domingo, 31 de enero de 2016

Avance: El coloquio de los perros. Sofía Gandarias.

Antiguo Hospital Santa María la Rica
Calle Santa María la Rica 3
Alcalá de Henares - Madrid
Del 26 de febrero al 27 de marzo de 2016.
Entrada gratuita
Más información en www.gandarias.es  - culturalcala.es

El coloquio de los perros. Sofía Gandaria
Sala Exposiciones Santa María La Rica, Alcalá de Henares, Madrid.

Con los lienzos de Sofía estamos, pues, ante un principio absoluto y con el grado supremo de la originalidad. Una figuración del Quijote siquiera remotamente realista no puede prescindir, incluso si es para contrastarlos, de los arquetipos de una tradición que va ya por los cuatrocientos años. Frente al Coloquio, el artista, nuestra artista, tiene el campo franco: sólo te toca medirse con ella misma.

El coloquio de los perros. Sofía Gandaria
Sala Exposiciones Santa María La Rica, Alcalá de Henares, Madrid.

Como filólogo, no puede menos de encantarme la sensibilidad con que Sofía se fija en el adagio clásico “Habet bovem in lingua” o traduce la locución mutatio caparum a un delicioso despliegue de color.

El coloquio de los perros. Sofía Gandaria
Sala Exposiciones Santa María La Rica, Alcalá de Henares, Madrid.

Pero incluso legos como yo no podrán sino sentirse devueltos a las pinturas negras de Goya. A la altura de ese insigne linaje se sitúa este coloquio de Sofía Gandarias con Miguel de Cervantes y su fauna perruna, humana y diabólica.

Francisco Rico

sábado, 30 de enero de 2016

Fina Miralles. ARCOmadrid en el MAN.

Museo Arqueológico Nacional
Sala de exposiciones temporales
Calle Serrano 13
Del 17 de febrero al 27 de marzo de 2016.
*Entrada gratuita a la exposición
Más información en www.finamiralles.comwww.man.es


En su 35 Aniversario, la feria ARCOmadrid  se abre a la ciudad y le rinde homenaje presentando intervenciones de artistas en espacios singulares, sin vinculación con el arte contemporáneo, en un proyecto comisariado por Javier Hontoria.

El MAN se suma a la iniciativa acogiendo la obra Naturaleses naturals, de Fina Miralles, presentada por primera vez en la barcelonesa Sala Vinçon en 1973 y una de las instalaciones más relevantes de la etapa de juventud de la artista catalana.

Fina Miralles - Naturaleses naturals, Galería Vinçon, Barcelona, 1973

Miralles explora en esta obra las relaciones entre materiales naturales y materiales artificiales en el marco de las tensiones entre la naturaleza y la acción del ser humano. La reconstrucción de esta instalación en un museo arqueológico se enmarca en las nuevas lecturas que sobre el “arte pobre”, o arte Povera, han surgido recientemente en los circuitos nacionales e internacionales.

La elección de Naturaleses naturals responde al modo en que Miralles se acerca a la relación que trazamos con el acervo natural, al que simplemente contrapone su reflejo artificial. Cada elemento está presente en sus dos versiones, centrándose la artista en el modo en que los artificiales imitan a los naturales, en “la sustitución del significado decorativo por el valor de la presencia pura del material”, como ella misma definió en su día.

viernes, 29 de enero de 2016

XIX Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 3ª
Plaza de Cibeles 1
Del 3 al 28 de febrero de 2016.
Entrada gratuita
Más información en www.centrocentro.org - www.medicosdelmundo.es/premioluisvaltuena

Supervivientes © Olmo Calvo
Ganador XIX Premio Luis Valtueña.

CentroCentro acoge por tercer año consecutivo la exposición colectiva de las obras finalistas del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, otorgado por Médicos del Mundo. El Premio alcanza su XIX edición como referente de la fotografía humanitaria, más allá de las fronteras de nuestro país, en su papel de acercar la realidad que millones de personas viven a diario en el mundo.

La muestra se abre al público el 3 de febrero y permanecerá en el centro hasta el 28 de febrero.

El dolor del retorno © Luis Mejía
Primer Finalista

El fotógrafo cántabro Olmo Calvo es el ganador de esta edición, con la serie "Supervivientes en busca de refugio", que recoge imágenes del éxodo de personas sirias, iraquíes o afganas que huyen de la guerra rumbo a los países del norte de Europa. El campo de Roszke en Hungría y distintos puntos en las fronteras de Serbia, Macedonia y Grecia son el escenario de esta serie. Es la segunda vez que este fotógrafo consigue el premio, que ya logró en la XVI edición.

Miles de vidas en juego © Santi Palacios
Segundo Finalista

La convocatoria del premio ha recibido más de 300 candidaturas, entre las que han sido seleccionados otros tres trabajos finalistas. El peruano Miguel Mejía Castro ha sido designado primer finalista con "El dolor del retorno, víctimas inocentes entre los años 1980 y 2000", basado en el enfrentamiento entre Sendero Luminoso y el ejército peruano. El segundo finalista, Santi Palacios Castaño, con la serie "Miles de vidas en juego para llegar a Europa", muestra otra visión de la crisis del Mediterráneo, la del trayecto entre Turquía y la isla griega de Lesbos que realizan miles de personas a bordo de frágiles embarcaciones de plástico. Javier Guijarro Bagur resultó tercer finalista con "Madrid dormitorio", que muestra algunos de los lugares donde personas sin hogar pasan sus noches, invisibles al resto de la sociedad.

Dormitorio © Javier Guijarro
Tercer Finalista

El Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña se convoca anualmente en recuerdo de cuatro cooperantes asesinados en Ruanda en 1997 y Bosnia en 1995 cuando trabajaban en proyectos de acción humanitaria: Flors Sirera, Manuel Madrazo, Mercedes Navarro y Luis Valtueña. Éste último era fotógrafo de profesión, motivo por el cual este Premio lleva su nombre, y en España trabajaba como reportero para la Agencia Cover.

Tras diecinueve ediciones de trayectoria, el Premio se ha consolidado como un referente de la fotografía humanitaria y de denuncia de violaciones de derechos humanos. El galardón consiste en una beca de 6.000 euros destinada a la realización de un proyecto fotográfico en una de los ámbitos de trabajo de Médicos del Mundo.

jueves, 28 de enero de 2016

FACESLESS, de Coco Dávez

Monkey Garden
Calle Barco 38
Del 11 de febrero al 13 de marzo de 2016.
Inauguración 11 de febrero a las 19:30 horas
Más información en cocodavez.com - www.monkeygarden.com


La ilustradora Coco Dávez presenta su exposición FACELESS, una muestra individual compuesta por su nueva colección de pinturas, un giro de 360 grados en su trabajo artístico.

Tan solo con la simplicidad de las formas y la combinación de colores puros, Dávez, consigue captar la esencia personal de cada personaje. Un retrato que desdibuja el rostro hasta hacerlo desaparecer, para representar a través de los tonos primarios la energía del retratado.

De este modo, el uso del color se convierte en un aliado para representar sentimientos, vivencias y recuerdos, en lugar de ser un mero instrumento de representación realista. Cada retrato tiene un simbolismo de carácter muy personal, marcado por su concepción vital; que la artista hace suyo hasta convertir al personaje en un icono, un símbolo.



En este proceso de esquematización y síntesis marcado por un estilo propio y casi íntimo, podemos encontrar ídolos de tonos “fauvistas” como Picasso, David Lynch, Jacques Cousteau, Basquiat, Anjelica Huston, Bill Murray, Jean-Paul Belmondo, Cher, Patti Smith, Yayoi Kusama…

FACELESS llenará Monkey Garden, ubicado en la Calle Barco número 38 de Madrid, de coloridos rostros sin cara del 11 de Febrero al 13 de Marzo de 2016. La exposición está comisariada por Óscar García García y organizada por PAC Plataforma de ArteContemporáneo.

La inauguración tendrá lugar el jueves 11 de Febrero, a las 19:30h. con una gran fiesta con DJ en directo. ¡Os esperamos!

miércoles, 27 de enero de 2016

Avance: "Estradas dos graos", de Ricardo Teles

Casa de América
Sala Guayasimín
Plaza de Cibeles 2 (entrada por Marqués del Duero).
Entrada gratuita
Del 3 al 24 de febrero de 2016.
Más información en www.ricardoteles.com.brwww.casamerica.es

Estradas dos grãos, de Ricardo Teles.
Galería Guayasimín, Casa de América, Madrid.

Desde el próximo miércoles día 3 y hasta el 24 de febrero, se podrá visitar en Casa de América (Galería Guayasamín) la exposición “ Estradas dos graos” del fotógrafo brasileño Ricardo Teles, organizada por la Embajada de Brasil en Madrid y la Fundación Cultural Hispano Brasileña.

“Estradas dos graos” está compuesta por un total de 10 fotografías, que muestran el día a día en la vida de los camioneros por las carreteras de Brasil. Además, cada una de las instantáneas está acompañada por un panel explicativo en el que se describe la historia que hay detrás de cada imagen.

Estradas dos grãos, de Ricardo Teles.
Galería Guayasimín, Casa de América, Madrid.

“Estrada dos graos” se enmarca dentro del proyecto fotográfico “Transbrasilianas”. La idea comenzó cuando el fotógrafo Ricardo Teles fue contratado para documentar, a lo largo de un año, la construcción de una fábrica en el extremo sur del estado de Bahía a orillas de la BR 101, una de las principales carreteras del país que transcurre por la costa brasileña de norte a sur. Teles fue testigo de la transformación de todo un universo creado en los laterales de las carreteras.

Estradas dos grãos, de Ricardo Teles.
Galería Guayasimín, Casa de América, Madrid.

Para el fotógrafo, las carreteras son los principales nexos de unión entre las comunidades y los canales de abastecimiento de la producción. Éstas sintetizan el duelo entre las nuevas fronteras agrícolas y ambientales y también el rico universo social que vive y depende de ellas para su subsistencia.

Matador R propone un apasionante viaje por el mundo de la Botánica.

La revista Matador cumple 20 años, dos décadas en las que la revista de arte, cultura y tendencias ha logrado ofrecer las obras más exquisitas de los creadores más destacados del mundo en una publicación que apuesta por un concepto radical y un diseño innovador y espectacular.

Matador R

El volumen R de Matador se interna en la Botánica, un mundo que ha atraído el interés de numerosos artistas a lo largo de la historia y que aún hoy sigue causando asombro. La revista propone un apasionante viaje por el primer eslabón del que depende toda la vida terrestre recopilando reproducciones de documentos y dibujos inéditos de las primeras expediciones botánicas españolas del siglo XVIII, fotografías y textos de creadores clásicos, vanguardistas y contemporáneos que muestran su visión sobre un mundo apasionante.

Matador R abre con el Desiderátum de Gonzalo Nieto, doctor en Biología por la Universidad Complutense, profesor de investigación del CSIC y ex director del Real Jardín Botánico, un texto inédito de la escritora Belén Gopegui y los Matadores, que en esta ocasión son las rosas Harry Maasz, Barones Rothschild y Cécile Brunner, fotografiadas de forma exquisita por Ciuco Gutiérrez.

Spanish Banks, Small Willow (#1), 2000. © Rodney Graham

Matador aborda esta ciencia desde diferentes perspectivas. El desarrollo de la botánica se ilustra con dos documentos históricos imprescindibles, el Systema Naturae de Carlos Linneo y la paleta de colores de Tadeo Haenke, que supone el primer pantone de la historia. Las expediciones botánicas a América, epítome de la pasión científica del siglo XVIII, se presentan con un dossier de dibujos botánicos y vegetales desecados de Ruiz y Pavón, junto a un texto de Antonio González Bueno, doctor en Ciencias Biológicas por la Universidad Autónoma de Madrid.

Asimismo, se incluyen textos de clásicos como Santiago Ramón y Cajal, Alexander von Humboldt y Aimé Bonpland, y de expertos contemporáneos como Pepe Carrión, catedrático de Evolución Vegetal y profesor de Botánica Evolutiva en la Facultad de Biología de la Universidad de Murcia; Tod Stuessy, doctor en Filosofía Botánica Sistemática por la Universidad de Texas y Pedro Jordano, profesor de investigación del CSIC en la Estación Biológica de Doñana.

La atracción que la botánica ha despertado en el mundo del arte se muestra a través de las históricas creaciones de Arcimboldo, acompañadas por un ensayo de Miguel Falomir, director adjunto de Conservación e Investigación del Museo Nacional del Prado.

Alabama Fields. © Helene Schmitz.

Además, Matador incluye las visiones más vanguardistas, como las revolucionarias fotografías de flores dela estadounidense Imogen Cunningham, acompañadas por un texto de su nieta, la escritora Elizabeth Partridge, y las imágenes que Paul Strand tomó de su propio jardín, en la localidad francesa de Orgeval, presentadas por el comisario, editor y conservador de fotografía Carlos Gollonet.

Entre las propuestas contemporáneas se encuentra el retrato que la fotógrafa suecaHelene Schmitz ha hecho de la violenta propagación del kudzu, una de las especies más agresivas del mundo, en Estados Unidos, junto al ensayo El abrazo asesino de la naturaleza, de la poetisa sueca Marie Lundquist; la selección de fotografías de árboles invertidos de Rodney Graham, con texto de Friedrich Meschede; la particular galería contemporánea de flores de Stephen Gill, presentada por Horacio Fernández; y el trabajo de Rose Chalalai Singh fotografiado por Martin Bruno que muestra cómo numerosas culturas han utilizado especies vegetales como base de su alimentación, aportando un sinfín de variedades de plantas y frutos, en muchos casos desconocidos o ignorados, a la gastronomía contemporánea.

Por último, los escritores Llucia Ramis, Andrés Ibáñez y Aixa de la Cruz son los encargados de abordar los “sueños botánicos” a través de tres relatos, El jardín seco, El saúco. Palabras, árboles, perfumes y Neologismos, respectivamente.

Cuaderno de artista: Juan Uslé
El Cuaderno de Artista de Matador R es un trabajo inédito de Juan Uslé (Hazas de Cesto, Cantabria, 1954), uno de los artistas españoles más prestigiosos del panorama internacional. Con el apoyo de la Fundación Banco Santander, Matador presenta Bitácora Lux, un conjunto de veinte acuarelas y un texto realizados y seleccionados personalmente para este Cuaderno de Artista. Anotaciones visuales de un cuaderno de bitácora, donde la luz y el blanco del papel testimonian la idea de un viaje en construcción, la soledad del viajero en un universo de espacio mucho mayor.

Bodega Matador
El volumen R de Matador se acompaña del Vino Juan Uslé, procedente de la bodega 4Kilos, situada en Mallorca. Su viñedo de Son Roig combina un microclima mediterráneo fresco, un suelo franco arcilloso con abundante canto rodado y la agradable variedad local Manto Negro. Una crianza en barricas de 500 litros durante 12 meses da lugar a este vino de la Bodega Matador, que muestra la esencia de la variedad de uvas de una bodega cuyo trabajo en la vinificación es de máximo respeto y mínima intervención.

Más información en www.revistamatador.com

Carlos Merodio. Pintura.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 29 de febrero al 19 de febrero de 2016.
Más información en www.galeriaorfila.com

Carlos Merodio
Galería de Arte Orfila, Madrid.

Con una dilatada trayectoria artística, que se inicia con su participación en los Concursos y Exposiciones Nacionales durante los años sesenta del pasado siglo, siendo seleccionado después en importantes muestras colectivas, como la itinerante “Arte Español Actual”, en Bruselas y Munich (1974), o, más tarde, el XII Premio BMW de Pintura (1998), Carlos Merodio, sin embargo, no es un pintor que se haya prodigado en exposiciones individuales –aun siendo a estas alturas ya inevitablemente numerosas -, pues su modo de hacer, su entendimiento de la pintura, tiende a esa labor silente y largamente minuciosa en el estudio, respondiendo a una autoexigencia que contrasta luego con la facilidad y frescura de su obra final. Quizá este rigor suyo se deba a haber sido profesor de dibujo artístico en las Escuelas de Artes Plásticas y Diseño, como también la geométrica estructura de sus formas y sus, con todo, siempre dinámicas composiciones, en las que el elemento figurativo tiende a la abstracción propia del aislado ornamento, pero tras insuflarle vida propia a través de ese gozo en que Merodio parece regodearse y que felizmente nos transmite. Algo parecido sucede con el grafismo del color: tintas planas cuya complejidad tonal y el conjunto que configuran (naturalezas vivaces, interiores y figuras de compartida voluptuosidad) se aleja de la neutra frialdad, pongamos por caso, del arte pop, aunque éste sea una de sus fuentes.

Tras ser expositor habitual de la Galería Macarrón, de Madrid (con muestras personales en 1972, 1974, 1978 y 1982), entre las últimas exposiciones individuales de Carlos Merodio cabe destacar las celebradas en la Sala Isabel del Farnesio, Aranjuez (2004), las galerías Larra 10, de Madrid (2005), Lorenzo Colomo, Valladolid (2006) y ahora, Orfila (2016).

Inaugurará su exposición el viernes 29 de enero a las 19:30 horas.

martes, 26 de enero de 2016

Avance: La réplica infiel

Centro de Arte Dos de Mayo
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Del 18 de marzo al 25 de septiembre de 2016.
Más información en ca2m.org

La réplica infiel.
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid.

Comisarios: Nuria Enguita y Nacho París
*Inauguración: 17 de marzo. Primer "día de intensidad".


El CA2M presentará en marzouna muestraque reflexiona sobre el poder y el sentido de las representaciones.
‘La réplica infiel’ reúne propuestas que abordan las posibilidades del arte como acto de habla e invención.

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid presentará en marzo ‘La réplica infiel’, una exposición comisariada por Nuria Enguita y Nacho París. La muestra recogerá un conjunto de propuestas (debates, conferencias, performances, conciertos, un ciclo de cine y una publicación) destinadas a discutir sobre los límites y las posibilidades del arte como acto de habla e invención, en combate con y contra su propio método y las condiciones que lo endiosan o lo instrumentalizan.

‘La réplica infiel’ incluye el trabajo de Anna Boghiguian, Anna Oppermann, Teresa Lanceta, Carla Filipe, Mladen Stilinović, Saskia Calderón, Xavier Le Roy/ Scarlet Yu, Xisco Mensua, Inmaculada Salinas, Isaías Griñolo, Virginia de Medeiros, Julio Jara y Sunah Choi; los textos de Willy Thayer, Bojana Cvejic, Laurence Rassel, Nacho París y Nuria Enguita y el discurso de Tomás Pollán; las actuaciones de Los Flamencos y El Grup Instrumental de Valencia entre otros. Durante la exposición, habrá tres ‘días de Intensidad’ en los que habrá conferencias, performances, conciertos y distintos actos. Los ‘días de intensidad’ serán el 17 de marzo, fecha de la inauguración, el 7 de mayo y 24 de septiembre.

También se realizará un ciclo de cine que tendrá el humor como elemento central, ya que este funciona como una ruptura de las reglas y pone en cuestión los órdenes preestablecidos del lenguaje y los acontecimientos. Este ciclo, que será presentado, entre otros, por Santiago Aguilar y Felipe Cabrerizo, reunirá a la Pantera Rosa con Beckett y Cantinflas; Jardiel Poncela, Tono y Mihura, Pierre Étaix, P.P. Pasolini, René Viénet, Luis Buñuel y Pedro G. Romero.

lunes, 25 de enero de 2016

La mujer Ochoa: Modernismo y modernidad.

Museo Cerralbo
Sala de exposiciones temporales
Calle Ventura Rodríguez 17
Del 28 de enero al 26 de abril de 2016.
*Entrada gratuita a la exposición
Más información en museocerralbo.mcu.es - www.enriqueochoa.com



Museo Cerralbo de Madrid, y la Fundación Pintor Enrique Ochoa inaugurarán el próximo día 28 de enero la exposición “La mujer Ochoa. Modernismo y Modernidad” del pintor Enrique Ochoa (1891-1978) y que estará abierta hasta el 26 de abril de 2016 en la Casa-Museo Cerralbo en Madrid.

Esta exposición retrata a aquellas mujeres que fueron musas y refleja el mundo femenino y su entorno en el primer cuarto del siglo XX, su realidad, contemplando distinto ambientes sociales, especialmente el cosmopolita y aristocrático del periodo de entreguerras. La inquietud de Ochoa, su ritmo de vida y su constante curiosidad le lleva a conocer y pintar desde Gala Federova, la que fue primera bailarina del Ballet Ruso en París, hasta Tórtola Valencia, bailarina española, y toda una diva, que llegó a actuar en los grandes teatros de la ciudad de la luz.

La mujer Ochoa: Modernismo y modernidad.
Museo Cerralbo, Madrid.

Como cronista de las revistas ilustradas de la época, especialmente de Blanco y Negro, acaba siendo uno de los ilustradores de cabecera, con varias portadas, y en las que plasma en sus numerosos viajes a París a una mujer moderna, en la que se inspira y en la que centra su mirada seductora. Es ahí donde Ochoa acaba siendo también un corresponsal de las nuevas tendencias de la moda. Esta exposición reúne algunas de las obras más significativas de esta época como “Dama Chic”, “Cosmopolita” o “Capricho oriental””.

Esta exposición temporal, es un complemento perfecto a las instalaciones de la Casa-Museo Cerralbo. Un palacete del Madrid de finales del XIX y principios del XX y que recoge una de las mejores colecciones de la época. En sus salones nos podemos imaginar a las protagonistas de los retratos de Enrique Ochoa, desde el salón de té hasta el salón de baile de la segunda planta del edificio.

La mujer Ochoa: Modernismo y modernidad.
Museo Cerralbo, Madrid.

La muestra es una buena oportunidad también para admirar los detalles que tienen que ver con la estética de la mujer modernista de la época, su vestuario, su maquillaje, sus poses y su forma de abertura a una nueva sociedad que tenía en París el espejo en el que mirarse. Tras la Primera Guerra Mundial (1918) la mujer se libera y hacia 1920 se puede decir, nace la mujer “moderna”. Chanel acorta las faldas, impone la bijouterie, el little black dress y el pelo a lo garçon o bob-cut. Nace la mujer “flapper”: La que fuma, usa pantalones y baila charleston subida a las mesas. Son los llamados “Años locos”.

Desde sus inicios, Ochoa se caracterizó como un retratista excepcional en el contexto del primer cuarto del siglo XX, destacando también por su magistral técnica del dibujo como ilustrador de libros (entre los que cabe citar las obras completas de Rubén Darío) o en las principales revistas de la época como La Esfera, Blanco y Negro o Mundo Latino.

viernes, 22 de enero de 2016

Drawing Room Madrid. Feria del dibujo contemporáneo

Drawing Room Madrid
Calle Velázquez 12
Del 24 al 28 de febrero de 2016.
Más información en drawingroom.es


Un total de 19 galerías nacionales e internacionales participarán en la primera edición de DRAWING ROOM MADRID, la feria de arte especializada en el dibujo contemporáneo que se celebra del 24 al 28 de febrero en el corazón del barrio de Salamanca. Los proyectos de una treintena de artistas de distintas generaciones estarán representados por 11 galerías españolas y 8 extranjeras procedentes de Europa, China y Latinoamérica.
En la selección de proyectos artísticos destacan nombres muy relevantes del dibujo contemporáneo como el francés Abdelkader Benchamma o el griego Christos Venetis. Tres líneas de trabajo han definido los criterios curatoriales adoptados en el desarrollo del proyecto: la práctica dibujística autónoma en los artistas jóvenes, relacionada con los procesos de ideación de la obra de arte, privilegiados frente a la ejecución y el objeto final, manifiesta en los casos de Raúl ArtilesNadia Barkate o Tamara Arroyo; la importancia del dibujo como campo de reflexión en los artistas de media carrera, entre los que destacan los escultores Cristina Iglesias y Jonathan Callan y la evolución del dibujo en China a través de Lei Ziren y Zhao Lu, dos artistas formados en CAFAla Academia de Bellas Artes de Pekín, que reelaboran una tradición en la que la búsqueda del ritmo y la expresividad se basa en el trazo, la pincelada y el vacío. 

Santiago YDÁÑEZ. Untitled, 2015.Grafito y acrílico sobre papel.31 x 24 cm

Dirigida por la comisaria y productora cultural Mónica Álvarez Careaga, las galerías participantes en DRAWING ROOM MADRID han sido invitadas por un comité curatorial integrado por comisarios y galeristas entre los que se encuentran: Juan González de Riancho, director de la galería Siboney, en Santander; Ramon Sicart, director de la galería Sicart, en Barcelona y las comisarias Simona Gavioli, de Bolonia y Susana Sanz, de Pekín.
DRAWING ROOM MADRID es un encuentro especializado que marcará la ocasión para hacer descubrir al publico la riqueza de la práctica transgeneracional del dibujo contemporáneo, en donde se encuentra la nueva generación de artistas que se lo ha apropiado como médium privilegiado y la indiscutible devoción de los grandes maestros por el dibujo.
Las galerías invitadas a esta primera edición son: 
ADN GALERÍA Barcelona
Abdelaker Benchamma (Mazamet, Francia, 1975)

XD CULTURE PLATFORM Pekín
Lei Ziren (Jiang Xi, China, 1967)

GALERÍA SICART Vilafranca del Penedès, Barcelona
Ruth Morán (Badajoz, 1976)
Gonzalo Elvira (Neuquén, Argentina, 1971)

Katrin Bremermann (Bremen, Alemania, 1965)
Santiago Ydáñez (Jaén, 1969)

Jonathan Callan (Manchester, Reino Unido, 1961)

Károly Keserü (Budapest, Hungría, 1962)
Christos Venetis (Ioannina, Grecia, 1967)

NUBE GALLERY Santa Cruz
Liliana Zapata (Bolivia, 1985)

GALERÍA TRINTA Santiago de Compostela 
Elena Blasco (Madrid, 1950)
Marta Bran (Melide, A Coruña, 1986)

Gabriela Kraviez (Argentina, 1965)

Nadia Barkate (Bilbao, 1980)

José Miguel Pereñíguez (Sevilla, 1977)

NOVA INVALIDEN Berlín
Jesús Zurita (Ceuta, 1974)
Rául Artiles (Las Palmas de Gran Canaria, 1985)

Tamara Arroyo (Madrid, 1972)
Miguel Rodríguez Sepúlveda (Tampico, México, 1971)


EL HUERTO DEL TERTULIANO Fuente Olmedo, Valladolid
Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956)
Felipe Ortega Regalado (Cáceres, 1972)

SARO LEÓN Las Palmas de Gran Canaria
Paco Guillén (Las Palmas de Gran Canaria, 1974)
Julio Blancas (Las Palmas de Gran Canaria, 1967)

SHONE-SHOW GALLERY Pekín
Zhao Lu (Qingdao, Shandong, China, 1980)

Vicenzo Merola (Campobasso, Italia, 1979)
Alessandra Maio (Italia, 1982)

CAVECANEM Sevilla
Antonio Sosa (Coria del Río, Sevilla, 1952)

SIBONEY Santander
Javier Arce (Santander, 1973).

jueves, 21 de enero de 2016

VII Edición 'Se busca comisario'. Cuestionamiento I. Territorio.

Sala de Arte Joven Comunidad de Madrid
Av. de América 13
Del 28 de enero al 24 de abril de 2016.
Más información en www.madrid.org

Cuestionamiento I. Territorio.
Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid.

Comisariado: Martim Dias

La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid presenta la exposición Cuestionamiento I – Territorio del comisario Martim Dias. La muestra forma parte del proyecto ganador de la VII edición de Se busca comisario, iniciativa con la que la Comunidad de Madrid pretende dinamizar la escena artística madrileña, dar visibilidad a la creación emergente y facilitar el acceso al mundo profesional de los jóvenes comisarios.

Cuestionamiento se estructura en dos exposiciones y un programa de actividades que establecen un diálogo entre artistas madrileños y portugueses. Partiendo de un modelo curatorial colaborativo, en el que los propios artistas han participado en el proceso de forma activa mediante la puesta en común y el debate, se pretende impulsar la reflexión en torno a dos grandes asuntos: el territorio y la sociedad, y cómo ambos intervienen en el modelo social actual y el valor del pasado en la construcción del futuro.

La exposición Cuestionamiento I – Territorio tiene como objetivo llevar el visitante a cuestionar ideas previamente establecidas de lo que es, o puede ser, un territorio, así como la manera en que habitamos y construimos los nuestros. Para esta primera exposición, el comisario ha contado con Irene Grau, Teresa Solar Abboud, Lois Patiño, Ana Catarina Pinho, Dalila Gonçalves, Andrés Pachón y Sérgio Carronha. A través del dibujo, la instalación, el videoarte o la fotografía se presenta el acercamiento a un concepto esencialmente polisémico, como es el de territorio, de estos siete jóvenes artistas ibéricos.

En paralelo a la exposición se llevará a cabo un programa de actividades que profundizará en el discurso de la muestra mediante la participación de personalidades del ámbito académico y profesional en diferentes disciplinas como la arquitectura, la sociología, la historia, la geografía y el mundo del arte.

Avance: Wyeth: Andrew y Jamie en el estudio.

Museo Thyssen-Bornemisza
Planta -1
Pº del Prado 8
Del 1 de marzo al 19 de junio de 2016.
Más información en www.museothyssen.org

Andrew Wyeth Lejanía 1952 .Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

El Museo Thyssen-Bornemisza presenta junto con el Denver Art Museum la primera retrospectiva en Europa sobre Andrew y Jamie Wyeth, destacados representantes del realismo americano del siglo XX.

Más de 60 obras, procedentes de instituciones públicas y colecciones privadas, algunas de ellas nunca antes expuestas en público, ofrecen al visitante la oportunidad de conocer la obra de estos dos artistas, padre e hijo, así como detalles de su vida y de su capacidad creativa.

Andrew Wyeth. Mi joven amiga. 1970. Museo Thyssen-Bornemisza.

Comisariada por Timothy Standring, conservador de pintura y escultura de la Gates Foundation del Denver Art Museum, permite, además, descubrir cómo en ocasiones el trabajo de ambos discurría en paralelo, se complementaba o incluso servía para plantear desafíos entre ellos. El generoso acceso a las colecciones privadas de Andrew y Betsy Wyeth y de Jamie Wyeth ha permitido al comisario desarrollar un completo proyecto expositivo, con importantes obras de Andrew Wyeth (1917-2009) y de Jamie Wyeth (1946), que recorren todos los periodos de sus carreras. La muestra llega al Museo procedente de Denver, donde se ha podido visitar del 8 de noviembre de 2015 al 7 de febrero de 2016.

miércoles, 20 de enero de 2016

Lizzie Fitch/Ryan Trecartin. Priority Innfield.

La Casa Encendida
Salas A, B y C
Ronda de Valencia 2
Del 5 de febrero al 24 de abril de 2016.
*Entrada gratuita
Más información en www.lacasaencendida.es

Lizzie Fitch/Ryan Trecartin. Priority Innfield.
La Casa Encendida, Madrid.

La Casa Encendida presenta por primera vez en España, en exposición individual, el trabajo de Lizzie Fitch (Bloomington, Indiana, 1981) y Ryan Trecartin (Webster, Texas, 1981). La muestra, compuesta por cinco escenografías –pertenecientes a la Zabludowicz Collection– que a su vez contienen cuatro películas, explora el impacto de las nuevas tecnologías de la comunicación en el lenguaje y en la construcción de la identidad llevada a nuevos extremos.

Para muchos, el trabajo de Lizzie Fitch y Ryan Trecartin puede describirse como la película que resultaría de una colaboración entre El Bosco y Keith Haring; para otros, es como si Facebook hubiese tenido una pesadilla. Fitch y Trecartin son conocidos como videoartistas, pero también han trabajado la escultura, la instalación y la fotografía.

Sus películas son una mezcla de arte performativo, sitcoms e hipnóticos collages digitales. Intentar descodificar un argumento o tratar de entender a alguno de sus personajes de forma convencional frustrará al espectador en su experiencia: la mejor forma de acercarse a su trabajo es dejarse llevar y permanecer atentos a las conexiones que establezca nuestro cerebro.

Resulta natural que esta pareja de artistas haya elegido el vídeo por encima de la pintura o la instalación; no en vano, han crecido en la era de la televisión por cable rodeados de pantallas, televisores y plasmas. Como consecuencia, han creado un universo en el que todo y todos son conscientes de ser grabados, editados y, por último, emitidos. En última instancia sus personajes –si se les puede llamar así– aspiran a ser imágenes: lo real pasa entonces a un nivel secundario.

El montaje de sus vídeos es acelerado, ralentizado o hacia atrás; los colores brillantes y exagerados; la carne se vuelve plástico en postproducción; los títulos de las películas pueden llegar a leerse como archivos de datos corruptos o como acrónimos imposibles de reproducir. Este caos aparente es metáfora de la inestabilidad con la que los artistas perciben a la humanidad y de cómo el exceso de información y los nuevos lenguajes surgidos en Internet están banalizando la sociedad.

La muestra, titulada Priority Innfield, se compone de cinco escenografías –Pole, Fence, Villa, Way y Tilt– que a su vez contienen cuatro películas –Junior War, CENTER JENNY, Item Falls y Comma Boat–, con las que exploran el impacto de la comunicación en el lenguaje y en la propia construcción de la identidad llevada a nuevos extremos.

La colaboración entre estos artistas residentes en Los Ángeles comenzó en el año 2000, convirtiéndose en los abanderados de toda una generación de jóvenes artistas americanos entre los que se encuentran Cory Arcangel, Ryder Ripps o Shana Moulton. Creadores que han abrazado la proliferación de los medios digitales en las pasadas dos décadas y que han sabido aunar la crítica a la sociedad de consumo con su adoración por la estética pop. En una búsqueda de referentes, podríamos enraizar el trabajo de estos artistas en la genealogía norteamericana de la subversión que va desde el kitsch siniestro de John Waters a la identidad múltiple y difusa de Cindy Sherman, pasando por las violentas rupturas de las performances de Paul McCarthy. Aun así, ninguno de ellos se acerca del todo a su particularísimo universo.

Esta exposición forma parte de una itinerancia organizada por la Zabludowicz Collection y supone una adaptación completa de la instalación que pudo verse en la 55 edición de la Bienal de Venecia en 2013.

lunes, 18 de enero de 2016

Avance: Wifredo Lam

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS
Edificio Sabatini
Planta 1ª
Del 5 de abril al 15 de agosto de 2016
Más información en www.wifredolam.net - www.museoreinasofia.es

Wifredo Lam ante una de sus obras de la serie Brousses en su taller de Albissola, 1963

Iniciador de una pintura mestiza que unía modernismo occidental y símbolos africanos o caribeños, Wifredo Lam (Sagua La Grande, 1902 - París, 1982), se codeó con todas las vanguardias del momento, afrontando también los problemas del mundo. Su obra profundamente comprometida, exploradora de diversidad de expresiones y de medios, desde la pintura al dibujo, del grabado a la cerámica, persigue el mismo combate que su amigo Aimé Césaire: “pintar el drama de su país, la causa y el espíritu de los Negros”. Lam tomó consciencia desde muy joven de la cuestión racial y de sus implicaciones sociales y políticas en Cuba, en Europa y, más adelante, en Estados Unidos. Asociado a diversos ambientes nacionales, sociales y culturales, siempre mantendrá una postura distante, sin caer en los papeles ni las proyecciones de identidad que le imponen, con buena voluntad, amigos y admiradores. Lam inventó un lenguaje propio, único y original para defender la dignidad de la vida y la libertad.

Wifredo Lam. Natividad, 1947. Pintura. Colección Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

La exposición vuelve sobre la génesis de su trabajo pero también sobre las diversas etapas y condiciones de la recepción e integración progresivas de una obra pacientemente construida entre España, París-Marsella y Cuba. Traza la singular trayectoria del artista a través de alrededor de doscientas cincuenta obras –pinturas, dibujos, grabados, cerámicas– completada con más de trescientos documentos –cartas, fotografías, revistas, libros–. Este vasto material ilumina el contexto de su trabajo y de su pensamiento, deteniéndose en sus años en España (1923-1938), en los sorprendentes grabados de los años sesenta y setenta y en sus colaboraciones con los más destacados escritores de su tiempo, así como en las obras capitales creadas a la vuelta a su Cuba natal (1940-1950), y, en definitiva, muestra una vida comprometida dentro de un siglo agitado.

VII Premios de Microvídeo Fundación Canal.

La Fundación Canal lanza la VII edición de sus Premios de Microvídeo, con el arte reciclado como eje.

La iniciativa se inscribe en la XVIII Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid.

Los participantes, que optan a 1.500 euros en premios, podrán presentar sus trabajos hasta el 15 de marzo a través de www.fundacioncanal.com 




La Fundación Canal, en colaboración con la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, ha convocado una nueva edición de sus Premios de Microvídeo, en el marco de la XVIII Semana del Cortometraje, con el objetivo de dar cabida a nuevas formas de expresión en el ámbito del cine y del vídeo.

En esta ocasión, el concurso busca vídeos de no más de un minuto que plasmen el concepto “Arte reciclado”, entendido éste en el sentido más amplio: desde la creación a partir de la reutilización de materiales o la interpretación de obras maestras hasta la creación artística generada por la propia naturaleza, entre otras posibilidades.

El jurado, formado por un representante de la Fundación Canal, otro de la Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid y por un profesional del mundo audiovisual, valorará la creatividad, la imaginación, la amplitud de miras y la calidad técnica y artística de la pieza, además de la originalidad y la adecuación al tema escogido.

Los vídeos podrán realizarse con cualquier tipo de dispositivo y los participantes podrán concursar en solitario o en equipo y hacerlo con una o más obras, inéditas y originales. Los trabajos pueden presentarse hasta el próximo 15 de marzo, a través de www.fundacioncanal.com.

La dotación de los premios es de 1.000 euros para el ganador y 500 euros para el segundo galardonado. Los nombres de ambos se harán públicos el 16 de abril, coincidiendo con la entrega de premios de la XVIII Semana del Cortometraje de la Comunidad de Madrid.

La de este año es la VII edición de un concurso que nació a raíz del creciente interés que empezó a suscitar el mundo audiovisual hace unos años, al entender que la imagen es el modo más directo de mostrar la realidad que nos rodea.

Las temáticas de las ediciones anteriores han sido: “Sólido, líquido, gaseoso” (2010), haciendo referencia a los tres estados del agua; “Ciudad de Agua” (2011), que mostraba el compromiso del ser humano con su entorno presente y con un futuro sostenible; “Comerse el agua” (2012), que hacía referencia al lema del Día Mundial del Agua de ese año (“Agua y seguridad alimentaria”), que relacionaba el derecho a la alimentación y el derecho al agua; “Las formas del agua” (2013), que mostraba el compromiso de los ciudadanos con este bien tan preciado y, a la vez, escaso; y “Madrid en positivo” (2014), que pretendía destacar los aspectos más favorables de Madrid.

El eje temático de la edición celebrada el año pasado fue el de “Fauna urbana”, con el que se buscaba plasmar aquellos personajes pintorescos, llamativos y diferentes de la ciudad.

viernes, 15 de enero de 2016

1 más 1. David Salcedo

FNAC Callao
Calle Preciados 28
Hasta el 28 de febrero de 2016.
Más información en www.salcedofoto.comwww.culturafnac.es - www.fnac.es

1 más 1. David Salcedo.
FNAC Callao, Madrid.

David Salcedo, nuevo Premio Talento FNAC de Fotografía.

En el porfolio ‘1 más 1’, ganador del Premio Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2015, David Salcedo hace un ejercicio de exploración artística relacionando imágenes aparentemente inconexas. El resultado es una serie de dípticos que dialogan fluidamente entre sí, encontrando un sentido poético a nivel individual y una lectura onírica del trabajo en su conjunto.

© David Salcedo. Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2015.

“Siempre me ha intrigado la manera en la que se relacionan las fotografías entre sí, la magia que surge de esa fusión. Este proyecto es la materialización de la tarea de explorar los abismos de esas uniones, y descubrir lo que se crea entre ellas”.

En esta serie el autor ha ido descifrando el lenguaje de cada imagen, aparentemente sencillo, pero lleno de complejidades. Evitando el azar en la unión de cada fotografía, ha provocado un diálogo fluido entre ellas. Salcedo consigue, de esta manera, sugerir ambientes y situaciones dentro de una propuesta cerrada y coherente, pero de significado abierto.

© David Salcedo. Nuevo Talento Fnac de Fotografía 2015.

El resultado es una serie de dípticos que tiene un principio y un final por sí mismos, a la vez que se establece una lectura global de todo el conjunto.

jueves, 14 de enero de 2016

Visita a: Castro Prieto, Irene Cruz, Catherine Armand y Na Lee.

Centro de las Artes de Alcorcón / Teatro Buero Vallejo
Av. Pablo Iglesias s/n
Alcorcón - Madrid
Hasta el 13 de febrero de 2016.
Más información en www.castroprieto.comn-lee.com - www.catherinearmand.com - www.irenecruz.comcmabuerovallejo.blogspot.com.es

Entre dos mundos, Na Lee
Centro Cultural de las Artes, Alcorcón, Madrid.

Una de las mejores opciones para un día de lluvia es visitar una exposición, pero como también supone ir de atasco en atasco, hoy no he ido demasiado lejos y me he acercado a Alcorcón. Ayer se inauguraron cinco exposiciones de fotografía en el Centro Cultural Buero Vallejo.

Zeitraum Traum / Ilusión espaciotemporal, Irene Cruz.
Centro Cultural de las Artes, Alcorcón, Madrid.

Dos de estas exposiciones ya os las había recomendado:
Esperando al cargo, de Juan Manuel Castro Prieto, y Zeitraum Traum / Ilusión espaciotemporal, de Irene Cruz.  La expo de Castro Prieto ya la había visto en una versión reducida en 2007 en el CEART de Fuenlabrada, y de Irene Cruz conocía algunas fotografías; después de la visita, reitero mi recomendación.

Esperando al cargo, Juan Manuel Castro Prieto.
Centro Cultural de las Artes, Alcorcón, Madrid.

Las otras dos exposiciones que también se inauguraron ayer en este mismo centro son:
"Historias cotidianas", de Catherine Armand. La muestra está conformada por tres series: Apariencias, El azar de las decisiones y La vida de los pensamientos.

Serie "El azar de las decisiones", Catherine Armand.
Centro Cultural de las Artes, Alcorcón, Madrid.

10 X 10, exposición colectiva. Ariadna G. Caneiro, Dara Scully, Elisa González Miralles, Elena Gimeno Dones, Gracia Fernández, Irene Cruz, María Latova, María Sánchez, Marta Fernández y Patricia Sánchez Trujillo.
El título es también el nombre del colectivo fotográfico. Son series de diez fotografías a 10x10cm. El tamaño y la escasa iluminación de la sala (luz natural-hoy día lluvioso) complican bastante el ver las fotografías, creadas inicialmente (creo, no he encontrado información sobre la expo) para photobooks  (ya no se puede utilizar el término fotolibro ;) )de pequeño formato.

Os dejo un par de textos sobre Entre dos mundos, de Na Lee

Cuando las culturas son distintas, las lenguas: las similitudes o el entendimiento no verbal se pierden y toca buscar la nueva identidad.
Una nueva raza de personas que han perdido sus raíces, ha proliferado con fuerza en la globalización de nuestro planeta. Perdidos por su color, su idioma o sus rasgos, que son capaces de rechazar hasta de donde vienen o quienes son; en unas ocasiones porque se miran al espejo y no ven lo que el mundo ve, y en otras ocasiones sencillamente no entienden nada.
Su recuerdo genético y la conciencia irracional es lo que no puede ser traicionado, ni la misma historia.
Con estas imágenes, en mi proyecto "Entre dos Mundos" simbolizo una reconstrucción para liberar un entendimiento de la distancia y el recuerdo constante del dolor y la muerte.


nalee


Entre dos mundos, Na Lee
Centro Cultural de las Artes, Alcorcón, Madrid.


Homenaje a mi padre

Cuando los recuerdos empiezan a difuminarse, las historias son memorias traducidas por bocas desconocidas para gente forastera.
El tiempo se difumina y la luz que se apagó.
Sólo recuerdos que desaparecen entre otros nuevos en el interminable tiempo.
Sólo recuerdos que nunca volverán entre aquellos ya vividos.
Traducido por mi mente e intercambiando palabras de otros se van perdiendo sílabas susurradas.
Ya sólo quedan pensamientos olvidados, impulsos electrónicos que salen suaves. Impulsos que nunca podrán volver junto a mis recuerdos y que empiezan a difuminarse.

Avance: Gravity. Richard Long.

Ivorypress Gallery
Calle Comandante Zorita 48
Del 23 de febrero al 3 de abril de 2016.
Más información en www.richardlong.org - www.ivorypress.com/es

Gravity - Richard Long
Espacio Ivorypress Gallery, Madrid


El 23 de febrero Ivorypress presentará las exposiciones Gravity, del artista británico Richard Long (Bristol, 1945), y la muestra de los libros de artista publicados por el Library Council del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

Para su primera exposición individual en una galería en España, Richard Long presenta dos instalaciones site-specific con granito de la sierra de Madrid, una pintura, y la serie de dibujos de barro creados para la publicación Gravity, de la colección LiberArs de Ivorypress en 2009.

Entre las exposiciones individuales destacadas de Richard Long se incluyen las realizadas en Arnolfini, Bristol (2015); Faena Art Center, Buenos Aires (2014); Hamburger Bahnhof, Berlín (2010); Tate Britain, Londres (2009); San Francisco Museum of Modern Art (2006); National Museum of Modern Art, Kioto (1996); Philadelphia Museum of Art, Filadelfia (1994) y el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1986). Long representó a Reino Unido en la 37.ª Bienal de Venecia (1976) y ganó el Premio Turner en 1989. Recibió la distinción Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura de Francia (1990), ha sido elegido miembro del Royal Academy of Arts, Londres (2001), fue galardonado con el Praemium Imperiale en el campo de la escultura (2009) y fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico en 2013.

Olafur Eliasson. Your House. Cortesía Museo de Arte Moderno de Nueva York 

Su obra forma parte de las colecciones del Centre George Pompidou (París, Francia), Art Gallery of Ontario (Toronto, Canadá), la E. Hoffmann Collection, (Basilea, Suiza) Museum of Modern Art (Nueva York, EE. UU.) y la Tate Collection (Londres, R.U.) entre otras.

Ivorypress ha trabajado con el artista en dos publicaciones: en el libro de artista Walking and Sleeping producido por Ivorypress en 2007 y en Gravity, de la serie LiberArs, en 2009. Paralelamente Ivorypress expondrá la colección de libros de artista del Library Council del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Los artistas presentes en la colección y exposición son los siguientes: Douglas Aitken, Vija Celmins, Olafur Eliasson, Beatriz Milhazes, Rebecca Quaytman, Susan Howe, Annette Messager, Abelardo Morell, Oliver Sacks, Ted Muehling, Gabriel Orozco, Ranjani Shettar, Joelle Tuerlinckx y Yun Fei-Ji. Esta es la primera vez que todas estas ediciones se reunirán en una misma exposición en Europa. Es, también, la primera vez que el nuevo libro de Guillermo Kuitca se presenta al público. Las obras podrán visitarse permanentemente como parte de la colección de Ivorypress.

Coincidiendo con esta exposición se celebrará una mesa redonda el día 25 de febrero a las 11:00 h con la participación Milan Hughston, director de la biblioteca del MoMA; May Castleberry, editora de las ediciones contemporáneas del MoMA Library Council; y los artistas Richard Long y Guillermo Kuitca. La mesa estará moderada por Elena Ochoa Foster, editora y fundadora de Ivorypress.

miércoles, 13 de enero de 2016

Clase Magistral Aleix Plademunt

Centro de Arte Alcobendas
Auditorio
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Alcobendas - Madrid
Miércoles 20 de enero de 2016 a las 18:00 horas
Entrada libre hasta completar aforo
Más información en www.aleixplademunt.com - www.centrodeartealcobendas.org- www.phe.es



Organiza: Escuela PIC.A - Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña.

PIC.A organiza nueva clase magistral, enmarcada en encuentros mensuales para dar a conocer y dialogar sobre la trayectoria de reconocidos fotógrafos. La cita, organizada por PIC.A, se celebrará el próximo 20 de enero, a las 18:00 h. en el Auditorio Paco de Lucía. Centro de Arte Alcobendas, y tendrá como protagonista al fotógrafo Aleix Plademunt.

Aleix Plademunt (Girona, 1980) utiliza el medio fotográfico para desarrollar sus proyectos personales. Desde Espectadores, 2006 en el que manipula el paisaje convirtiéndolo en un teatro para la contemplación de hipotéticos espectadores con el fin de enfrentarnos a nuestras propias creaciones hasta el más reciente Almost There, 2013, que ha sido objeto de una exposición en Le Bal, París e IMA Gallery, Tokio junto con Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.

Desde sus primeros proyectos, Plademunt fotografía paisajes tanto físicos como emocionales para pensar el mundo en que vivimos y en cómo vivimos en él.

El objetivo de la clase magistral es ofrecer una perspectiva general del trabajo del artista. Plademunt hablará de los procesos que le han llevado del primer proyecto hasta el último, en el que ahora está inmerso. Explicará sus motivaciones como autor a la hora de hacer fotografías y su manera de entender y utilizar la fotografía. Todo ello, basándose en sus propios proyectos: Espectadores, 2006; Nada, 2007; DubaiLand, 2008; Tot, 2009; Movimientos del suelo, 2010; Almost There, 2013..., ya que Plademunt entiende que el trabajo personal debe de hablar de la persona que hay detrás de la cámara.

Aleix Plademunt estudió 1º y 2º de ingeniaría técnica en la UDG, Girona (1998-2000), se graduó en fotografía en el CITM, UPC, Terrassa (2000-2004) y realizó un postgrado en fotografía en México a través de la Beca UDLA (julio 2003-Enero 2004).

Desde el 2003, Aleix Plademunt ha realizado más de 25 exposiciones individuales y ha participado en más de 50 exposiciones colectivas. Entre las individuales, Almost There en The New Gallery y CFC, Bilbao (2015); Tagomago Gallery, Barcelona (2014) y Galerie Olivier Waltman, Paris (2013); DubaiLand en Galería Módulo, Lisboa (2012); Espectadores en London Art Fair, Londres (2008) y Sala La Kursala (UCA), Cádiz (2007) y entre las colectivas, Almost There en Photoforum PasquArt. Biel, Switzerland (2015), Unseen Photo Fair, Amsterdam (2014); New Spanish Photography, New York University (2014); Art Miami, Galerie Waltman, Miami (2012); Cree. Lugares de tránsito, Tabacalera, Madrid (2012); ARCO, Madrid y SCOPE, Miami (2011) y Caixaforum (2010).

Ha recibido una gran cantidad de premios y becas. Entre ellas, la Beca de Artes plásticas Fundación Botín (2015); la Beca Fotopress para el proyecto Cult, Dubai, Caixaforum (2008); el Premio Revelación PHotoEspaña 2015 y el Premio Purificación García (2010) y en 2013 fue seleccionado para el Prix Pictet, Francia.

En 2011 co-funda el proyecto editorial Ca l'Isidret Edicions. En 2013 publica el libro Almost There, coeditado por MACK y Ca l'Isidret Edicions y en 2011 Movimientos de suelo, con Juan Diego Valera y Roger Guaus, editado por Ca l’Isidret Edicions.

Juguetes de construcción. Escuela de la arquitectura moderna.

Círculo de Bellas Artes
Sala Picasso
Calle Alcalá 42
Del 1 de febrero al 31 de mayo de 2016.
*Entrada a las exposiciones 4€ (recomendable sacar entrada expos+azotea por 5€).
Más información en www.circulobellasartes.com

Juguetes de construcción. Escuela de la arquitectura moderna.
Círculo de Bellas Artes, Madrid.

Comisariado: Juan Bores

Esta exposición analiza, a través de planos, bocetos, apuntes y objetos, el influjo de los juguetes de construcción en la historia de la arquitectura moderna. Existe, en opinión del educador suizo Heinrich Pestalozzi (1746-1827), una cierta pulsión infantil por la construcción, por la imitación de edificios con materiales cotidianos. De ahí la fascinación especial, en los niños, hacia los juegos de construcción. Estos comenzaron a fabricarse como derivación de los bloques que desde finales del siglo XVIII se utilizaban para enseñar matemáticas, geometría y dibujo; para visualizar operaciones abstractas.

Los fabricantes advirtieron las extraordinarias posibilidades de estos nuevos juguetes y comenzaron a producir variantes en madera y cartón, y posteriormente en piedra, metal y plástico. Fue el pedagogo alemán Frederich Froebel (1782–1852) quien introdujo estos juegos en su elaborado programa docente de las escuelas infantiles, en la medida en que ayudaban a explorar en profundidad el razonamiento espacial, el pensamiento analítico y el diseño creativo.

martes, 12 de enero de 2016

“Trincheras y otros anticonceptivos”. Daniel Muñoz "SAN".

Centro Cultural Tomás y Valiente CEART
Sala B
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 4 de febrero al 13 de marzo de 2016.
Más información en www.eseaene.comceartfuenlabrada.es

Obra realizada en noviembre de 2013 en la calle Marqués de Viana de Madrid.

Daniel Muñoz. “SAN”. Moraleja (Cáceres) 1980, SAN comienza su carrera artística a principios de los noventa pintando sobre paredes y demás mobiliario público en Moraleja (Cáceres), lugar donde nació y creció.

Tras varios años como autodidacta, en 1997 decide formarse artísticamente cursando Bachiller artístico en la ciudad de Cáceres. En 2000 se traslada a Madrid para comenzar sus estudios universitarios en la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, los cuales compatibiliza con sus primeras exposiciones e intervenciones en numerosas ciudades de España y Europa. A partir de entonces se produce una evolución plástica y establece el Dibujo como herramienta base de su lenguaje.

Dentro de los llamados Artista Urbano, “SAN”, esta considerado tanto por sus colegas urbanos, como por la crítica especializada en arte, uno de los más relevantes e innovadores artistas. Nos presenta en la sala B del CEART, tras su excepcional y sorprendente intervención exposición colectiva ON PAINTING en la sal A del CEART, un Said Specific aun más arriesgado y sorprendente. Este proyecto trata, ante todo, de ser un reto para el artista: dar forma (no resolución) a dos conflictos:
Uno conceptual, que suele abordar a las personas que crean en el espacio público al “entrar” en espacios expositivos y otro formal que cuestiona el producto expositivo en sí mismo, su naturaleza y funcionalidad.

Al margen del método y proceso habituales del artista, esta obra sólo se conjuga con su experiencia anterior a través de lo efímero que supone utilizar el espacio público como soporte y también mediante la técnica: dibujo mural.

Obra realizada ex profeso para la Sala B del CEART