su estudio vuelve a LA FRESH GALLERY con fuerzas renovadas, nuevas técnicas y nuevo estilo: el miserabilismo que convive a la perfección con el glitter, los cristales Swaroski, caras monstruosamente humanas y desquiciadas así como con la utilización y mezcla de los colores más increíbles aderezados de “Tiparracas” y “Ladies Warhol” (marcas de la casa) que no dejarán indiferente a nadie.

En este mundo hacen falta más pintores como Fabio McNamara; con personalidades como él todos seríamos más cultos, más serios, más divertidos, más eclécticos, tendríamos personalidad única y por tanto todos seríamos más felices.

Mario Vaquerizo

Sin principio / Sin final, de Ignasi Aballí.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Sabatini.
Planta 3ª
Calle Santa Isabel 52
Del 28 de octubre de 2015 al 14 de marzo de 2016
Más información en www.ignasiaballi.netwww.museoreinasofia.es



El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia abre al público el próximo 28 octubre una exposición dedicada a Ignasi Aballí (Barcelona 1958). La obra de este artista catalán propone una reflexión conceptual sobre la representación y la percepción de medios como la pintura, el objeto, la fotografía, la ficción, el cine o el vídeo. Su trabajo, iniciado en los años 80, inventa y reorganiza textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que podemos atribuirles.

Ignasi Alballí - Exhibition continues, 2015.
Digital print on photographic paper, 70x50cm.

La muestra se centra en su producción de los últimos diez años, presentando también algunas obras menos conocidas de períodos anteriores. Se propone un recorrido articulado en torno a las ideas estéticas del artista, que cuestionan el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte, a través de fotografías, vídeos e instalaciones, esculturas, pinturas y collages, y con un ecléctico muestrario de materiales no convencionales como hojas, polvo, óxido, metales, recortes de periódicos o trozos de billetes de banco, que se convierten en fragmentos de una poética crítica de las condiciones de representación de la vida y del arte en el mundo contemporáneo.

Entre las cuestiones abordadas por la obra de Aballí, podemos destacar el análisis del lenguaje y, más concretamente, la relación entre texto e imagen, entre las palabras y las cosas o entre los objetos y los términos que los definen. Algunas de las obras presentes en la exposición que ilustran estos conceptos son, por ejemplo, la serie de las denominadas Cartas de colores [Teoría] (2007) o las Vitrinas CMYK (2010), cuatro vitrinas -una por cada color de las tintas que se utilizan en los procesos de impresión- en las que el soporte convencional de la obra de arte se convierte en la propia obra y cuya función no es la de mostrar sino la de “demostrar” la paradoja de lo que no se ve.

Ignasi Aballí Libretas negras, 2008.
Impresión digital sobre papel fotográfico, 89 x 105 cm. Colección particular

Otra preocupación habitual en su trabajo es la dicotomía entre presencia y ausencia, donde especula con las nociones de desaparición, transparencia, invisibilidad e ilegibilidad. El resultado es una serie de obras en las que, pretendiendo insinuar más que afirmar, la presencia de los objetos es tan solo evocada. Es un singular juego con el espectador que consiste en la búsqueda de la realidad y de la ficción, de lo visible y de lo invisible, de lo transparente y de lo opaco o de lo que se muestra y lo que se esconce. Ejemplo claro de esta práctica son entre otras series Tomar medidas (2010), donde los aparatos de medición son los protagonistas, Entre líneas (2011), instalación basada en el espacio vacío e ilegible de los textos o la dedicada a las Dobles lecturas (2010), con alusiones a autores como Bernhard o Joyce.

Destacar por último, tal vez como el elemento intrínseco más característico de este artista, su necesidad de clasificar y ordenar. Encontramos a un creador que colecciona, inventaría y dispone meticulosamente las informaciones de los periódicos o recoge las imágenes reproducidas hasta el infinito. Hablamos ahora de series como Terminologías básicas del color, Listados, Mapamundi o Inventarios, realizadas todas entre 1998 y 2015 y en las que la repetición insistente de motivos iguales a primera vista lleva a la aparición de la diferencia.

miércoles, 21 de octubre de 2015

Pedro Madueño. Cinco minutos. Retratos periodísticos. 1977-2015.

CaixaForum Madrid
Pª del Prado 36
Del 22 de octubre de 2015 al 10 de enero de 2016.
*Entrada 4€
Más información en www.pedromadueno.com - obrasocial.lacaixa.es


La fotografía de prensa se basa en la urgencia del momento. El fotógrafo cuenta con muy poco tiempo para hacer su trabajo. A menudo, en apenas cinco minutos, en los que hay que preparar el escenario, pensar una composición y captar la expresión de la persona que tiene delante suyo. A veces, la imagen que se obtiene con este procedimiento trasciende el ámbito estricto de la fotografía de prensa. El fotógrafo capta la personalidad de su modelo y consigue fijarla en una imagen perdurable. A lo largo de 35 años de carrera, Pedro Madueño se ha convertido en un maestro de este tipo de retrato.

"Pedro Madueño. Retratos periodísticos. 1977-2014" propone un recorrido por los diferentes temas que Madueño ha tratado en sus fotografías, a partir de unos cincuenta retratos publicados en el diario La Vanguardia, donde colabora habitualmente.


Se abre con una sección muy amplia dedicada a los escritores (Terenci Moix, Juan Goytisolo, Eduardo Mendoza, Quim Monzó, Sergi Pàmies) que Madueño ha retratado en escenarios urbanos, relacionados con su personalidad literaria. Madueño ha fotografiado las grandes figuras de la literatura internacional, como Salman Rushdie o John Irving, Fernando Arrabal o Joyce Carol Oates. El escenario es generalmente el hotel y, a veces, la habitación, que ofrece un espacio de intimidad. Destacan especialmente los retratos de primer plano. El rostro es tratado como si fuera una geografía. Un encuadre singular y el contraste entre luces y sombras subrayan el aspecto físico del retrato.


Las fotografías de Pedro Madueño ofrecen también un testigo de la evolución de la sociedad catalana y española a lo largo de casi cuatro décadas. En los últimos años ha fotografiado figuras emergentes del mundo del espectáculo, de la política, del arte o de la fotografía como el cirujano Moisès Broggi, el cocinero Ferran Adrià, la cineasta Isabel Coixet, el juez Garzón o el escultor Jaume Plensa... A su lado, los referentes de la cultura de los años de la Transición: los actores Adolfo Marsillach y Fernando Fernán Gómez, el bailarín Cesc Gelabert, los fotógrafos Leopoldo Pomés y Francesc Català-Roca, los artistas Joan-Pere Viladecans y Eduardo Chillida...

Madueño habla con sus modelos y les propone un gesto. Les invita a coger una cámara (si se trata de un fotógrafo) o a pintarse la cara (si se trata de un pintor). Les indica un lugar (al lado de una ventana o bajo la luz cenital) para lograr la máxima intensidad. La complicidad de los personajes es un elemento clave de su trabajo.

El paso de las páginas del periódico en la sala de exposiciones y las reproducciones en gran formato otorgan una nueva dimensión a estas fotografías. Mientras, la posibilidad de contemplar en conjunto el trabajo de estos años permite establecer conexiones entre las distintas piezas y valorar aún más la aportación de Madueño al retrato periodístico.


Mediante su trabajo, Madueño ha acercado al público los creadores de hoy, mostrando su aspecto más humano y personal. Gracias a sus fotografías, muchos lectores de periódicos se han interesado por los versos de un poeta, la obra de un pintor o el espectáculo de un bailarín. La mirada de Madueño revela aspectos siempre nuevos, desde puntos de vista insólitos, con una gran profundidad psicológica.

Obra invitada: Grupo escultórico, de Francisco Salzillo.

Museo Thyssen-Bornemisza
Sala 6 - Planta 2ª
Pº del Prado 8
Hasta el 24 de enero de 2016
Más información en www.museothyssen.org

Francisco Salcillo
Custodia (1760-1770) y Pareja de ángeles (1764).
Conjunto Monumental de San Juan de Dios, Murcia.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

El Museo acoge durante tres meses un grupo escultórico realizado por el artista murciano Francisco Salzillo en la segunda mitad del siglo XVIII. Perteneciente al Conjunto Monumental de San Juan de Dios, en Murcia, está formado por dos tallas de madera: una custodia y una pareja de ángeles. Salzillo (1707-1783) se formó en el taller de su padre, el escultor napolitano Nicolás Salzillo, al que sucedió tras su muerte. En reconocimiento a sus méritos, fue nombrado escultor de la ciudad de Murcia en 1755 y cuenta en su producción tanto con figuras aisladas como con pasos procesionales, como los de la Cofradía de Nuestro Padre Jesús.

Grupo escultórico Francisco Salcillo.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

La Custodia (c. 1760-1770) que se expone en el Museo es única entre sus obras. Ejecutada en madera, un material inusual para este tipo de piezas religiosas, se ubicó en la iglesia de San Esteban de Murcia. Incluye una peana con volutas enrolladas, rocallas y motivos vegetales de gran dinamismo, y un viril de marco circular, con cuatro ángeles niños a su pie.

La Pareja de ángeles (c. 1764), por su parte, procede de la iglesia murciana de San Juan de Dios y ha podido ser identificada en el testamento del canónigo de la catedral de Murcia, don José Marín y Lamas. Las figuras se sitúan sobre unas nubes que hacen de pedestal y marcan con sus posturas fuertes diagonales, lo que, unido al plegado de las telas, les otorga gran movimiento.

lunes, 19 de octubre de 2015

Avance: Sombras del ayer. Ernesto Rancaño.

Centro Cultural Tomás y Valiente (CEART).
Sala B
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 5 de noviembre al 9 de diciembre de 2015.
Más información en ceartfuenlabrada.es

El Perdón, 2011. Ernesto Rancaño.

Ernesto Mateo Rancaño Vieites, Ciudad de La Habana, Cuba, 1968.

Miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) y de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (A.I.A.P.) se licenció en 1991 Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro. Especialidad de pintura y dibujo

“Sombras del ayer” es una obra que versa y propone la reflexión sobre cuestiones referentes a los pares antagónicos memoria-olvido, soledad-compañía, pasado-presente.

La vida del ser humano está condicionada por la relación entre pasado-presente-futuro, en ella el individuo reflexiona constantemente, sobre el valor de lo vivido y proyecta estas imágenes en busca de respuestas y guías para el futuro. Una especie de recorrido lineal que el hombre intenta asiduamente avizorar y completar.

Es esta la idea que motiva el origen de Sombras del ayer; de ahí que se pueda apreciar, la construcción de dos realidades que se entrecruzan entre sí y crean un juego entre la sensación de lo real y lo ilusorio. Por un lado el objeto físico, que muestra un presente incompleto, marcado por las pérdidas que el ser humano experimenta a lo largo de su vida, que lo hacen indefenso, vulnerable, y que de igual manera lo fortalecen. Por otro, aparecen los recuerdos (pasado), materializados a través de las sombras, imágenes distorsionadas que son reflejo de uno mismo, metáforas a su vez de la condición imperfecta del ser humano. Estas pueden entenderse también como anhelos (futuro), como la proyección de lo que el individuo espera sea mejor, luego de un camino ya recorrido.

El juego que se establece entre el objeto físico incorporado, y las sombras que se proyectan en las cajas de luces es el elemento clave de Sombras del ayer. Los objetos reales que se utilizan funcionan como recursos metonímicos para representar el todo al cual se refiere, y la imagen conceptual es completada por la silueta de la sombra, entiéndase, fertilidad (mujer-zapatos), la vida trunca, (árbol-tronco) y la contemplación (silla -hombre).

Sombras del ayer recrea escenarios que apelan a la síntesis formal, con una escala que coloca al espectador al mismo nivel de la pieza y un montaje que lo obliga a recorrerla permitiéndole observar y observarse. Es una obra que propone espacios contemplativos, donde el ser humano constantemente se repiensa y se cuestiona en busca de su verdad.




Con motivo de esta exposición, dentro del ciclo Encuentros con el Arte, tendrá lugar en este mismo centro la conferencia "La carta que nunca te escribí" donde Ernesto Rancaño hablará sobre sus trabajos anteriores.

Erenesto Rancaño "La carta que nunca te escribí"
Martes 10 de noviembre a las 19:30 horas
Centro Cultural Tomás y Valiente
Sala A 
Entrada libre hasta completar aforo.

Fernando Sánchez Castillo. Más allá.

Centro de Arte Dos de Mayo
Av. de la Constitución
Móstoles - Madrid
Del 23 de octubre de 2015 al 28 de febrero de 2016.
Más información en ca2m.org

Más allá. Fernando Sánchez Castillo.
Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Madrid.

Comisariado: Ferrán Barenblint

El Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid (CA2M) presentará el próximo 23 octubre “Más allá”, una exposición de Fernando Sánchez Castillo. Comisariada por Ferran Barenblit, la muestra girará en torno al trabajo escultórico del artista, al concepto de monumento en la actualidad y a la relación del arte y la historia reciente de España, así como a su memoria.

La muestra estará compuesta por una treintena de piezas del artista, entre esculturas, instalaciones, vídeo y pintura. Muchas de estas piezas son de nueva producción. Se podrá visitar desde el 23 de octubre de 2015 hasta el 28 de febrero de 2016.

La exposición debe su nombre a la obsesión de Fernando Sánchez Castillo por ir más allá en cada uno de sus proyectos. A partir de piezas ya creadas, el artista vuelve a situar la misma idea para crear una nueva pieza y obtener un resultado más ambicioso o, al menos, más alejado del punto de partida. Esta necesidad de ir hacia adelante le lleva a pensar en el sentido del monumento y su capacidad de conmemoración y evocación. En un segundo paso, esa evocación se convierte en algo más sutil, para deambular entre el espacio de la memoria.

A través de elementos mucho más inmateriales (una cierta cantidad de aire, unos datos reflejados en un estudio), trae al presente elementos casi olvidados del pasado y los convierte en reliquias. Por último, en una tercera fase se fija directamente en la historia, desplegando a través de algunas estructuras sus tensiones y sus dramas.

Frente a lo efímero de la vida, el arte ofrece la permanencia para siempre. La escultura es una resurrección: en mármol o en bronce, la estatuaria fue y es la forma por la cual emperadores, papas y reyes desafían la frontera que separa el aquí del más allá. La imagen cada vez se ha puesto más al alcance de más individuos y, en los últimos 200 años, ha conseguido estar al alcance de cualquiera. La escultura, al contrario, se mantiene como un reducto para pocos y es, por tanto, un ejercicio de poder.

Fernando Sánchez Castillo mira siempre a la Historia y, sobre todo, a su representación a través del arte. Cuestiona tanto los sucesos del pasado como su lectura. Sus obras giran en torno al análisis detallado de la noción de poder y los mecanismos que tiene para manifestarse en la sociedad. Su mirada crítica al uso de la violencia por parte del estado es paralela a su interés por observar cómo se ha usado el arte para expresar poder. Al mismo tiempo, muchas otras de sus obras se fijan en cómo el propio arte ha generado una gran caja de resonancia, cargada de simbolismo, para sustentar esas ideas.

Avance: Kandinsky. Una retrospectiva.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 1ª
Plaza de Cibeles 1
Del 20 de octubre de 2015 al 28 de febrero de 2016.
Más información en www.centrocentro.org

Wassily Kandinsky Schwarzer Raster, 1922 Huile sur toile, cm 96 x 106 Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris, Bequest of Mrs. Nina Kandinsky in 1981 © domaine public Photograph © Centre Pompidou, MNAM‐CCI / Service de la documentation photographique du MNAM / Dist. RMNGP © Vassily Kandinsky, VEGAP, Madrid, 2015

- Kandinsky. Una retrospectiva es una muestra monográfica que recorre la trayectoria artística y espiritual de Wassily Kandinsky a través de cerca de 100 de sus obras principales.

- Es una exposición organizada por CentroCentro, el Centre Pompidou de París y Arthemisia Group, y está comisariada por Angela Lampe.


Wassily Kandinsky Im Grau, 1919 Huile sur toile, cm 129 x 176 Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Legs de Mme Nina Kandinsky en 1981 © domaine public Photograph © Centre Pompidou, MNAM‐CCI / Adam Rzepka / Dist. RMN‐GP © Vassily Kandinsky, VEGAP, Madrid, 2015


CentroCentro Cibeles acoge, desde el próximo mes octubre, la exposición Kandinsky. Una retrospectiva, una de las mayores muestras monográficas que se han hecho en España de la obra del pintor ruso, que se convertirá en uno de los principales acontecimientos culturales de la temporada.

Cumplidos casi 150 años del nacimiento de Wassily Kandinsky (1866–1944), pionero del arte abstracto y uno de los pintores vanguardistas más destacados de todos los tiempos, la muestra recorre su trayectoria artística y espiritual a través cerca de 100 piezas maestras de su obra —lienzos, acuarelas y grabados—, procedentes de la colección del Centre Pompidou.

Wassily Kandinsky Improvisation 3, 1909 Huile sur toile, cm 94 x 130 Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Donation de Mme Nina Kandinsky en 1976 © domaine public Photograph © Centre Pompidou, MNAM‐CCI /Adam Rzepka / Dist. RMN‐GP © Vassily Kandinsky, VEGAP, Madrid, 2015

Kandinsky. Una retrospectiva es una exposición organizada por CentroCentro, el Centre Pompidou de París y Arthemisia Group, organizador de la itinerancia, y está comisariada por Angela Lampe, comisaria de Arte Moderno en el Museo Nacional de Arte Moderno del Centre Pompidou.

La muestra se pudo ver en 2014 en el Palazzo Reale de Milán, donde la disfrutaron más de 200.000 visitantes, antes de viajar a Milwaukee y Nashville, en Estados Unidos. Se exhibirá en CentroCentro del 20 de octubre al 28 de febrero de 2016.

Wassily Kandinsky Gelb-Rot-Blau, 1925 Huile sur toile, cm 128 x 201,50 Collection Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris Donation de Mme Nina Kandinsky en 1976 © domaine public Photograph © Centre Pompidou, MNAM‐CCI / Philippe Migeat / Dist. RMN‐GP © Vassily Kandinsky, VEGAP, Madrid, 2015

Un recorrido por la vida y obra de Kandinsky La exposición recorre los periodos clave de la vida de Kandinsky, desde los primeros años en Alemania, pasando por sus años en Rusia y finalizando con su estancia en Francia, a través de obras fundamentales como Alte Stadt II (1902), Lied (1906), Improvisation III (1909), Im Grau ( 1919), Gelb-Rot-Blau (1925) y Bleu de ciel (1940).

El recorrido es cronológico, y se desarrolla a lo largo cuatro secciones: Munich, 1896–1914, Rusia, 1914–21, Bauhaus, 1921–33, París, 1933–44.