domingo, 28 de febrero de 2016

Avance: Julia Margaret Cameron.

Fundación Mapfre
Sala Bárbara de Braganza
Calle Bárbara de Braganza 3 (pº de Recoletos 27).
Del 17 de marzo al 15 de mayo de 2015.
*Entrada general 3€
*Entrada gratuita los lunes de 14:00 a 20:00 horas
Más información en www.fundacionmapfre.org

La muerte del Rey Arturo, 1874.
Julia Margaret Cameron © Victoria and Albert Museum, Londres.
Fundación Mapfre, Sala Bárbara de Braganza, Madrid.

La Fundación Mapfre presenta en su Sala Bárbara de Braganza una exposición sobre la fotógrafa Julia Margaret Cameron en el bicentenario de su nacimiento. Poco valorada en su época hoy es reconocida como una artista con coraje que se mostró distante respecto de los cánones y representó la imperfección como expresión artística.

May day, 1866.
Julia Margaret Cameron © Victoria and Albert Museum, Londres.
Fundación Mapfre. Sala Bárbara de Braganza, Madrid.

Tras pasar por el Victoria and Albert Museum de Londres llega a Madrid esta muestra fotográfica en la que se podrá disfrutar de 120 imágenes en las que la artista captura el alma de los retratados, sobre todo mujeres y niñas, mostrando una belleza romántica y enfermiza, melancólicas, vulnerables, a la par que desafiantes. Cameron cambió la forma de mirar a las mujeres y a las niñas al retratarlas desaliñadas, de andar por casa, acercándose a la naturaleza femenina y alejándose de la rigidez victoriana. Además de los retratos se podrán ver una serie de fotografías de la época que servirán de contexto.

Julia Jackson, madre de la escritora Virginia Wolf, 1867.
Julia Margaret Cameron © Victoria and Albert Museum, Londres.
Fundación Mapfre, Sala Bárbara de Braganza, Madrid.
Su obra ha sido objeto de la discriminación machista de la época, en la que sólo se hablaba de los fallos técnicos que aparecen en sus trabajos. Sin embargo hoy se valoran como experimentos y elementos propios de su estilo.

viernes, 26 de febrero de 2016

Avance: Dessert, de An Wei.

Centro Cultural Tomás y Valiente CEART
Sala C
Calle Leganés 51
Fuenlabrada - Madrid
Del 17 de marzo al 5 de abril de 2015.
Más información en www.anweiluli.comceartfuenlabrada.es

An Wei
Aplaude, 2013, Madrid.
Fotografía © Francisco Posse.

An Wei, artista plástico nacido en Madrid el 21 de enero de 1990. Perteneciente al colectivo de Artistas del Sur de Fuenlabrada C.A.S, nos presenta en esta exposición individual Dessert.

Desde pequeño tuvo la oportunidad de aprender copiando a los grandes maestros de la pintura española que tanto admira hoy en día como Zurbarán, el Greco, etc... Dejó atrás la seguridad del negocio familiar en un restaurante chino cambiando de dirección hacia lo incierto que conlleva el camino del arte. Su obra es una constante transformación que bebe del misticismo y la cara más terrenal de la vida.

El título de la muestra nos propone un juego de palabras. Desert significa desierto, dessert postre. Este, es sin duda, el resumen conceptual de toda la exposición. La unión de elementos antagónicos que forman una sola cosa.

An Wei, en su eterna búsqueda de “la pepita de oro”, extrae de lo desértico esa sede intangible donde los opuestos coexisten formando un todo.

P.I.G.S. 2014
Campo de la Cebada, Madrid.

El artista representa con su pintura una unión de contrarios tan impenetrable como la aferrada lealtad de las vértebras.

La pintura de An Wei en constante transformación, convierte en estrato la pincelada. Evolucionando hacia formas más abstractas que residen en la construcción de lo figurativo. La materia, siempre presente en sus obras, se vuelve a cada paso más densa empezando a adoptar atributos casi táctiles. Las franjas empleadas por el artista funcionan como tiras de piel aplicadas como ejercicio de compresión de la realidad.

La combinación del blanco y negro con las franjas de color le permite jugar con la ambigüedad de fragmentar la realidad en dos (un mismo objeto sobre un mismo plano).

10 obras propiedad del autor.

martes, 23 de febrero de 2016

Georges de La Tour

Museo del Prado
Sala C - Edificio Jerónimos
Calle Ruiz de Alarcón 23 (pº del Prado).
Del 23 de febrero al 12 de junio de 2016.
Más información en www.museodelprado.es

Georges de La Tour.
Museo Nacional del Prado, Madrid.
Fotografía © Francisco Posse


El Museo del Prado presentará, de febrero a junio de 2016, la más importante exposición celebrada en España sobre Georges de La Tour (1593-1652), considerado como uno de los pintores franceses más importantes del siglo XVII.

Una muestra que estará integrada por más de treinta pinturas del autor, número excepcional considerando que apenas se conocen cuarenta pinturas de su mano, procedentes de prestigiosas instituciones internacionales y entre las que se incluyen Viejo tocando la zanfonía (c. 1620-30) y San Jerónimo leyendo (c. 1627-29), dos incorporaciones recientes a las colecciones del Prado que ilustran las características esenciales de la pintura de La Tour, artista especializado en escenas de género y asuntos religiosos.

Ciego tocando la zanfonía, 1620-1630.
Georges de La Tour.
 Óleo sobre lienzo 86x62,5 cm.

Comisariada por Andrés Úbeda, esta exposición permitirá al visitante explorar la riqueza de la sensibilidad artística, tanto en el tratamiento realista de personajes humildes como en sus delicadas escenas religiosas, de un maestro francés prácticamente desconocido.

Olvidado durante más de dos centurias, La Tour fue recuperado en los primeros años del siglo XX gracias a un breve artículo de Hermann Voss publicado en 1915, en el que relacionó por primera vez su pintura con la documentación histórica. Nadie antes había sido capaz de reconocer la personalidad de este artista extraño e incalificable, cuyas pinturas en muchas ocasiones fueron atribuidas a pintores españoles: Juan Rizzi, Herrera el Viejo, Zurbarán, Velázquez, Murillo, Maíno, etc.

viernes, 19 de febrero de 2016

Presentación: Arstusia, de Joan Fontcuberta.

Centro Cultural Conde Duque
Sala 1
Calle Conde Duque 11
Del 19 de febrero al 1 de mayo de 2016.
*Entrada gratuita
Más información en www.fontcuberta.com - www.condeduquemadrid.es - www.fundacioncristinamasaveu.com

Joan Fontcuberta
Arstusia, Centro Cultural Conde Duque, Madrid.
Fotografía © Francisco Posse.


ARSTUSIA

ARSTUSIA es un vocablo que compone un anagrama de Asturias. Joan Fontcuberta trata en Arstusia la fotografía como una “máquina anagramática”, como una piedra filosofal capaz de permutar experiencias posibles de la realidad. Para este alquimista de la luz y la sombra, la fotografía es polvo y tiempo, ARSTUSIA es entraña y memoria...


Arstusia. Miradas de Asturias.
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.


En palabras del autor:

“Suarista Asitaru Tasauris Sustraía Auristas Situaras Rasustia Tarasius Aritusas Susatira Usatrasi Ratisusa Itarusas Saisartu Airustas Istuaras Atsusari Riasutas”.

Como es sabido, los anagramas son palabras confeccionadas a partir de combinaciones de las letras de otra palabra. El anagrama por tanto expande el potencial fonético escondido en una palabra y de ahí su cualidad mágica y poética. La piedra filosofal de los alquimistas no sería más que una "máquina anagramática" que diese con la frecuencia justa –una vibración acústica, un sonido– capaz de alterar la materia.


Arstusia. Miradas de Asturias.
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

El proyecto que he desarrollado para Miradas de Asturias propone una serie de anagramas visuales: imágenes contenidas en otras imágenes, imágenes escondidas en otras imágenes.

Para ello he desarrollado dos operativas de trabajo. Por un lado, postergar la mirada de superficie, la imagen tópica y el cliché. Bucear entonces en la realidad y colocar el objetivo de la cámara en unas profundidades vedadas habitualmente a los visitantes. Cuevas, minas, pozos, sistemas de alcantarillado, antiguos refugios olvidados... parajes en definitiva subterráneos que entroncan con la historia, las supersticiones y los mitos. Entrañas que cobijan en el imaginario popular creencias y leyendas ancestrales.


Arstusia. Miradas de Asturias.
Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

Por otro lado, acudir a la Cueva de Alí Babá de las imágenes, acudir al «mundo subterráneo» los archivos gráficos rebosantes de tesoros a la espera del "ábrete sésamo". Esos fondos repletos de imágenes constituyen una riquísima memoria visual que puede y debe ser reinterpretada. También las imágenes ahí depositadas estratifican formas y sentidos alternativos a recuperar.

El resultado, pues, de mi proyecto será una especulación creativa sobre las imágenes que tratan de otras imágenes.


Joan Fontcuberta


Miradas de Asturias

Con total respeto a la libertad creativa del fotógrafo, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson pone en marcha la cuarta edición de Miradas de Asturias, iniciativa de largo recorrido que promueve, desde el mecenazgo, la creación de un Fondo de obra inédita inspirada en Asturias y sus gentes que se materializa a través de la mirada de prestigiosos fotógrafos invitados.

Hasta la fecha, han participado en el proyecto Alberto García- Alix, José Manuel Ballester y Ouka Leele, todos ellos Premio Nacional de Fotografía.

Esta cuarta edición tiene como fotógrafo invitado a Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955); artista, docente, ensayista, crítico, promotor de arte y ganador de varios galardones, como el Premio Nacional de Fotografía y Ensayo. Además, Joan Fontcuberta es el único español que ha recibido el prestigioso Premio Hasselblad, un premio internacional de fotografía que concede desde 1980 la Fundación sueca Hasselblad, y que han recibido algunos de los fotógrafos más importantes del siglo XX, como Ansel Adams, Henri Cartier-Bresson Richard Avedon, William Klein, Jeff Wall o Nan Goldin, entre otros.

Galería de imágenes:

AUSATRIS (Parque de la Vida, La Mata, Luarca), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
RUTSIASA (Maqueta, Grupo Asturiano de Módulos Ferroviarios H0, Gijón), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
SUARISTA (Aliviadero Natahoyo, Gijón), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
SAURITAS (Mina Carbonar, Vega de Rengos, Cangas del Narcea), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
SIASATRU (Órgano, Basílica de Covadonga), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
SARISTAU (Depósito de agua de Roces I, Gijón), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
SUTAIRAS (Rotonda, Colunga), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson
TARIASUS (Ventanal gótico tapiado del Claristorio Bajo de la Capilla Mayor, Catedral de Oviedo), 2015 Joan Fontcuberta Serie ARSTUSIA. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson

jueves, 18 de febrero de 2016

Esencias. Ricardo Aparicio

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 22 de febrero al 12 de marzo de 2016.
Más información en www.ricardoaparicio.eswww.galeriaorfila.com


Ricardo Aparicio es un joven artista que se sitúa dentro de las novedosas propuestas del postinfomalismo, siendo éste uno de los principales referentes del arte contemporáneo. Un retorno a la pintura, no obstante, que asume la entidad objetual del cuadro, su carácter bidimensional y anti-ilusionista que cifraron en su día el canon de la modernidad, así como la autonomía de la obra, de la cual el hecho expresivo vino a dar cuenta a través de la abstracción. Si Aparicio partió con anterioridad de esta última, en un proceso de depuración de motivos extraídos de la realidad, su actual exposición, “Esencias”, ahonda en esta dirección en cuanto se atiene a la energía y fisicalidad de tales elementos sin más representación que la expresividad derivada de los diversos materiales y soportes que trabaja, tratados, eso sí, con inusual sensualidad.

Esencias. Ricardo Aparicio
Galería de Arte Orfila, Madrid.

La trayectoria de Ricardo Aparicio, prolija pese a desarrollarse en un lapso relativamente breve de tiempo, destaca por su proyección internacional, que se inicia con su exposición individual, en 2007, en Cernuda ArtGallery, de Miami, a la que siguen, entre otras, sus muestras en el Ateneo de Córdoba (2008, 2011), en salas de Lérida, Orense, Vitoria Guadalajara y Madrid; aquí en el Ateneo y Alicia Rey Gallery, en 2013. A ellas se suman colectivas en varias ciudades españolas, Berlín, París e Italia, donde obtuvo Mención especial en la Bienal de Florencia (2008) y la Medalla ALBA 08 Ferrara, además de participar en ferias internacionales en Hamburgo, Miami, Nueva York, Florencia, Shangai, México DF, Londres, Milán, Edimburgo, Art’FAIM en el MATADERO Madrid (2014) y Ch.ACO, Santiago de Chile (2015).

Inaugurará su exposición el lunes 22 de febrero a las 19:30 horas.

miércoles, 17 de febrero de 2016

Ellas, las sufragistas.

Centro Cultural Conde Duque
Vestíbulo
Calle Conde Duque 11
Del 1 de marzo al 12 de abril de 2016.
Más información en www.condeduquemadrid.es - ellascrean.com

The Sphere. London, 1910

Fondos Hemeroteca Municipal.
La Hemeroteca Municipal de Madrid, coincidiendo con la conmemoración del Día Internacional de las Mujeres, presenta un friso iconográfico del primer movimiento femenino por la igualdad de derechos políticos y sociales. Imágenes, seleccionadas entre sus fondos, que ilustran la lucha emprendida por las mujeres a principios del siglo XX por la conquista soberana del espacio político y público, que convirtió en 1931 a las españolas por primera vez en ciudadanas de pleno derecho.

martes, 16 de febrero de 2016

Miradas Paralelas. Irán – España: fotógrafas en el espejo.

Centro Cultural Conde Duque
Sala Sur
Calle Conde Duque 11
Del 11 de marzo al 15 de mayo de 2016.
Más información en www.condeduquemadrid.esellascrean.com

Atelier VII, 2013 © Soledad Córdoba.

La Asociación MED-OCC, (www.med-ooc.org) amplía su travesía y dirige su mirada en esta exposición a Irán, un país muy activo en el ámbito de las artes visuales contemporáneas y con el que inaugura una nueva y apasionante etapa. Con Miradas Paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo se ofrece el primer encuentro entre creadoras de los dos países mediante seis parejas de fotógrafas que nos sorprenden inequívocamente con sus afinidades, a través de otra mirada, la de los comisarios, Zara Fernández de Moya y Santiago Olmo.

Miss Butterfly, Teheran, 2011. © Shadi Ghadirian.

¿Cuál es la fuerza enigmática que acerca la mirada de dos fotógrafas de países tan alejados como España e Irán? ¿Qué lenguajes internos las aproximan a través de un reflejo especular que las ilumina mutuamente? El visitante podrá recorrer la muestra y descubrir cómo las doce fotógrafas de Miradas Paralelas, artistas prodigiosas, nos deslumbran, nos conmueven, nos brindan una exposición abrumadoramente bella, plagada de historias y visiones inquietantes: Soledad Córdoba y Shadi Gadirian; Cristina García Rodero y Hengameh Golestan; Amparo Garrido y Rana Javadi; Isabel Muñoz y Gohar Dashti; Mayte Vieta y Ghazaleh Hedayah; María Zarazúa y Newsha Tavakolians.

Algunas de ellas participarán en el coloquio paralelo programado en Ellas Crean, en lo que será su primer encuentro físico y personal.

lunes, 15 de febrero de 2016

Del divisionismo al futurismo. Arte italiano hacia la modernidad.

Fundación Mapfre
Sala Recoletos
Pº de Recoletos 23
Del 17 de febrero al 5 de junio de 2016.
*Entrada gratuita
Más información sobre horario, visitas guiadas y reserva de entradas en www.fundacionmapfre.org

Umberto Boccioni
Nudo di spalle. Contraluz (Desnudo de espaladas. Contraluz), 1909.
Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto. Collezine L.F.

"Nosotros somos la última luz de un ocaso y seremos, tras una larga noche, el alba del porvenir" Giovanni Segantini.

Del divisionismo al futurismos.
Fundación Mapfre, Sala Recoletos, Madrid.

Esta exposición propone examinar, a través de una selección de 80 obras maestras, los orígenes y la evolución del divisionismo de la mano de sus principales protagonistas, entre los que se encuentran Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giaccomo Balla, Angelo Morbelli, Umberto Boccioni, Gino Severini y Carlo Carrà. Estos artistas influyeron en la renovación del arte italiano entre finales de siglo XIX y principios del siglo XX y en la aparición de la vanguardia futurista.

Emilio Longoni
Riflessioni di un affamto (Reflexiones de un hambriento), 1893.
Museo del Territorio Biellese, Biella.

La muestra ha sido organizada en colaboración con el Mart, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, y cuenta con préstamos de numerosas colecciones particulares e instituciones internacionales como el Metropolitan Museum of Art, la Galleria d’Arte Moderna y la Pinacoteca di Brera, la Galleria degli Uffizi, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, el Museo Segantini, el Centre George Pompidou, el Gemeentemuseum o el Museu Nacional d'Art de Catalunya, entre otros.

Del divisionismo al futurismo.
Fundación Mapfre, Sala Recoletos, Madrid.


Un movimiento autónomo

El divisionismo fue un movimiento autónomo, diferente del resto de los movimientos europeos en la medida en que entendía las nuevas investigaciones sobre la luz-color y sobre la división de los tonos como un medio -no como un fin- sometido al mensaje de la obra.

Luigi Russolo
Periferia-lavoro (Suburbio-trabajo), 1910.
Colección particular, Erba.

Atento, por una parte, a los contenidos sociales que reflejan las condiciones de vida de las clases más desfavorecidas, el divisionismo muestra además su relación con el simbolismo, esa tendencia que, desde finales del siglo XIX, influyó con claros tintes internacionales a toda Europa.

Del divisionismo al futurismo.
Fundación Mapfre, Sala Recoletos, Madrid.

El divisionismo sentó las bases para el movimiento futurista que irrumpió con fuerza en el panorama del arte italiano desde 1909, convirtiéndose en uno de los movimientos de vanguardia por excelencia.

jueves, 11 de febrero de 2016

Miró y el objeto.

CaixaForum Madrid
Pº del Prado 36
Del 10 de febrero al 22 de mayo de 2016.
*Entrada general 4€
Más información en obrasocial.lacaixa.es

Mujer sentada y niño 1967 Fundación Joan Miró
Miró y el objeto, CaixaForum Madrid.

Organizada conjuntamente por la Fundación Bancaria "la Caixa" y la Fundación Joan Miró de Barcelona, y comisariada por William Jeffett, conservador jefe del Salvador Dalí Museum de Saint Petersburg (Florida), esta importante muestra podrá verse del 9 de febrero al 22 de mayo de 2016 en CaixaForum Madrid. El doctor Jeffett es autor de una tesis doctoral sobre la función del objeto en la obra escultórica de Joan Miró, así como de numerosas publicaciones en torno a este tema.

Esta exposición monográfica, la primera muestra dedicada al objeto en la producción de Joan Miró, analizará cómo el artista representa los objetos en sus cuadros y cómo incorpora gradualmente el objeto físico en la pintura mediante el uso del collage. En muchos aspectos, este proceso significó, a finales de la década de 1920, un desafío frontal a las artes plásticas, lo que él mismo definiría como el «asesinato de la pintura». En los años treinta, el elemento bidimensional del collage dio paso de forma progresiva a la utilización de acoplamientos tridimensionales de objetos, que se exhibían en el contexto ideológico del objeto surrealista. Se trataba, en cierto sentido, de collages en tres dimensiones, y durante aquel periodo Miró siguió trabajando el collage e introdujo materiales heterodoxos y anti-artísticos, tanto en su obra plástica como en sus objetos. La pintura, aquí, se entendía como un objeto, igual que las imágenes pictóricas generadas por la aplicación de la lógica del collage. Sin duda, esta transformación se puede interpretar desde la óptica de una crisis de la pintura, y el objeto en sí mismo como una nueva orientación poética.

Miró y el objeto. CaixaForum Madrid.

Después de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, Miró mantuvo firme su compromiso con el objeto al explorar por primera vez las posibilidades de la cerámica y la realización de esculturas en hierro y bronce. También en este caso, el objeto adquiriría protagonismo y, en sus bronces de madurez, Miró vaciaría objetos encontrados en metal, transformando la «cosa inerte» en representaciones de figuras expresivas, que a menudo reproducían mujeres y pájaros. Esa vena poética fue esencial durante los últimos años del artista, como también lo fue lo que se ha denominado «el segundo asesinato de la pintura» o la «antipintura», cuya máxima expresión se encuentra en las obras rupturistas que el artista creó a finales de los años sesenta y la primera mitad de los setenta, muchas de ellas para ser expuestas en 1974 en el Grand Palais de París. La muestra irá acompañada de un catálogo en el que se incluirán importantes artículos destinados a ilustrar la diversidad de la producción mironiana, concretamente, a cargo de Perejaume, Didier Ottinger y Joan Punyet Miró, además de los textos del propio comisario de la muestra.

Miró y el objeto.
CaixaForum Madrid.

Miró y el objeto.
CaixaForum Madrid.

Miró y el objeto.
CaixaForum Madrid.

Miró y el objeto.
CaixaForum Madrid.


Miró y el objeto.
CaixaForum Madrid.

Exposición y catálogo se dividirán en seis ámbitos:
1) Un mundo de objetos
2) El asesinato de la pintura
3) Del collage a la escultura
4) Cerámica y primeras esculturas
5) Escultura en bronce
6) Antipintura (incluye una sección dedicada a la exposición del Grand Palais, 1974).

Para terminar, decir que Miró y el objeto constará de unas 130 obras, incluyendo pinturas, collages, objetos, cerámicas y esculturas procedentes de la Fundación Miró y se enriquece de importantes colecciones, tanto públicas como privadas, de Europa y de América, todas ellas seleccionadas individualmente según un riguroso criterio científico. Esta selección se ha basado en la necesidad de organizar una muestra que ejerza un fuerte impacto visual en el espectador y que, al mismo tiempo, contribuya de forma relevante al conocimiento académico de las aportaciones de Miró en toda su dimensión y complejidad. La exposición demostrará que Joan Miró fue mucho más que un pintor, que experimentó con un extenso abanico de materiales artísticos e ideas poco convencionales y que, a través del proceso de desafiar la pintura y de adherirse al nuevo concepto del objeto, propició un cambio transcendental en nuestra percepción del arte.

FOD. Strûts

Espacio Promoción del Arte
Sala La Fragua
Tabacalera
Calle Embajadores 51
Del 11 de febrero al 10 de abril de 2016.
Más información en www.promociondelarte.com

FOD. Strûts
Sala La Fragua. Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
FOD. Strûts
Sala La Fragua. Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Pintura, escultura y arquitectura conviven en perfecto equilibrio en cada una de las obras que integran Strûts, la nueva exposición de este autor multidisciplinar que es FOD (Francisco Olivares Díaz). La armonía contrasta con la permanente sensación de inestabilidad que transmiten las piezas de una muestra con la que el artista de Puerto Lumbreras se reafirma en su personal apuesta creativa por esa tendencia definida como ‘arquitectura apuntalada’.

miércoles, 10 de febrero de 2016

Alberto García-Alix. Un horizonte falso.

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Sala Principal
Calle Embajadores 51
Del 11 de febrero al 10 de abril de 2016.
Más información en www.albertogarciaalix.com - www.promociondelarte.com

Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Un nuevo relato fotográfico a través del cual el autor nos muestra los límites de su universo, tanto en su forma como en su fondo. La fotografía es ese “horizonte falso” en el que García-Alix nos zambulle, capaz de distorsionar la realidad a través de abstracciones, deformaciones, metáforas visuales o de potenciarla con emociones vitalistas o mórbidas, presencias y ausencias.

Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.
Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Un horizonte falso. Alberto García-Alix
Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

A través de los diferentes impactos de cada imagen o secuencia y, más allá, en la pieza en vídeo leitmotiv de toda la muestra, García-Alix nos conduce a una narración en primera persona. Su propia voz nos conduce a través de microrrelatos que nos trasladan a “San Carlos”, una ciudad de luces y sombras; el “jardín perdido” y sus alegorías orgánicas; los “olvidados y mártires”, retrato de una generación de supervivientes y caídos; “Rocinante”, la motocicleta vista como una montura abstracta de velocidad y desequilibrio.