martes, 31 de enero de 2017

Avance: Es ella una encantadora cosa.

Museo Cerralbo
Sala de Exposiciones Temporales
Calle Ventura Rodríguez 17
Del 17 de febrero al 2 de abril de 2017
*La entrada a la exposición temporal es gratuita
Más información en www.mecd.gob.es/mcerralbo/home.html

Alfredo Londaibere, sin titulo, 2013
"Es ella una encantadora cosa" Museo Cerralbo, Madrid
ARCO 2017

La exposición Es ella una encantadora cosa, se enmarca en el Programa Paralelo de ARCOMadrid, una red de exhibiciones que incluye el trabajo de más de 60 artistas de todas las disciplinas, desplegados en 16 sedes institucionales.

A su vez, Es ella una encantadora cosa, se integra en un proyecto más amplio: En el ejercicio de las cosas, ideado como una única exposición desplegada en ocho sedes de la ciudad de Madrid. En cada una de las sedes emerge una serie de aspectos que este conjunto de obras y artistas porta. Por este motivo los comisarios, Sonia Becce y Mariano Mayer, han dado un título general y un subtítulo para cada sede, a fin de señalar lo particular y lo horizontal que este conjunto de piezas y nombres ofrece.

Es ella una encantadora cosa

Los artistas presentes en esta exposición, Jorge Gumier Maier, Alfredo Londaibere, Rosana Schoijett y Marcela Sinclair, comparten el interés por la colección menor, preservada a base de impulsos por recopilar objetos impregnados de experiencias e imágenes anodinas. Un interés entendido también como una postura crítica con respecto a las estructuras que legitiman la experiencia estética, dando paso a la ironía, el sentido del humor y la reflexión de los ritos y repeticiones que protagonizan nuestra vida cotidiana. Mezclando objetos construidos con materiales industriales y facilitando otros modos de representación, construyen un clima donde la evocación metafórica no aparece de un modo lineal sino como una sospecha.

Observar el mundo que nos rodea es algo más que una actitud contemplativa, por ello cada una de estas obras presentadas a modo de “anécdotas visuales” no son necesariamente narrativas. La anécdota radica antes en el uso del material que las constituye que en los elementos biográficos y emocionales que la atraviesan. Adaptaciones sin mensajes específicos y transfiguraciones cuyo motor es la construcción estética. A través de lo efímero y desechable, elaboran un sistema de relaciones que van más allá de lo personal y familiar y nos permiten detectar con claridad la capacidad de transformación de aquello que nos rodea.

domingo, 29 de enero de 2017

Avance: Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS).
Planta 2
Edificio Sabatini
Calle Santa Isabel 52
Del 4 de abril al 4 de septiembre de 2017
Más información en www.museoreinasofia.es

Guernica - Pablo Ruíz Picasso
Sala 206 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Comisarios: Timothy James Clark y Anne M. Wagner

En 2017 se cumple el 80 aniversario de la creación de una de las piezas más icónicas de la historia del arte: Guernica, de Pablo Picasso, así como de su primera exposición al público en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937 bajo un encargo del gobierno republicano con el objeto de presentar una obra de denuncia del conflicto de la Guerra Civil española. Además, este año también se celebran los 25 años de su llegada al Museo Reina Sofía.

Con tales motivos, el Museo Reina Sofía organiza Piedad y terror en Picasso: el camino a Guernica, una gran exposición que reunirá cerca de 150 obras maestras del artista, procedentes de los fondos de la Colección y de más de 30 instituciones de todo el mundo, entre los que figuran el Musée Picasso y el Centre Georges Pompidou, de París, la Tate Modern de Londres, el MoMA y el Metropolitan Museum, de Nueva York, o la Fundación Beyeler, de Basilea, así como colecciones privadas como las de Nahmad o Menil entre otras.

A diferencia de otras retrospectivas realizadas sobre el genial artista malagueño, esta muestra pondrá su foco en la evolución del universo pictórico de Picasso, con el Guernica como epicentro, desde finales de los años 20 a mediados de los años 40 del siglo pasado, periodo en el que el artista imprimió un cambio radical en su obra. A través de piezas claves de esa época, se podrá analizar la transformación que experimenta el trabajo artístico de Picasso desde el inicial optimismo del cubismo hasta la búsqueda de una nueva imagen del mundo -entre la belleza y la monstruosidad- en una época de gran convulsión política como fueron los años 30. Se entiende el Guernica no como una obra aislada sino como una pieza fundamental que forma parte de la evolución de la obra de Picasso.

Estudiando la estructura de sus trabajos en esos años, se observa el nuevo camino que emprende el artista al introducir paulatinamente espacios y personajes diferentes, escenas de acción frenética y estática, y situaciones de violencia, miedo o dolor, expresados a menudo a través de la desestructuración de los cuerpos, hasta desembocar en un arte político que culmina en la más famosas de sus obras.

viernes, 27 de enero de 2017

Visita a: Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.

Biblioteca Nacional Española
Sala Hipóstila
Pº de Recoletos 20-22
Del 27 de enero al 2 de mayo de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.bne.es

Lola Flores por Juan Gyenes
Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

El flamenco, la expresión popular española más reconocida, es hoy admirado en todo el mundo. El momento histórico que vive esta manifestación ancestral es una buena excusa para abrir las puertas de Patrimonio Flamenco, la historia de la Cultura Jonda en la Biblioteca Nacional, una exposición que reúne obras de, entre otros, Cervantes, Goya, Estébanez Calderón, Beauchy, Picasso, Lorca, Gyenes, Edgar Neville, o Antonio Saura. Pero sobre todo rinde homenaje al cante, toque y baile de los artistas más significativos de la historia flamenca, La Niña de los Peines, Chacón, Carmen Amaya, Mairena, Caracol, Gades, Paco de Lucía, Camarón o Morente...

Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

“Al ser humano sólo le apasiona el misterio: aquello que le atrae y que no entiende; aquello que lo ilumina y lo ensombrece; aquello que le entusiasma y a la vez lo embarga de tristeza... Y pocas cosas más misteriosas que el cante jondo”, escribe Antonio Gala en el catálogo de esta exposición. De cómo ese misterio se ha extendido a lo largo de los siglos trata Patrimonio Flamenco.

Grupo flamenco femenino de Antonia, Jeroma, María y Magdalena Loreto, fotografiado por Emilio Beauchy.
Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

La exposición, comisariada por Teo Sánchez y David Calzado, muestra unas 150 obras de la Biblioteca Nacional de España, en su mayoría, y otras de instituciones como el Museo Reina Sofía o el Picasso de Barcelona. El recorrido parte de las primeras manifestaciones preflamencas que encontramos en obras como La Gitanillla de Cervantes o en estampas como El Vito, de Goya para llegar hasta las últimas películas de Saura o el arte urbano con en el que Suso33 representa hoy a Enrique Morente.

Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

Cuando Estébanez Calderón describe Un baile en Triana y Asamblea General en sus Escenas Andaluzas el flamenco ya es un hecho reconocible por una buena parte de la sociedad. En las décadas que siguen la prensa ya habla de El Planeta o Silverio Franconetti, los primeros cantaores con cartel. Los viajeros que llegan a España – como Henry Ford o Davillier- muestran con pasión esta nueva forma de expresión e incluso Antonio Machado y Álvarez, Demófilo, firma con sus ensayos y recopilaciones las primeras páginas de la flamencología.

Antonia Loreto tocando la guitarra, fotografiada por Emilio Beauchy
Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

A finales del XIX se produce la irrupción de la fotografía, una disciplina que también se ha sentido atraída por la cultura jonda. Los trabajos de Clifford, Beauchy, Gyenes, Ibáñez, Richard Avedon o James Kriegsmann dan fe de ello en la muestra. De esa misma fascinación nace la representación que del flamenco hace la pintura y, además de los artistas ya citados, de las paredes de la sala Hipóstila colgarán originales de Lameyer, Fortuny o Tapies. Se cuenta también con las representaciones que artistas como Manuel Ángeles Ortiz, Guinovart, o más recientemente Luis Gordillo o Ceesepe hicieron para discos y carteles.

Carmen Amaya, fotografiada por Juan de Gyenes
Patrimonio Flamenco. La historia de la cultura jonda en la BNE.
Sala Hipóstila,Biblioteca Nacional Española, Madrid

La literatura y el periodismo también nos cuentan del flamenco con textos de Chaves Nogales, Gómez de la Serna, Caballero Bonald o Félix Grande y el cine con la proyección de fragmentos escogidos de la obra de directores como Valdelomar, Rovira Beleta, Serrano de Osma, Carlos Sura y Tony Gatlif que consiguen captar la magia de artistas como Carmen Amaya, Antonio El Bailarín, La Paquera o Enrique El Cojo.

jueves, 26 de enero de 2017

Antonia Payero, Mujeres.

Galería de Arte Orfila
Calle Orfila 3
Del 30 de enero al 18 de febrero de 2017
Más información en www.galeriaorfila.com

Mujeres, de Antonia Payero
Galería de Arte Orfila, Madrid.

Antonia Payero, presenta su exposición “Mujeres”, su novena muestra en Galería Orfila, desde su primera del año 1981. Su ya muy extensa vida profesional, avalada por más de setenta muestras individuales, temáticas y colectivas en Madrid y otras ciudades, por las becas que recibiera de las fundaciones Juan March y Rodríguez Acosta y por la concesión de premios y menciones en certámenes de muy estrictas exigencias, subrayan la singularidad de su intervención pictórica.

S/T. Acrílico y óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm.

Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte, destaca, en el catálogo de esta exposición, la primacía que ostenta en su obra un color “que salta, puro o inventado, solo o paredaño, locuaz o silencioso”, aludiendo a los convencimientos fauves y expresionistas con que Antonia Payero se adueña de unos lienzos que el crítico califica de “fogosos, salvajes y agitados”, Un expresionismo, en relación al asunto de la exposición, por el que “Más que personajes, “Mujeres” son prototipos”, pues Antonia Payero “No hace retratos, hace etopeyas, con ecos pop, pidiendo que cada uno obtenga sus conclusiones y saque a pasear sus emociones.”

Inaugurará su exposición el lunes, 30 de enero, a las 19:30 horas.

Chema Madoz "El viajero inmóvil"

Centro Cultural Conde Duque
Sala 1
Calle Conde Duque 9
Del 9 de febrero al 16 de abril de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.chemamadoz.comcondeduquemadrid.es - www.fundacioncristinamasaveu.com


Miradas de Asturias es una iniciativa de largo recorrido de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson para promover, desde el mecenazgo, la creación de un fondo de obra inédita inspirada en Asturias y sus gentes, a partir de la visión íntima y personal de prestigiosos fotógrafos invitados. Con un respeto absoluto por su libertad creativa, la actividad genera una ambiciosa dinámica, materializada por la singular mirada de nuestros Premios Nacionales de Fotografía.

Hasta la fecha, han participado en el proyecto Alberto García-AlixJosé Manuel BallesterOuka Leele Joan Fontcuberta.

Chema Madoz. Serie El viajero inmóvil, 2016. Miradas de Asturias. Mecenazgo. Fundación María Cristina Masaveu Peterson, 2017.
Colección de Arte Fundación María Cristina Masaveu Peterson.
Centro Cultural Conde Duque, Madrid

Esta quinta edición de Miradas de Asturias tiene como fotógrafo invitado a Chema Madoz (Madrid, 1958), Premio Nacional de Fotografía en el año 2000.

EL VIAJERO INMÓVIL

Chema Madoz realiza sus fotografías a partir de la manipulación de las imágenes y los objetos cotidianos para descubrir nuevos aspectos de sus capacidades simbólicas. Para realizar esta exposición que presenta con el título de El viajero inmóvil, Chema Madoz, ha tenido que realizar el trayecto inverso al usual en su trabajo. Esta vez no son los objetos y sus significantes libres los que tienen la palabra, sino que es la propia idea de Asturias la que se convierte en el objeto a observar y definir.

Mirar Asturias, requiere, desde la perspectiva y los modos de hacer de Madoz, convertir la realidad de su espacio geográfico, sus costumbres y sus gentes, en una abstracción. Para ello nos propone un viaje inmóvil, pues para la realización del trabajo no necesita desplazarse al lugar concreto, ni obtener imágenes de la realidad cotidiana. Se trata de viajar por la imaginación para descubrir los elementos conceptuales que conforman la idea de una Asturias de la mente. Así, utilizando la capacidad de síntesis de la representación icónica, nos acerca al paisaje y a la naturaleza salvaje, al mar y sus habitantes, al clima lluvioso y a la montaña, y, por medio de la colisión de los sentidos, nos habla de sus tradiciones y sus formas de ser. Con ello consigue conectar la observación del pequeño territorio con sus representaciones poéticas que van y vuelven de la pura abstracción a lo concreto, utilizando para ello, como es consustancial a su trabajo, el sentido del humor.

En definitiva, esta es la Asturias de Chema Madoz y sabemos que el viajero ha estado realmente inmóvil. Podemos acompañarle en su viaje asturiano a través de las fotografías que componen esta exposición, que demuestran con naturalidad, elegancia y precisión que durante la realización de este trabajo nunca se ha movido de allí.


Borja Casani - Comisario

sábado, 21 de enero de 2017

Avance: Campano en color

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II Comunidad de Madrid
Calle Santa Engracia 125
Del 10 de febrero al 16 de abril de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.madrid.org
Palermo 2014 - Campano en color.
© Javier Campano
Sala de Exposiciones Canal Isabel II Comunidad de Madrid

La exposición, organizada con motivo de la concesión del Premio de Cultura 2013 en su modalidad de fotografía, presenta a un Javier Campano exclusivamente en color, con una amplia selección de sus trabajos más recientes, inéditos en su mayoría.

Roma, 2016 - Campano en color.
© Javier Campano
Sala de Exposiciones Canal Isabel II Comunidad de Madrid

A partir de 2010 Javier Campano adopta definitivamente la tecnología digital y emprende series de fotografías callejeras, donde podemos encontrar temas recurrentes en su obra junto a otros nuevos, en los que vemos su pasión por la pintura, la cultura popular y el diseño gráfico.

Nueva York, 2003 - Campano en color.
© Javier Campano
Sala de Exposiciones Canal Isabel II Comunidad de Madrid

Una de ellas es Pinturas de paso, un conjunto de fotografías encontradas en las paredes que evoca la pintura abstracta, una pasión de Javier Campano, quien siempre se ha acercado a la creación contemporánea: “Cuando miro una pared y veo un Guerrero, un Malévich, un Tàpies, un Newman o un Rothko, me vuelvo loco de alegría”. También se muestra una selección de escenas urbanas, que continúan la temática de su obra anterior y demuestran que se puede ser fotógrafo en color sin dejar de serlo en blanco y negro.

Madrid 2011 - Campano en color.
© Javier Campano
Sala de Exposiciones Canal Isabel II Comunidad de Madrid

La exposición contiene ejemplos de sus series realizadas a lo largo de muchos años de coleccionar fotos de detalles de vida urbana como señales, anuncios, letras, logos, rótulos y los demás signos con los que la ciudad se expresa y comunica. Estas fotos son el resultado de una mirada atenta a las diferencias y a lo insólito, y cercana a un imaginario pop. Además, se presenta un conjunto de fotos Polaroids y las publicaciones más relevantes de Javier Campano, una selección de sus fotolibros y catálogos.

viernes, 20 de enero de 2017

Visita a: Borrador para una exposición sin título (Cap. II). Cabello/Carceller

Centro de Arte Dos de Mayo
Planta 3ª
Av. de la Constitución 23
Móstoles - Madrid
Hasta el 7 de mayo de 2017
*Entrada gratuita
Más información en ca2m.org - www.cabellocarceller.info

Borrador para una exposición sin título (Cap. II). Cabello/Carceller
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid

Comisario: Manuel Segade
Activades paralelas:
- De ida y vuelta proyecto de formación del profesorado con Cabello/Carceller
- Visitas a la exposición: sábados 12:30 y domingos 18:30 horas

Desde 1992, Cabello/Carceller (París, 1963/Madrid, 1964) desarrollan un proyecto artístico común centrado en una crítica de la cultura visual hegemónica. Herramientas de la teoría feminista, queer y decolonial, los estudios visuales y culturales les han servido a lo largo de los años para producir un cuerpo de trabajo que pone en cuestión el modelo neoliberal de producción social. Mediante prácticas interdisciplinares ofrecen alternativas a los relatos convencionales sobre las minorías políticas, incluyendo en ellas la discusión sobre el papel de la producción artística contemporánea. Su método, basado en la colaboración mutua y en la incorporación de actores y agentes externos, les ha permitido dar representación a desplazamientos y desajustes que revelan resistencias y divergencias frente a los valores establecidos.
Borrador para una exposición sin título (Cap. II). Cabello/Carceller
Centro de Arte Dos de Mayo, Móstoles, Madrid

Después de su presencia en el Pabellón Español de la última Bienal de Venecia, esta exposición es la primera revisión retrospectiva de su trayectoria, que permite situar sus últimos proyectos dentro de un contexto que arranca en las Guerras Culturales de finales de los ochenta —su época de formación— hasta las revueltas sociales contra el regreso al orden neoliberal de los últimos años.

miércoles, 18 de enero de 2017

Leandro Katz. El rastro de la gaviota.

Espacio Promoción del Arte
Tabacalera
Sala Principal
Calle Embajadores 51
Del 17 de febrero al 16 de abril de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.promociondelarte.com - www.leandrokatz.com

Alfabeto lunar, 1978 - Leandro Katz
El rastro de la gaviota - Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Tabacalera acogerá la primera exposición del artista argentino en Madrid, reuniendo 16 series de obra fotográfica, filmes y vídeos.

La exposición, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes) y comisariada por Berta Sichel para Bureau Phi Art Projects, es una inmersión multimedia en cuatro décadas de la producción de Leandro Katz, El rastro de la gaviota- título de una de sus obras- es un ensayo visual de la conexión del artista con la antropología, la historia y la literatura desde diversos acercamientos conceptuales. En su obra, uno de los intereses más destacados es la cultura Maya. La aparente simplicidad en las imágenes de la luna en películas como Tomas Lunares o La ventana de Judas, entre otras, y también en la serie fotográfica El Alfabeto lunar, por ejemplo, están implícitamente relacionadas con esta cultura, ya que existía una íntima conexión entre la luna y algunos de sus mitos.

Charles Ludlam, 1970 - Días de aquelarre - Leandro Katz
El rastro de la gaviota - Espacio Promoción del Arte, Tabacalera, Madrid.

Nacido en Buenos Aires, Katz se trasladó a Nueva York a mediados de la década de 1960, tras un extenso recorrido por América Central y del Sur cuando era un joven poeta. El rastro de la gaviota incluye algunas de sus obras más emblemáticas como Proyecto Catherwood, reconstrucción fotográfica de las expediciones realizadas en la década de 1850 por John Lloyd Stephens y Frederick Catherwood a los territorios mayas de América Central y México; El día que me quieras, una investigación cinematográfica en torno a la captura y ejecución del Che Guevara; el filme y las fotos de Paradox, abordando la arqueología de América Central y las plantaciones de banana de la United Fruit Company en Honduras y Guatemala.

Con un proyecto expositivo original, El rastro de la gaviota reúne 16 series que incluyen filmes experimentales de los años 70, películas documentales, fotografías y textos, descarta seguir un orden cronológico en favor de grupos de obras conceptualmente relacionadas.

lunes, 16 de enero de 2017

Legendary, by Terry O´Neill

Mondo Galería
Calle San Lucas 9
Hotel Hesperia Madrid
Pº de la Castellana 57
Hasta el 14 de febrero de 2017
Más información en www.mondogaleria.com



MONDO GALERIA presenta por primera vez en Madrid esta exposición de fotografías de TERRY O´NEILL, comisariada por Diego Alonso en la que nos enfrentamos a los iconos más importantes del Siglo XX fotografiados en diferentes momentos de sus carreras artísticas. Audrey Hepburn, Sean Connery, David Bowie o Naomi Campbell posan frente a la lente de un fotógrafo que se caracteriza por la cercanía de sus imágenes y lo invisible de su presencia. Un siglo que ya ha pasado recorrido en los rostros de sus protagonistas. Admirables, adorables, entrañables y sobre todo sinceros estos 25 retratos invaden la sala de exposiciones de MONDO GALERIA, Madrid y el hall principal del Hotel Hesperia Madrid.

Kate Moss, 1993 © Terry O´Neill
Legendary - Mondo Galería, Madrid

Legendary

La carrera de este fotógrafo británico comenzó en los años 60 a partir de un golpe de suerte. Su intención era viajar a Estados Unidos para convertirse en músico y acabó haciendo una foto al secretario de Asuntos Exteriores británico dormido en el aeropuerto de Londres. Un periódico compró la imagen y su carrera dio un giro de 180 grados. Su estilo personal se define en dos factores, el uso de una cámara de 35mm, mucho más ligera y manejable que la mayoría de equipos de la época, y el tiempo que pasaba con sus retratados, con quienes pasaba días enteros, convirtiéndose en su sombra. El resultado es un estilo natural, directo e informal que se mantiene a lo largo de su carrera.

Horacio Basilicus

viernes, 13 de enero de 2017

Visita a: Different Trains - VídeoArte

Fundación BBVA
Palacio del Marqués de Salamanca
Pº de Recoletos 10
Hasta el 5 de marzo de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.fbbva.es

Different Trains
Fundación BBVA, Madrid

Duración 29 minutos. Los pases tendrán lugar cada media hora.

En 1988 Steve Reich compone Different Trains, una innovadora obra en tres movimientos para cuarteto de cuerda y cinta pregrabada. La obra, de sentido autobiográfico, evoca los viajes en tren desde Nueva York a Los Ángeles realizados por el compositor entre 1939 y 1942 como consecuencia del divorcio de sus padres. Al recuerdo de esos viajes vividos como una experiencia infantil emocionante y romántica, se sobreimpone, en el segundo movimiento, el pensamiento contrafactual de lo que le hubiera ocurrido a un judío como él de haberse encontrado en ese mismo período en Europa: los trenes hubieran sido los de deportación, sin retorno, a los campos de exterminio nazi. El último movimiento tiene como referencia el fin de la etapa bélica y el rápido proceso de transformación social, simbolizado por los nuevos trenes, así como la imposibilidad de los supervivientes de desprenderse de las dudas, ansiedades y recuerdos de la devastación y crímenes del régimen nazi.

Different Trains - Fotograma de la proyección

En 2016, por encargo de la Fundación BBVA, Beatriz Caravaggio reinterpreta las ideas de Steve Reich dotando a la partitura de vida visual. Su reescritura cinematográfica nace del montaje de imágenes de archivo de la época. La obra transcurre desde la naturaleza, los paisajes idílicos y los majestuosos trenes hasta el viaje a América de los supervivientes, habiendo atravesado por en medio las etapas más oscuras del conflicto bélico. A lo largo de este paso del tiempo, se conjuntan archivos pertenecientes a la deportación, los campos de exterminio y la liberación. La realización se caracteriza por la división de la pantalla en tres partes, aportando así una gran riqueza de significados; un tríptico levemente desacompasado que, por un lado, construye una fragmentación temporal y, por otro, un cohesionado collage de dinámicas y tránsitos. La grabación musical a la que se enlaza la obra es la considerada canónica, interpretada por Kronos Quartet en 1989.

XX Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña.

Espacio CentroCentro Cibeles
Planta 3ª
Plaza de Cibeles 1
Del 24 de enero al 5 de marzo de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.medicosdelmundo.es - www.centrocentro.org

Sergei Stroitelev “The house of light” (Ganador).

Por cuarto año consecutivo CentroCentro presenta los trabajos ganadores y finalistas del Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña, otorgado por Médicos del Mundo.

El fotógrafo ruso Sergei Stroitelev ha resultado ganador de la presente edición, por su serie La casa de la luz, en la que retrata la vida en el hospital infantil de San Petersburgo, donde todo el personal se vuelca “en iluminar la vida de niños y niñas con enfermedades terminales y acompañar a sus familiares para sobrellevar el estrés”. Del trabajo de Sergei Stroitelev, el jurado ha destacado la intimidad conseguida con las familias, el delicado y personal uso de los recursos del lenguaje fotográfico y el respetuoso y poético tratamiento de un tema tan sensible.

César Pastor Castro “Hurler, la ecuación del gran Utrilla” (Primer finalista).

En la muestra también se puede ver el trabajo de los tres finalistas. El primero, el español César Pastor Castro, con la serie Hurler, la ecuación del gran Utrilla, que refleja el día a día de Nacho, un niño de siete años diagnosticado con síndrome de Hurler, una patología rara que afecta a una de cada 175.000 personas.

El segundo finalista, el argentino Pablo E. Piovano, ha sido seleccionado con la serie El coste humano de los agrotóxicos, que denuncia las devastadoras consecuencias de veinte años de fumigación indiscriminada con productos como el glifosfato en Argentina.

Pablo E. Piovano “El coste humano de los agrotóxicos” (Segundo finalista).

Por último, el alemán Toby Binder, ha sido tercer finalista con Peace Village y sus niños y niñas, un testimonio de la llegada a Alemania de menores que provienen de países en guerra o en crisis para ser tratados en centros sanitarios europeos de la mano de la organización ciudadana Peace Village.

Toby Binder “Peace Village and its children” (Tercer finalista).

Tras veinte ediciones, el Premio Internacional de Fotografía Humanitaria Luis Valtueña se ha consolidado como un referente de la fotografía humanitaria y de denuncia de violaciones de derechos humanos. En esta vigésima edición han participado más de 270 fotógrafos y fotógrafas procedentes de 45 países.

El premio se convoca anualmente en recuerdo de cuatro cooperantes asesinados en Ruanda en 1997 y Bosnia en 1995 cuando trabajaban en proyectos de acción humanitaria: Flors Sirera, Manuel Madrazo, Mercedes Navarro y Luis Valtueña. Este último era fotógrafo de profesión, motivo por el cual este Premio lleva su nombre.

miércoles, 11 de enero de 2017

Emerik Bernard. La contemporaneidad de una pintura.

Círculo de Bellas Artes
Sala Picasso
Calle Alcalá 44
Del 2 de febrero al 2 de abril de 2017
*Entrada a las exposiciones 4€
Más información en www.circulobellasartes.com

Emerik Bernard. La contemporaneidad de una pintura.
Sala Picasso, Círculo de Bellas Artes, Madrid.

Emerik Bernard (Celje, 1937) es un artista plástico de reconocido prestigio, figura destacada del arte esloveno en la segunda mitad del siglo XX. Su pintura confluye con los principios del Alto Modernismo, al que se ha mantenido fiel hasta la fecha.
Sus creaciones pictóricas, de sólida composición, están basadas en una interesante dualidad: de una parte, destaca la organización del espacio según las leyes renacentistas de la perspectiva. Mediante recursos geométricos, se abre la epidermis de la tela hacia la oscuridad impalpable del fondo. De otro lado, este fondo, al mismo tiempo que se hunde, también se proyecta hacia la realidad externa.
El artista logra esta impresión también mediante manchas de colores que cubren la tela conforme a la lógica modernista, según la cual los distintos planos cromáticos subrayan la bidimensionalidad del cuadro.
En la temática de sus obras, se vislumbra un especial interés hacia la luz y la iluminación, la concepción de la pintura como la realización de la alegría de vivir y una inclinación por los paisajes de su país natal.

martes, 10 de enero de 2017

Bethune. La huella solidaria.

Centro Cultural Conde Duque
Sala Sur
Calle Conde Duque 9-11
Del 17 de enero al 2 de abril de 2017
*Entrada gratuita
Más información en condeduquemadrid.es

Una niña perdida pierde también su último tesoro
Bethune. La huella solidaria.
Sala Sur, Centro Cultural Conde Duque, Madrid.


El legado del doctor Bethune y la ayuda de los voluntarios canadienses a la II República.

Descubre la trayectoria vital de este singular médico, sus acciones humanitarias y novedosos métodos, así como la colaboración de miles de voluntarios canadienses a la II República.

Bethune con miembros de su equipo ante la sede del servicio canadiense de transfusión Príncipe de Vegara
Bethune. La huella solidaria.
Sala Sur, Centro Cultural Conde Duque, Madrid.

La Sala Sur acoge la exposición La huella solidaria. El legado del doctor Bethune y la ayuda de los voluntarios canadienses a la segunda república“. Por tal motivo, y como contenidos complementarios, Conde Duque acogerá distintas proyecciones cinematográficas, lecturas dramatizadas y debates que ayudarán a conocer y profundizar en la trayectoria vital de este singular médico, Norman Bethune (Gravenhurst, Canadá, 1890- Hebei, China, 1939), sus acciones humanitarias y los novedosos métodos que desarrolló durante su estancia en España, así como la colaboración solidaria de miles de voluntarios canadienses a la II República.

La exposición traza un recorrido por la vida de Bethune, a través de una serie de fotografías que recogen sus inicios como reputado cirujano en Montreal, su labor sanitaria en España durante la Guerra Civil y su trabajo en China como cirujano de campaña en el frente.

La organización tanto de la exposición como de los actos complementarios corresponde a la Fundación Canadá y la Asociación de Amigos de las Brigadas Internacionales (AABI), con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid y el respaldo de otros municipios vinculados a la acción solidaria y generosa de este médico sin fronteras, así como del embajador canadiense en España. En este sentido, la iniciativa cuenta con un comité de honor compuesto por el embajador de Canadá en Madrid, Matthew Levin; la alcaldesa de Gravenhurst, ciudad natal del doctor Bethune, Paisley Donaldson; la alcaldesa de Madrid, Manuela Carmena; el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre; el alcalde de Valencia, Joan Ribó, y el alcalde de Rivas-Vaciamadrid, Pedro del Cura.

lunes, 9 de enero de 2017

"Desperté de ser niño, nunca despiertes...".

Blanca Berlín Galería
Calle Limón 28 - Plaza Guardias de Corps (junto al Conde Duque).
Desde el 12 de enero de 2017
Más información en www.blancaberlingaleria.com



Desperté de ser niño, nunca despiertes…
Fotografías de niños (1935 – 1995).

Cristóbal Hara, Eugeni Forcano, Gabriel Cualladó, Nicolás Muller y Ramón Masats.

Hacemos nuestras las estrofas de Miguel Hernández con las que el poeta alicantino, desde el más profundo desaliento de su celda, anima al hijo recién nacido a superar las adversidades, a aprovechar los años inocentes de la niñez, a hacer de la risa una fuerza incontenible…. Y hemos reunido en la galería una conmovedora colección de imágenes con los niños como protagonistas, fotos irónicas, divertidas, poéticas, ingenuas, sorprendentes, tristes, estremecedoras… instantáneas que los impedimentos legales no permitirían realizar hoy. Por ello, y por haber sido captadas por cinco de los principales representantes de la historia de la fotografía española, esta exposición adquiere un sentido único y especial. Los artistas son Ramón Masats, con quien inauguramos nuestra galería hace ya 10 años, Cristóbal Hara, Eugeni Forcano, Gabriel Cualladó y Nicolás Muller, todos ellos galardonados con reconocimientos tan importantes como el Premio Nacional de Fotografía o el Bartolomé Ros, entre otros.

sábado, 7 de enero de 2017

Avance: Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España, 1925-1970.

Museo ICO
Calle Zorrilla 3
Del 16 de febrero al 14 de mayo de 2017
*Entrada gratuita
Más información en www.fundacionico.es/museo-ico.html

Maspons-Ubiña, Filial Seat, Barcelona, 1961. Arquitectos: César Ortiz-Echagüe y Rafael Echaide. Cortesía de Arxiu Fotogràfic de l'Arxiu Històric del Col·legi d'Arquitectes de Catalunya.
Cámara y modelo. Fotografía de maquetas de arquitectura en España, 1925-1970
Museo ICO, Madrid

Esta exposición, comisariada por Iñaki Bergera en el marco del proyecto de investigación “Fotografía y arquitectura moderna en España”, y promovida y producida por la Subdirección General de Arquitectura y Edificación del Ministerio de Fomento, rendirá por primera vez un homenaje conjunto a dos importantes sistemas de representación arquitectónica: la maqueta y la fotografía. Estará formada por una amplia selección de fotografías originales de maquetas de destacados proyectos de la modernidad española del siglo XX, conformando un notable discurso visual, crítico e historiográfico, una suerte de narrativa visual paralela del devenir moderno de la arquitectura española. Contará con obras de fotógrafos como Català-Roca, Kindel, Pando, Lladó, Maspons-Ubiña o Gómez, y de arquitectos como Aizpurúa, de la Sota o Higueras, e incluirá igualmente maquetas originales de época.

jueves, 5 de enero de 2017

Lewis Baltz

Fundación Mapfre
Sala Bárbara de Bragranza
Calle Bárbara de Braganza 13 (Recoletos 27)
Del 9 de febrero al 4 de junio de 2017
* Entrada 3€
Más información en www.fundacionmapfre.org

Piazza Pugliese #2, 1991 - Nuevos Sitios de Tecnología
© Lewis Baltz - Cortesía Galerie Thomas Zander

Fundación Mapfre presenta en Madrid (sala Bárbarta de Braganza) la primera gran exposición retrospectiva de la obra de Lewis Baltz tras su fallecimiento en 2014.

Santa Fé, 1973 - Serie Prototipos
© Lewis Baltz - Cortesía Galerie Thomas Zander 

Lewis Baltz explora la obra del artista como un conjunto complejo de series interrelacionadas, desde sus primeros "Prototipos" y "The Tract Houses" hasta "Park City, "San Quentin Point" y "Candlestick Point" hasta "Nuevos Sitios de Tecnología" y "Venezia Marghera", todos publicados por Steidl. La muestra sitúa simultáneamente la obra de Baltz en el contexto de la fotografía y el arte contemporáneo desde los años 70, para examinar completamente su influencia y legado significativo.

Tract House #4, 1971
© Lewis Baltz - Cortesía Galerie Thomas Zander

Baltz es uno de los representantes más prominentes del movimiento New Topographics, que fue fundamental para el desarrollo de la fotografía conceptual. Su serie fotográfica documenta el impacto de la civilización industrial en el paisaje, centrándose en lugares fuera de los límites de la recepción canónica: terrenos baldíos urbanos, zonas industriales abandonadas, almacenes. Sus fotografías revelan las correspondencias entre las formas espaciales cotidianas y las formas más avanzadas que se encuentran en el arte. Las estrategias de Baltz reflejan un profundo conocimiento de la historia de la fotografía y presentan al fotógrafo como un maestro de ver quien visualiza el mundo en gestos reductivos, a menudo irónicos.

miércoles, 4 de enero de 2017

Visita a: La vida por delante. La infancia en la calle, 1941 – 1951. Fotografías de Valentín Vega.

Museo Nacional de Antropología
Salas de exposiciones temporales
Calle Alfonso XII, 68
Del 16 de diciembre de 2016 al 12 marzo de 2017. 
Inauguración, jueves 15 de diciembre, a las 19:30h.
*Entrada gratuita a la exposición.
Más información en www.mecd.gob.es/mnantropologia/portada.html

Valentín Vega - La vida por delante
Museo Nacional de Antropología, Madrid.

Un proyecto del Museo del Pueblo de Asturias y el Museo Nacional de Antropología. 


Valentín Vega - La vida por delante
Museo Nacional de Antropología, Madrid.

El Museo del Pueblo de Asturias alberga una rica colección de fotografías que ofrece un inigualable recorrido por la historia de nuestra sociedad a lo largo de todo el siglo XX. Uno de los archivos fotográficos que custodia es el de Valentín Vega (1912-1997), un fotógrafo de calle, “por necesidad”, que trabajó en la cuenca minera asturiana entre 1941 y 1951. Se trasladaba en bicicleta o en tren, y con su cámara Leica retrató la vida callejera cotidiana. Pocas escenas de la vida de aquel tiempo escaparon a su objetivo: obras, escuelas, cementerios, bares, minas, fuentes, tejeras, mercados, estaciones de ferrocarril, romerías... Personas de clase media y baja, sobre todo niños y niñas, a las que intentaba arrancar una sonrisa en una época en la que el país no estaba para muchas alegrías. Una época dura, pero en la que no faltó el optimismo de quienes tenían la vida por delante. Y nadie captó esa sonrisa, blanco sobre negro, como Valentín Vega…

martes, 3 de enero de 2017

Joan Miró

Galería Elvira González
Calle Hermanos Álvarez Quintero 1
Del 12 de enero al 25 de marzo de 2017
Más información en www.elviragonzalez.es

Composition, 1976 | © ADAGP, Successió Miró, Courtesy Galerie Lelong Paris

El próximo 12 de enero de 2017 la Galería Elvira González inaugurará una exposición individual de Joan Miró (1893-1983), referente fundamental de las vanguardias históricas del siglo XX. Esta muestra, la segunda dedicada al autor en la galería, esta compuesta por dos pinturas, diez esculturas realizadas entre los años 70 y principios de los 80 y cinco obras sobre papel.

La exposición se realiza conjuntamente con la familia Miró y la Successió Miró. En ella se hace patente el interés de Miró por la naturaleza, por los objetos cotidianos y por los utensilios vistos como fuente de inspiración poética.

Las primeras esculturas datan de 1930. El artista las denominó construcciones y assemblages. A partir de 1966 Miró realizará esculturas de forma sistemática hasta el final de su carrera, realizando más de 400, prácticamente todas ellas en bronce.

La muestra incluye diversas esculturas en las que el artista recrea, con su lenguaje poético único, un universo enigmático de seres teatrales, como en el caso de Gymnaste (1977), Jeune fille à l’étoile (1977), Danseuse (1981) o Le Chanteur d’opéra (1977). Para componerlas, Miró otorga a objetos cotidianos, tales como sillas, perchas o instrumentos de cocina, una nueva personalidad. El Chanteur Mongol (1971) recoge el timbre de la casa de Miró que sobre una masa de arcilla con un orificio inferior evoca una figura femenina.

Femme sur la place d’un cimetière, Joan Miró, 1981 | © ADAGP, Successió Miró, Courtesy Galerie Lelong Paris

El taller de Miró estaba poblado de múltiples objetos que muchas veces, combinados de forma aleatoria, concluían en una escultura. Como escribe Jacques Dupin, amigo y biógrafo de Miró: “Todo empieza con una recolección súbita. Miró se escabulle fuera del taller como una sombra y vuelve cargado como un ganapán […] es el tesoro secreto de un vidente, el yacimiento de una riqueza infinita de objetos insignificantes donde Miró reconoce los suyos”. Así, el artista, como también recuerda Dupin, “a veces se extasiaba ante lo que para mí era invisible”.

Es el caso de la escultura de más de tres metros de altura titulada Souvenir de la Tour Eiffel (1977) uno de los ejemplos más claros de una obra realizada tras un proceso de reflexión, donde las sucesión de ideas, variaciones, añadidos y assemblage de objetos que se encontraban en el estudio del artista se convierten en una escultura. De esta obra existen múltiples dibujos preparatorios y fotografías del estudio donde se ven los elementos de la obra apoyados en las paredes, en el suelo… Una escultura realizada con una lámpara de mimbre que se apoya sobre cuatro patas cuya pantalla ha sido sustituida por la figura de un cabezudo, concretamente la cabeza de Groucho Marx. Una horca de madera como una peineta remata la pieza que a sus pies tiene una caja repleta de tubos de pintura usados y cables… Todos estos objetos son fundidos posteriormente en bronce. El resultado, una figura lúdica y simbólica, un personaje enigmático que para Miró es el recuerdo de la Torre Eiffel y evoca al los castellers catalanes y los personajes de gigantes y cabezudos que tanto le gustaban.

Tal y como él mismo escribió en una carta a su marchante de Nueva York Pierre Matisse en 1936: “Me siento atraído por una fuerza magnética hacia un objeto, sin premeditación alguna, luego me siento atraído por otro objeto que al verse ligado al primero produce un choque poético, pasando antes por ese flechazo plástico, físico, que hace que la poesía te conmueva realmente y sin el cual no sería eficaz”.

La selección de la exposición se completa con pinturas y dibujos como Oiseau, étoiles (1977), Composition (1976) o Homme, femme et oiseaux dans la nuit (1970). Algunas de estas obras se exponen por primera vez.