jueves, 24 de marzo de 2016

Visita a: kinema tope (paisaje técnico). Pablo Valbuena.

Espacio Fundación Telefónica
Calle Fuencarral 3
Del 8 de marzo al 22 de mayo de 2016.
*Entrada gratuita
Más información en www.pablovalbuena.comespacio.fundaciontelefonica.com

kinema tope (paisaje técnico). Pablo Valbuena.
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Pablo Valbuena (Madrid, 1978) estudió Arquitectura y trabajó para diversos estudios de videojuegos, cine y arquitectura en Holanda, Canadá y Estados Unidos y España, donde investigó conceptos espaciales aplicados a entornos virtuales y arquitectura digital. Actualmente, está desarrollando un proyecto específico para el Espacio Fundación Telefónica, ubicado en el emblemático edificio de Telefónica inaugurado en la Gran Vía madrileña en 1930. La instalación responderá a las características particulares del espacio y a cómo se organiza estructural y perceptualmente. La obra reconstruirá el espacio utilizando medios inmateriales como la luz y el sonido; medios propios del aparato fílmico que omiten en este caso la mediación de la cámara y se centran en la experiencia directa de lo percibido. El observador será transportado a través de la luz y el sonido a un espacio-tiempo virtual, manteniendo al mismo tiempo los vínculos con el entorno real.


kinema tope (paisaje técnico). Pablo Valbuena.
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Valbuena desarrolla proyectos artísticos y de investigación centrados en dos ideas clave, inseparables y abstractas: el espacio y el tiempo que conjuga con la percepción. Además, con sus instalaciones explora la superposición de lo físico y lo virtual, la creación de espacios mentales por parte del observador, la disolución de las fronteras entre la realidad y la percepción, la experiencia subjetiva como herramienta de comunicación y el uso de la luz como materia prima.

kinema tope (paisaje técnico). Pablo Valbuena.
Espacio Fundación Telefónica, Madrid.

Comenzó trabajando en 2007 en las Esculturas Aumentadas, centradas en el aspecto temporal del volumen. De ahí pasó a trabajar directamente sobre la arquitectura, donde la intervención cobraba más profundidad. Poco a poco, se le fue abriendo un campo extenso en diferentes escalas y tipologías espaciales, desde el cubo blanco hasta la escala urbana. Su trabajo se ha centrado en intervenciones específicas que surgen como respuesta a un espacio determinado. Sus intervenciones le han llevado a Berlín, Estambul, Leuven (Bélgica), Valencia, San Sebastián y a Madrid, entre otras ciudades.

jueves, 17 de marzo de 2016

Dibujar Versalles. Charles Le Brun 1619-1690.

CaixaForum Madrid
Pº del Prado 36
Hasta el 21 de junio de 2016
*Entrada general 4€
Más información en obrasocial.lacaixa.es

Dibujar Versalles. Charles Le Brun
CaixaForum Madrid.

Interesante y didáctica exposición, está muy bien ambientada, llegas a tener la sensación de estar en palacio; pero, para mí, lo mejor son los dos vídeos donde se muestra la restauración de una de las obras y otro que cuenta qué son los "cartones" y el método de trabajo de Le Brun. 
No está permitido tomar fotos.

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Tres siglos y medio después de su realización, las grandes decoraciones del Palacio de Versalles no han perdido su poder de fascinación. Dibujar Versalles permite adentrarnos en el corazón de la fabricación de esas decoraciones a partir de los bocetos y dibujos preparatorios que realizó el pintor francés Charles Le Brun (1619-1690) para la Escalera de los Embajadores y la Galería de los Espejos.

Los cartones -dibujos a escala 1:1- muestran el virtuosismo de Le Brun como dibujante, su talento para la construcción de escenas y la fuerza que les imprime. Son estudios de personajes, figuras alegóricas, trofeos y animales que se integraron en las composiciones, concebidas como grandes rompecabezas simbólicos.

De forma excepcional, el Museo del Louvre conserva una abundante colección de estos cartones, y, gracias a la implicación de la Obra Social ”la Caixa” en el proyecto, se ha podido llevar a cabo una importante campaña de restauración.

La muestra en CaixaForum Madrid está formada por 74 obras, entre las que destacan 36 de estos cartones, buena parte de los cuales se muestran en público por primera vez.

miércoles, 16 de marzo de 2016

Las personas con discapacidad en la vida cotidiana.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 3ª
Plaza de Cibeles s/n
Del 18 de marzo al 6 de junio de 2016.
*Acceso gratuito
Más información en www.centrocentro.org - www.fundaciongruponorte.es - inico.usal.es

Primer Premio Edición 2013. 22 de Mercedes - Jonathan Carvajal
Las personas con discapacidad en la vida diaria, Espacio CentroCentro, Madrid.

- Una mirada fotográfica sobre la vida cotidiana de las personas con discapacidad.
- CentroCentro acoge la exposición Las personas con discapacidad en la vida cotidiana, organizada por la Fundación Grupo Norte y el Instituto Universitario para la Integración en la Comunidad de la Universidad de Salamanca.
- La muestra recoge una selección de 65 trabajos presentados al Concurso Internacional de Fotografía que desde 2003 organizan ambas instituciones.
- Tiene como objetivo contribuir a la normalización y romper con los estereotipos que persiguen a este colectivo.

Primer Premio Edición 2014. - Elisa Pullará.
Las personas con discapacidad en la vida cotidiana, Espacio CentroCentro, Madrid.

El próximo jueves, 17 de marzo, se inaugura en CentroCentro la exposición Las personas con discapacidad en la vida cotidiana. La muestra, organizada por la Fundación Grupo Norte y el Instituto Universitario para la Integración en la Comunidad de la Universidad de Salamanca, se compone de 65 fotografías que permiten conocer y entender la realidad de las personas con discapacidad desde la perspectiva de sus propios protagonistas, familiares, personal de apoyo y el fotógrafo que realiza la instantánea. L

a muestra, que se podrá ver en la 3ª planta del centro hasta el 5 de junio, tiene como objetivo ofrecer imágenes positivas que permitan la reflexión, empatía e identificación con el mundo de la discapacidad. Las instantáneas forman parte de una selección específica realizada para la ocasión entre los mejores trabajos presentados al Concurso Internacional de Fotografía Digital organizado desde el año 2003 por la Fundación Grupo Norte y INICO y que recibe anualmente más de un millar de fotografías procedentes de todo el mundo.

Tercer Premio Edición 2010. Javier Arcenillas.
Las personas con discapacidad en la vida cotidiana. Espacio CentroCentro, Madrid.

La exposición propone un enfoque a las realidades humanas promoviendo la verdadera integración de las personas con discapacidad desde los ámbitos de la superación y normalidad. “Somos testigos así del proceso, ciertamente todavía lento pero inexorable, con el que se abandona el histórico modelo asistencial de atención a las mal llamadas personas con minusvalía, donde la discapacidad era considerada una enfermedad invalidante, a un mundo en el que cada persona participa en el curso de su propio destino en la defensa de sus intereses, derechos y necesidades”, explica Javier Ojeda, presidente de la Fundación Grupo Norte. La accesibilidad, el diseño universal, la discriminación positiva en términos de integración laboral, son ideas fuerza que han ido ganando peso, desbancando paradigmas afortunadamente olvidados.

martes, 15 de marzo de 2016

Presentación: Julia Margaret Cameron

Fundación Mapfre
Sala Bárbara de Braganza
Calle Bárbara de Braganza 3 (pº de Recoletos 27).
Del 17 de marzo al 15 de mayo de 2015.
*Entrada general 3€
*Entrada reducida y gratuita aquí
*Entrada gratuita los lunes de 14:00 a 20:00 horas
Más información en www.fundacionmapfre.org

Julia Margaret Cameron.
Sala Bárbara de Braganza, Fundación Mapfre, Madrid.

Marta Weiss,
comisaria de la exposición.
La Fundación Mapfre presenta en su Sala Bárbara de Braganza una exposición sobre la fotógrafa Julia Margaret Cameron en el bicentenario de su nacimiento. Poco valorada en su época hoy es reconocida como una artista con coraje que se mostró distante respecto de los cánones y representó la imperfección como expresión artística.

Tras pasar por el Victoria and Albert Museum de Londres llega a Madrid esta muestra fotográfica en la que se podrá disfrutar de 120 imágenes en las que la artista captura el alma de los retratados, sobre todo mujeres y niñas, mostrando una belleza romántica y enfermiza, melancólicas, vulnerables, a la par que desafiantes. Cameron cambió la forma de mirar a las mujeres y a las niñas al retratarlas desaliñadas, de andar por casa, acercándose a la naturaleza femenina y alejándose de la rigidez victoriana. Además de los retratos se podrán ver una serie de fotografías de la época que servirán de contexto.

Julia Margaret Cameron.
Sala Bárbara de Braganza, Fundación Mapfre, Madrid.

Su obra ha sido objeto de la discriminación machista de la época, en la que sólo se hablaba de los fallos técnicos que aparecen en sus trabajos. Sin embargo hoy se valoran como experimentos y elementos propios de su estilo.

En lugar de mis fotos tomadas en la sala, prefiero dejar las fotos que acompañan la nota de prensa para la difusión de la exposición, en ellas se aprecian mejor las tonalidades y los desenfoques de las fotografías originales.

Julia Margaret Cameron
Peace 1864 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Sappho 1865 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
 Whisper of the Muse 1865 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
 The red and white Roses 1865  © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Lady Adelaide Talbot 1865 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
John Frederick William Herschel 1867 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Mrs. Herbert Duckworth 1872 08 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Annie 1864 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Charlotte Norman ca.1865 © Victoria and Albert Museum, London/td>

Julia Margaret Cameron
Hosanna 1865 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
May Day 1866 12 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Julia Jackson 1867 © Victoria and Albert Museum, London

Julia Margaret Cameron
Julia Jackson 1867 © Victoria and Albert Museum, London

lunes, 14 de marzo de 2016

Clase Magistral Amparo Garrido.

Centro de Arte Alcobendas
Auditorio Paco de Lucía
Calle Mariano Sebastián Izuel 9
Miércoles 16 de marzo a las 18:00 horas
*Acceso libre hasta completar aforo.
Alcobendas - Madrid
Más información en www.centrodeartealcobendas.org - www.amparogarrido.com - www.phe.es/es/escuelapica

"Soy tú" © Amparo Garrido

PIC.A organiza una nueva clase magistral, enmarcada en encuentros mensuales para dar a conocer la trayectoria de reconocidos fotógrafos.

La cita, organizada por PIC.A, se celebrará el próximo 16 de marzo, a las 18:00 h. en el Auditorio Paco de Lucía, Centro de Arte Alcobendas. Tendrá como protagonista a la artista, ganadora de varios premios de fotografía, Amparo Garrido.

La fotografía como excusa para hablar de otras cosas. Amparo Garrido que cuenta con una dilatada experiencia en el ámbito de la fotografía hará un recorrido por las diferentes series de fotografía y vídeo que conforman su trabajo, desde sus inicios hasta la actualidad. Desde su SOY TÚ, publicado en 2013, que nos habla de la ceguera, los perros, la fotografía y el amor, y que remite a un tema ya tratado en uno de sus primeros trabajos, Sobre perros, la mirada y el deseo, 1996-1998 hasta Una casa es un texto, 2004, una indagación en la vivienda como expresión del hombre que la habita pasando por Tiergarten. Un jardín romántico alemán, 2010 en el que se ponen de manifiesto las paradojas y contradicciones que recorren su trabajo: lo salvaje y lo doméstico, lo animal y lo humano, la palabra y la imagen, lo que se puede y lo que no se puede decir. Entre sus trabajos en vídeo cabe destacar: Sobre la escucha, 2009; Averiguando aceitunas, 2009; Remanecer, 2008 o No digas nada, 2006. Asimismo, hablará de su la experiencia para recabar fondos (crowdfunding) para la producción de su libro SOY TÚ.

domingo, 13 de marzo de 2016

Ulises Carrión. Querido lector. No lea.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Edificio Nouvel
Planta 3ª
Del 16 de marzo al 10 octubre de 2016.
Más información en www.museoreinasofia.es


Ulises Carrión (1941, San Andrés Tuxtla, México - 1989, Ámsterdam, Holanda), figura clave del arte conceptual mexicano, fue artista, editor, comisario de exposiciones y teórico de la vanguardia artística internacional posterior a la década de los años sesenta del siglo xx.

Detalle del logotipo y membrete de correspondencia de Other Books and So Archive, 1979-1982/89. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Biblioteca y Centro de Documentación
Su atención e interés por las nuevas formas del arte y las tendencias innovadoras le impulsaron a participar activamente en la mayor parte de los campos artísticos de su tiempo. Fue cofundador del espacio gestionado por artistas independientes In-Out Center en Ámsterdam, y fundador de la mítica librería-galería Other Books And So (1975-1979), la primera de su género dedicada a publicaciones de artistas, que en 1980 se transformó en el archivo Other Books And So. El nombre “Other Books” indica la finalidad de esta librería-galería: la presentación, producción y distribución de publicaciones que ya no eran textos literarios o relacionados con el arte, sino libros que eran arte o, tal como los denominaba Ulises Carrión, “nolibros, antilibros, pseudolibros, cuasilibros, libros concretos, libros visuales, libros conceptuales, libros estructurales, libros proyecto, libros declaración, libros instrucción” (folleto, 1975). La segunda parte del nombre, “and So”, alude a todo tipo de publicaciones, como revistas, periódicos, discos, postales, carteles, partituras, publicaciones múltiples, etc.


Junto con sus actividades artísticas, Ulises Carrión desarrolló una amplia labor teórica en la que destaca su manifiesto El arte nuevo de hacer libros (1975) que, aun siendo concebido con el objetivo de abrir nuevas vías para los escritores tradicionales, ejerció gran influencia en muchos jóvenes artistas visuales. Resulta curioso observar que las teorías de Ulises Carrión son casi literalmente precursoras de otras teorías del arte más recientes en el mundo digital del siglo xxi. Podríamos citar, por ejemplo, su concepción del plagio como el “punto de partida de la actividad creativa”. En una especie de panfleto declaró: “¿Por qué plagios? Porque - Hay demasiados libros - Se tarda mucho en leer o escribir un libro - El arte no es propiedad privada - Denotan el amor que se profesa al autor - Ofrecen una segunda oportunidad de leer un libro - Hacen innecesaria la lectura - No se prestan a interpretaciones psicológicas - No tienen fines utilitarios - Carecen de valor comercial - Son sencillos y absolutos - Son bonitos” (Fandangos, nº 1, Maastricht, diciembre de 1973).

También encontramos las claves de su obra en trabajos como el libro de artista Tras la poesía (1973), la película The Death of the Art Dealer (1982) o el vídeo TV-Tonight (1987). De su participación en la red de arte correo durante su período más creativo surgieron, entre otros frutos, la revista Ephemera (1977-1978), dedicada a la recepción diaria de las obras que circulaban a través de esa red. Para Ulises Carrión, el arte postal era una suerte de estrategia de guerrilla. Con independencia de que se use el sistema de correos como soporte —igual que se usa el lienzo, el papel o la madera— o como medio de distribución, tanto “arte” como “correo” confluyen para controlar la producción y la distribución de arte (El Arte Correo y el Gran Monstruo, 1977).


Esta retrospectiva, centrada en el enfoque personal y pionero de Ulises Carrión, tiene como objetivo ilustrar todos los aspectos de su obra artística e intelectual: desde su trayectoria inicial como joven escritor de éxito en México, sus años de universidad como alumno de posgrado en Francia, Alemania e Inglaterra durante los que estudió lenguaje y lingüística; hasta sus numerosas actividades desarrolladas en Ámsterdam, donde Carrión se estableció definitivamente en 1972 hasta su prematura muerte a los 49 años de edad.

Se exponen alrededor de 350 piezas, entre las que se incluyen libros, revistas, vídeos, obras sonoras, arte correo, proyectos públicos y performances, así como sus iniciativas como comisario, editor, distribuidor, conferenciante, archivero, teórico del arte y escritor. Un gran corpus de obras originales, estructurado en base a cada aspecto de su producción.

Sin perder de vista el carácter inclasificable de su obra, esta muestra pone de relieve su búsqueda permanente de nuevas estrategias culturales y hasta qué punto sus proyectos vienen determinados por dos aspectos fundamentales: la estructura y el lenguaje, que constituyen las directrices de sus creaciones, influídas por su formación literaria, siempre presente en sus trabajos aunque en permanente conflicto. Esta dualidad se corresponde con el título de la exposición, Querido lector. No lea, que alude al díptico de Ulises Carrión del mismo nombre, e ilustra su ambigua relación con la literatura, el tema recurrente en su obra.

Presentación: “Miradas Paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo”.

Centro Cultural Conde Duque
Sala Sur
Calle Conde Duque 9-11
Del 11 de marzo al 15 de mayo de 2016.
*Acceso gratuito
Más información en www.condeduquemadrid.es

Soledad Córdoba - Shadi Gadirian

- Fotógrafas españolas e iraníes dialogan en la muestra ‘Miradas paralelas’.
- La exposición, incluida dentro del Festival Ellas Crean, puede verse en Conde Duque del 11 de marzo al 15 de mayo.
-Entre las parejas formadas para esta exposición figuran las de Cristina García Rodero y Hengameh Golestan, o Isabel Muñoz y Gohar Dashti.

La organización corre a cargo del Ayuntamiento de Madrid y de la Asociación Cultural del Mediterráneo Occidental, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo.

Doce prestigiosas fotógrafas de dos países, España e Irán, sin aparentemente nada en común más que la cámara como forma de expresión, establecen un diálogo creativo en la exposición “Miradas Paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo”, que puede verse desde mañana viernes, 11 de marzo, hasta el 15 de mayo en la sala Sur del Centro Cultural Conde Duque.

Ghazaleh Hedayat - Mayte Vieta.

La muestra se ha concebido como un encuentro entre parejas formadas por una española y una iraní. Los artífices del dialogo son los comisarios Zara Fernández y Santiago del Olmo, así como el director de proyectos de MED-OCC, Diego Moya, a través de cuya mirada el espectador podrá apreciar las afinidades existentes entre creadoras provenientes de lugares tan diferentes.

María Zarazua - Newsha Tavakolian

Soledad Córdoba y Shadi Ghadirian; Cristina García Rodero y Hengameh Golestan; Amparo Garrido y Rana Javadi; Isabel Muñoz y Gohar Dashti; Mayte Vieta y Ghazaleh Hedayat; María Zarazúa y Newsha Tavakolian con las protagonistas de este diálogo, que se incluye del Festival Ellas Crean.

Cristina García Rodero y Hengameh Golestan durante la presentación.

La organización corre a cargo del Ayuntamiento de Madrid y de la Asociación Cultural del Mediterráneo Occidental, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo y otras entidades colaboradoras, como el Ministerio de Cultura, Educación y Deporte, la Fundación Tres Culturas del Mediterráneo, el Centro Andaluz de Fotografía, la Consejería de Cultura y la Junta de Andalucía. Asimismo, ha recibido el apoyo del Centro Cultural Persépolis de Madrid, Casa Asia, Facultad de Filología, la Universidad Complutense de Madrid, la Esfera del Arte y la Universidad Allameh Tabatabai de Teherán.

Amparo Garrido - Rana Javadi

Desde su creación hace más de 15 años, la Asociación MED-OCC (Asociación Cultural del Mediterráneo Occidental) ha tenido la convicción de que existen multitud de afinidades artísticas y culturales entre los creadores contemporáneos de diferentes países, a pesar de su desconocimiento mutuo. De ahí, la necesidad de buscar espacios de intercambio y debate permanente, como esta muestra, que ayuden a desarrollar, en el ámbito de las artes visuales contemporáneas, los lazos culturales latentes entre España y otros países como Irán.

Isabel Muñoz comparte "mirada" con Gohar Dashti.

El visitante podrá descubrir en ‘Miradas paralelas’ las afinidades entre las doce fotógrafas, cuyas obras proceden de etapas y años muy diferentes en la trayectoria de cada una de ellas.

La muestra viajará este mismo año a Teherán y a la Fundación Tres Culturas de Sevilla.

Catálogo de la exposición.


Actividades paralelas

En paralelo a la exposición y dentro del programa de Ellas Crean, se celebrará un coloquio en el que participarán las fotógrafas y los comisarios de la muestra. Será el 11 de marzo a las 19 horas en el salón de actos de Conde Duque.

jueves, 10 de marzo de 2016

Anacleto Ceracchini.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 14 de marzo al 5 de abril de 2016.
Más información en www.galeriaorfila.com

Anacleto Ceracchini.
Galería de Arte Orfila, Madrid.

Anacleto Ceracchini (Roma, 1944), pintor y arquitecto, da sus primeros pasos en la pintura con su padre Gisberto, miembro del movimiento artístico italiano Novecento, iniciado en 1923. Esta herencia se percibe de alguna forma en la impronta que la pintura metafísica y, en general, el realismo mágico desarrollado en Italia en el período de entreguerras tiene en su figuración, a la que incorpora un original ingenuismo. De ella destaca el escritor Ángel Berenguer Castellary, en el catálogo de la exposición, cómo “el color es también el sustento de un hermoso sentido del humor en el que conviven guiños, insinuaciones y nostalgia”. Nostalgia que tiene, para el critico, un “aroma de consanguinidad” y que nosotros haríamos extensible a ese aspecto de lo vernáculo, no sólo pictórico, con que este artista, afincado en España, halla en sus temas coloristas una candorosa y misteriosa universalidad.

Tras dedicar gran parte de su vida a la docencia artística, Anacleto Ceracchini realiza, desde 1963, muestras personales y colectivas en Italia, exponiendo individualmente a partir de 2006 en diversas salas de la provincia de Almería y de esta ciudad, donde reside.

Inaugurará su exposición el lunes, 14 de marzo a las 19:30 horas.

miércoles, 9 de marzo de 2016

Expectativa y memoria. España-Marruecos / XX-XXI.

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando RABASF.
Sala de exposiciones temporales
*Entrada general 8€
*Consultar si la entrada a la exposición es gratuita.
Del 12 de marzo al 17 de abril de 2016.
Más información en www.realacademiabellasartessanfernando.com

Bartolome Ros_Zoco del trigo, Tetuán (1928).

La exposición ‘Expectativa y memoria’, organizada por la Fundación Ankaria, con la colaboración de Iberdrola y la Academia, ha sido comisariada por el crítico de arte y comisario independiente Sema D’Acosta. La muestra propone una reflexión general sobre España y Marruecos –dos lugares afines pero al mismo tiempo extrañamente desconocidos-, que plantea a través de imágenes una revisión profunda y detenida de las relaciones e intercambios que han mantenido ambos países desde principios del siglo XX hasta hoy.

Expectativa y memoria no es sólo una selección característica de trabajos visuales de diferentes épocas, sino más bien un ámbito para establecer, a través de una mirada global que resalte las prolongadas influencias sostenidas, una aproximación de mayor alcance a una sociedad contigua y amiga.

Nicolas Muller_Bailarina Tajara, Larache (1942).

Paradójicamente, la frontera que significa el Estrecho de Gibraltar representa el límite entre dos continentes opuestos cuya unión comparte muchos elementos comunes, un eslabón poco reconocido entre dos culturas afines que deben acercarse entre sí para potenciar sinergias. Es precisamente en el terreno de la expresión contemporánea, poco inclinado a reforzar estos lazos y ajeno a muchas de esas conexiones naturales, donde se hace especialmente necesario revisar desde un punto de vista positivo las relaciones hispano-marroquíes, una circunstancia condicionada en exceso por la particularidad de un entorno internacional marcado por el desentendimiento entre occidente y el mundo árabe-islámico.

Miguel Trillo_En el festival L'Boulevard, Casablanca 2014.

En este esfuerzo de aproximación, la Fundación Ankaria ha pretendido crear una red de comunicación y aprendizaje para estimular la reciprocidad entre ambas sociedades. Para ello, ha concebido una exposición que toma como punto de partida las fotografías de época de Nicolás Muller y Bartolomé Ros, dos autores fundamentales para aproximarnos al norte de África durante la primera mitad del siglo pasado. En la selección se ha procurado que la mirada a ese tiempo fuese equilibrada, estableciendo equivalencias que acentúen los rasgos humanos y den protagonismo a las personas, evitando siempre el sesgo colonialista inherente en muchas escenas de ese momento, más pendiente en algunos casos del costumbrismo que de las situaciones de vida cotidiana. Al mismo tiempo, y esa es la novedad de este proyecto, se procura una concordancia y avenencia de las imágenes históricas con otras de creadores contemporáneos del siglo XXI, un encuentro a través del tiempo que permite no sólo recapacitar sobre el pasado y el futuro, sino sobre cómo se construye la identidad de un territorio a través de su imagen.

Castro Prieto_Plaza de Zeluan (2006).

La elección de estos dos momentos para contextualizar la exposición, por un lado principios del siglo XX y por otro la actualidad, es de suma importancia. En 1912 se firmó el acuerdo para la creación del Protectorado español de Marruecos, una conjunción que unió ambos destinos por varias décadas y llevó a muchos españoles al norte de África, especialmente por cuestiones de trabajo. Desde los años 90 del siglo pasado, el aumento de los flujos migratorios ha generado un proceso inverso: una vez que España adquiere desarrollo económico se convierte en receptor de ciudadanos marroquíes, que buscan en el sur de Europa una oportunidad de vida que no encuentran en su lugar de origen. Dos situaciones distintas que han prodigado, por avatares distintos, un encuentro inesperado entre lugares adyacentes.

Leila Alaui_Serie Les Marocains Rif (2013).

Tal como explica el islamista Juan José Sánchez Sandoval, “en estos momentos se hace necesario señalar que el debate crítico en torno a las relaciones España-Marruecos no es nuevo, y que siempre ha preocupado a los intelectuales españoles, como en el caso de José Ortega y Gasset y Miguel de Unamuno en el primer tercio del siglo XX. En este sentido, cabe indicar que, en la actualidad, otros intelectuales han empezado a señalar el importante papel de lo cultural en el análisis de las relaciones entre los pueblos marroquí y español, un papel crucial en la historia actual y futura”.

Siglo XX. Fotógrafos históricos
Bartolomé Ros (Cartagena, 1906 – Madrid, 1974).
Nicolás Muller (Orosháza, Imperio Austrohúngaro, 1913 – Llanes, 2000).


Siglo XXI. Creadores actuales / España.
Miguel Trillo (Jimena de la Frontera, Cádiz, 1953).
Atín Aya (Sevilla, 1955 – 2007).
Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958).
Francis Tsang (Londres, 1966).
Manolo Espaliú (Sevilla, 1970).
Lucas Gómez (San Sebastián, 1972).
Carla Andrade (Vigo, 1983).


Siglo XXI. Creadores actuales / Marruecos.
Bruno Barbey (Marrakesh, 1941).
Omar Mahfoudi (Tánger, 1981).
Leila Alaoui (París, 1982 – Uagadugú, Burkina Faso, 2016).
Yasmine Taferssiti (Tánger, 1988).


En paralelo, durante el tiempo de celebración de la exposición, se ofrece un ciclo de conferencias.

martes, 8 de marzo de 2016

The Secret Sits. Wyeth´s Wonderland, de Joséphine Douet.

Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado 8
1ª planta.Balcón-mirador
*El acceso a esta exposición es gratuito
Del 1 de marzo al 19 de junio de 2016
Más información en www.josephinedouet.comwww.museothyssen.org

The Secret Sits, Joséphiene Douet.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Coincidiendo con la exposición Wyeth. Andrew y Jamie en el taller, el Museo presenta una muestra de la fotógrafa francesa Joséphine Douet que ha seguido los pasos del pintor realista americano Andrew Wyeth (1917-2009), retratando los lugares y motivos que le inspiraron en su ciudad natal (Chadds Ford, Pensilvania).

The Secret Sits, Joséphiene Douet.
Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Su objetivo ha sido captar el misterio y la esencia del trabajo de Wyeth, recorriendo las colinas de este municipio y descubriendo a sus vecinos en la actualidad. Una experiencia que le ha servido a Douet para alcanzar una nueva perspectiva sobre el artista, a la vez que ha podido crear su propia intimidad con el entorno y reflejarla en estas fotografías.






lunes, 7 de marzo de 2016

NOPHOTO protagonistas del nuevo volumen de la Colección PHotoBolsillo.

El nuevo ejemplar de la Colección PHotoBolsillo, Biblioteca de Fotógrafos Españoles, tiene por primera vez como protagonista la obra de un colectivo: NOPHOTO. Se recogen en este volumen 53 obras en color y blanco y negro de la mano de estos 15 fotógrafos con nombres propios, que presentan tanto trabajos a título individual como del colectivo.

Nuevo volumen PHotoBolsillo. Colectivo NOPHOTO
©nophoto

El periodista argentino Diego Bagnera define NOPHOTO en el prólogo de estas páginas diciendo: "¿Son fotógrafos? No sólo. ¿Artistas? Sí y no. ¿Reporteros? Desde luego. ¿Videastas? Cuando haga falta. ¿Periodistas? También. ¿Escritores? Incluso. ¿Ensayistas? Mucho. ¿Gestores culturales? Sin duda. ¿Productores? Lo siguiente. ¿Activistas? Si tercia. ¿Editores? Imprevisiblemente, siempre. ¿Viajeros? Más aún: deambulantes. Gente de los caminos. Refundadores del territorio sobre lo que la mayoría, por mayoría, ha establecido como paisaje. Fotógrafos de origen, son ante todo y por encima de todo creadores multidisciplinares y, para decirlo de una vez, sí: artistas, una definición de la que varios de ellos quizá discrepen”.

Nuevo volumen PHotoBolsillo. Colectivo NOPHOTO
©nophoto

En sus diez años de recorrido han marcado su línea de trabajo en torno a la realidad. No obstante, y como dice Bagnera en ese prólogo, “más que reflejar la realidad (que inevitablemente reflejan) los miembros de NOPHOTO reflexionan sobre ella, ahondándola, desacralizándola, parodiándola incluso, sin caer nunca en la tentación (ni en la creencia) de poder explicarla, mucho menos resolverla. Aceptan el desafío de soportar su misterio, a veces maravillados, a veces horrorizados, asombrados siempre”.

Con sus trabajos, en los que se une la imagen con el texto en un modo imprescindiblemente complementario, “no hacen ni pretenden “hacer” algo con la realidad: se exponen a descubrir qué hace la realidad con ellos y lo expresan, apoyándose sin temor en lo personal, incluso en lo autobiográfico, sabiendo leer en lo propio lo general y simbólico”, como escribe Bagnera.

Nuevo volumen PHotoBolsillo. Colectivo NOPHOTO
©nophoto

Sus fotografías se presentan como reportajes del día a día bajo una mirada de asombro que logra la inspiración en los que se relacionan con la obra. Se muestran ante el espectador como una actitud, no como una agencia. Como ellos mismos dicen: “no es que nos guste ir a la contra: nos divierte caminar despacio, torpemente, observar las diferencias menudas entre las cosas, descubrir sus ritmos. Tratar de describir un objeto, dar una vuelta alrededor, acariciar su contorno y cubrir todo el perímetro. Preguntarse de qué está hecho y qué papel cumple en la historia. Obligarse a agotar el tema y no decir nada. Obligarse a mirar con sencillez y no resolver nada. No ilustrar, no definir, no fotografiar. Lo que nos gusta es desfotografiar las cosas y desnombrarlas”.

NOPHOTO
Fue en 2005 cuando NOPHOTO presentó su primer trabajo en conjunto dentro del Festival de PHotoEspaña. En 2007 presentan su primer proyecto corporativo completo llamado Mutua Matadero. En los próximos años los encargos y proyectos aumentan para el colectivo y comienza su internacionalización. Será en ese momento cuando nazca NOPHOTOVOZ (2009), el área participativa y social del colectivo. En 2012 publican el blogEl último verano en el que los miembros de NOPHOTO cuentan en primera persona mezclando fotos y palabras, cómo es su vida y su trabajo en el periodo más profundo de la crisis económica reciente. En ese mismo año fundan Garaje Vistahermosa, un espacio propio en el que llevan a cabo eventos, presentaciones, etc.

Son varias las exposiciones que han protagonizado, entre ellas está “El último verano, Pensando en libro, Kamikazes de la imagen y Vidas cruzadas” en CentroCentro de Madrid o “Retando a la suerte” en Tabacalera, Madrid. Así como las publicaciones de las que han sido objeto, como son “ARCO 2006, una retrospectiva” o “Aquí y ahora” de AECID y el Instituto Cervantes.

Más información en lafabrica.com/es - nophoto.org